Sei un uomo che deve governare il suo destino. Ma questo non puoi governarlo. (Calipso – Charlize Theron)

A distanza di tre anni da Oppenheimer (2023), Christopher Nolan ci porta nell’opera di Omero con una pellicola mastodontica e lunghissima, divisa in tre fasi narrative. Se la prima racconta la crescita delle tensioni in una Itaca dove le speranze di un ritorno di Ulisse sono ormai quasi estinte, la seconda, con il racconto del suo vagabondaggio marittimo dopo la presa di Troia, si compone di rappresentazioni della sua memoria dopo anni lontano da casa, dove la narrazione inizialmente frammentata a poco a poco si completa, e dove lo sforzo di ricordare i momenti più dolorosi impone che questi arrivino solo verso la fine del viaggio, tanto esteriore quanto interiore.

Quello di Ulisse, infatti, è il più letterale “viaggio dell’eroe”, su cui è impossibile non vedere un filo conduttore con quanto già espresso da Nolan con Oppenheimer, un uomo schiacciato dal peso delle proprie scelte, incapace di separare il successo dell’impresa dalla distruzione che aveva contribuito a generare, e il regista ne fa ereditare ad Ulisse la stessa condanna morale: non è l’eroe che pensava di essere, che fatica a tornare a casa non tanto perché il mare glielo impedisce, ma perché è lui stesso a non sentirsi più degno del calore del suo focolare. Per vincere la guerra di Troia si è trasformato consapevolmente in un usurpatore di vite e di tradizioni e il suo lungo errare diventa un espediente per ottenere il tempo necessario per accettare questa parte della sua natura. Solo quando sarà disposto a guardare in faccia il dolore provocato agli altri, soprattutto alle famiglie a cui appartengono le vite spezzate per le sue scelte, ammettendo quanto in realtà non sia un uomo forgiato di sole virtù, potrà davvero tornare ad essere il re di Itaca.

Questa parte centrale, purtroppo, soffre di alti e bassi, non tanto perché sia noiosa o non coinvolgente (la pellicola dura quasi tre ore, ma ha un ottimo ritmo e non si è mai tentati di spiare l’orologio), ma a causa della necessità di spezzettare troppo spesso il racconto in episodi, ricordati da Ulisse tra una conversazione e l’altra con Calipso, con la quale egli sta passando anni annebbiato dalla leggerezza e spensieratezza regalati dal mangiare i fiori di loto da lei offerti. L’essere un insieme di flash e memorie che compongono man mano il periodo tra Troia e il naufragio sull’isola di Ogigia impediscono di approfondire tali episodi, anche se permettono delle ellissi evidentemente necessarie per non allungare ulteriormente l’opera. Di conseguenza, di fatto gli eventi in tempo reale sono quelli su Ogigia, Sparta e Itaca, mentre in tutti gli altri casi l’Ulisse a schermo è quasi sempre all’interno di un ricordo.

In ogni caso, è la terza fase quella più riuscita, perché svela tutta la parte più emotiva che finalmente ha la libertà di emergere: l’amore e al contempo la frustrazione di Penelope, il legame di Ulisse con la sua gente, con la sua famiglia, il riconoscimento di Argo, l’importanza di Telemaco di essere riconosciuto come degno erede e quindi tutti gli elementi in cui più si crea empatia con i personaggi affiora alla fine ed effettivamente si può dire che Nolan qui ha saputo tornare alla potenza dei finali, che fino a Interstellar (2014) erano stati una costante della sua filmografia, dove la componente emotiva emergeva con forza, mentre i suoi lavori più recenti si erano dedicati più a parlare alla testa che alla pancia, e probabilmente parte del merito questa volta è anche di una materia prima così nota e universale.

Inoltre, la divisione in atti così netta si porta dietro anche il particolare approccio di Nolan col tempo, ovvero le diverse modalità di contestualizzazione temporale degli eventi, in questo caso divisi tra “presente” e “ricordi”. Nonostante questi elementi, tuttavia, si percepisce poco la mano di Nolan nella regia, un po’ anonima e senza picchi, forse un po’ vittima del peso universale della storia da narrare, che non rende giustizia al fatto di essere il suo primo film completamente girato in IMAX. Le scene di combattimento a loro volta soffrono ancora della mancanza di una vera coreografia, per cui si percepisce che, come in altre occasioni, non c’era l’ambizione di puntare neanche questa volta su questo fronte.

Il cast, invece, è piuttosto riuscito, dimostrando l’inutilità delle polemiche che erano emerse online e quanto viviamo in un mondo in cui anche la voce di corridoio meno fondata, se si porta dietro la possibilità di creare engagement grazie al suo potenziale potere polemico, viene issata a verità e cavalcata da chi è consapevole che quando la realtà la renderà inappropriata, ormai si sarà ottenuto il proprio scopo. Gli attori che erano stati messi più in dubbio hanno quindi la loro ragion d’essere ed esiste il contesto giusto per tutti loro, e bisogna dare atto a Nolan di aver avuto grande fiducia nel proprio lavoro, senza dar peso alle preventive sentenze di questa parte di audience.

Infine, va fatta una menzione della più recente iterazione di Ulisse, in Itaca. Il Ritorno (2025), dove Ralph Fiennes lo interpreta in un modo probabilmente migliore, dando vita ad un uomo combattuto, con occhi più profondi, e un dolore più sommesso e allo stesso tempo più struggente; tuttavia, anche Matt Damon fa un buon lavoro e sicuramente, sottoposto all’esigenza di presentare il protagonista in un arco temporale più lungo e completo, ha dovuto gestire anche la necessità di coniugare rappresentazioni distanti vent’anni l’una dall’altra.

Quale che sia la versione che si preferirà, è importante che questi grandi racconti epici continuino ad avere nuove e diverse interpretazioni, perché solo la varietà ci permette di osservare da più punti di vista le storie che rappresentano degli archetipi fondamentali della cultura occidentale in generale, che raccontano dilemmi e contraddizioni alla base dell’umanità della sua storia.

Odissea

Regia: Christopher Nolan

Attori: Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Tom Holland, Charlize Theron, Zendaya, Lupita Nyong’o, Jon Bernthal, John Leguizamo, Elliot Page, Benny Safdie

Durata: 172 minuti

Uscita: 16 luglio 2026

Mio cugino e io abbiamo idee molto diverse su cosa vuol dire essere un eroe. Lui vede il bene in tutti, io vedo la verità. (Kara Zor-El – Milly Alcock)

Ci sono film che nascono con un peso specifico importante, e altri che sembrano esistere solo per riempire uno spazio vuoto nel calendario delle uscite. E questo secondo capitolo del nuovo universo DC, almeno per come si presenta al cinema, appartiene purtroppo alla seconda categoria. È un film che non riesce mai a trovare una propria identità, e che sembra costruito più per assemblaggio di riferimenti che per una reale idea di portare qualcosa nel mondo della settima arte. Il risultato è un’esperienza che, invece di rilanciare un personaggio già di per sé derivato dal ben più noto Superman, non fa nulla per ribaltare i pronostici, finendo per svuotarlo completamente di significato.

La sensazione dominante è quella di un collage confuso di influenze già viste. C’è Star Wars nella struttura da viaggio interstellare e negli scenari “da cantina galattica”, c’è Mad Max nella deriva desertica e nell’inseguimento continuo che occupa buona parte del film, e c’è persino un tono alla Rick and Morty nel tentativo di inserire elementi stranianti e creature fuori registro. Il problema non è l’ispirazione in sé, ma il fatto che queste componenti non si amalgamano mai in un linguaggio coerente. Rimangono citazioni isolate, che non costruiscono mai un universo credibile o anche solo interessante.

La narrazione, poi, è il punto più fragile dell’intera operazione. Più che una storia, sembra un lungo inseguimento dilatato per poco meno di due ore, senza veri snodi drammatici o evoluzioni emotive. Non c’è un viaggio dell’eroe riconoscibile, non c’è una progressione che porti il personaggio principale a trasformarsi in modo significativo. Si procede per episodi scollegati, spesso giustapposti senza una reale necessità, fino a dare la sensazione di assistere a un montaggio di idee non sviluppate piuttosto che a una sceneggiatura compiuta.

Questo si riflette inevitabilmente anche nella gestione dei personaggi. Nessuno riesce davvero a emergere. La protagonista Kara Zor-El, che dovrebbe essere il centro emotivo e narrativo del film, rimane invece schiacciata da una scrittura superficiale, incapace di darle profondità o conflitto interno credibile. I personaggi secondari oscillano tra la macchietta e la funzione puramente ornamentale, come se fossero stati inseriti solo per riempire scena o per giustificare passaggi di trama già fragili in partenza. Anche la presenza di Jason Momoa, infatti, sembra esistere al solo scopo di inserire il personaggio di Lobo quanto prima nel DCU, anziché attendere il momento in cui avesse davvero senso farlo. Nessun rapporto tra i personaggi risulta appagante, non esiste una dinamica che lasci il segno. Questo dimostra anche come nel 2026, dopo almeno 25 anni di constante fornitura di cinecomic, sia ancora possibile rovinare del buon materiale di partenza, in quanto già solo l’incipit del fumetto da cui è ispirato il film, “Supergirl: La Donna del Domani” di Tom King, fornisce un coinvolgimento facilmente trasponibile su pellicola, e che invece si è deciso modificare, peggiorando in toto il lavoro originale.

Dal punto di vista tecnico, il film non riesce a compensare le debolezze della scrittura. La regia si limita spesso a seguire l’azione senza mai imprimere una vera identità visiva. La CGI è costante, quasi invasiva, ma raramente davvero integrata in modo convincente con l’ambiente o con la messa in scena. Anche le musiche, che avrebbero potuto dare respiro o carattere alle sequenze, restano in sottofondo senza mai diventare un elemento memorabile o distintivo. Il risultato è un prodotto piatto, che scorre senza lasciare tracce.

Un altro elemento che colpisce negativamente è la totale mancanza di costruzione del mondo narrativo. Ci si muove tra ambienti che sembrano esistere solo per necessità di scena, senza una reale coerenza interna o una mitologia comprensibile. Alcune scelte, come la presenza di contesti linguistici e culturali non giustificati, contribuiscono a rafforzare la sensazione di un universo non pensato fino in fondo, ma semplicemente accennato e lasciato lì.

In questo quadro si inserisce inevitabilmente anche una riflessione più ampia sull’universo DC e sulla direzione intrapresa da James Gunn. L’idea di rilancio e ripartenza, che sulla carta avrebbe dovuto portare freschezza e una nuova visione, qui sembra inciampare proprio nella mancanza di una linea artistica chiara. L’assenza di personaggi forti o di un impianto narrativo solido fa emergere una gestione ancora incerta, più concentrata sulla costruzione di un universo condiviso che sulla qualità dei singoli film. E Supergirl, in questo senso, diventa un esempio emblematico di questa fragilità strutturale.

Alla fine, quello che resta è un film che non riesce a trovare una sua ragione d’essere. Non intrattiene davvero, non emoziona, non costruisce nulla che possa rimanere nello spettatore dopo la visione. Anche quando tenta di essere leggero o spettacolare, fallisce nel coinvolgimento. È un’opera che scorre senza direzione, senza ritmo e senza una vera idea di cinema dietro.

Supergirl diventa così un’esperienza frustrante proprio perché priva di qualsiasi punto d’appoggio: né spettacolo, né racconto, né personaggi. Solo una lunga sequenza di eventi che si susseguono senza mai trasformarsi in qualcosa di significativo. E in un panorama cinematografico che avrebbe bisogno di visioni forti e riconoscibili, questo tipo di insipienza pesa ancora di più.

Supergirl

Regia: Craig Gillespie

Attori: Milly Alcock, Jason Momoa, David Corenswet

Durata: 107 minuti

Uscita: 25 giugno 2026

“Ci sono luoghi che crediamo di aver lasciato per sempre e che invece continuano a vivere dentro di noi “ – Amici di Cecile –

Titolo originale “ Partir un Jour”, tratto dall’omonima canzone francese. Il titolo italiano “ Allora Balliamo” è quasi certamente una scelta distributiva volta a evidenziare l’aspetto musicale e sentimentale del film rendendolo più immediato ed accattivante per il pubblico italiano.
Il film è il primo lungometraggio di Amelie Bonnin, sviluppato da un cortometraggio omonimo che aveva già ottenuto importanti riconoscimenti in Francia.
Il film ha aperto il Festival di Cannes nel 2025

Cecile vive a Parigi, dove ha costruito una brillante carriera come chef ed è prossima a realizzare il suo più grande sogno : aprire un ristorante tutto suo. Accanto a lei c’è il suo compagno Sofiane , con il quale condivide una vita apparentemente stabile e un futuro già tracciato.
Ma quando il padre Gerard viene colpito da un grave problema di salute, Cecile è costretta , spinta anche dal suo compagno, a tornare nel piccolo paese della sua infanzia. Il ritorno , inizialmente previsto come una breve parentesi, si trasforma presto in un viaggio dentro se’ stessa.
Cecile inoltre scopre di essere incinta, una circostanza che rende pi’ profonde le riflessioni sul proprio futuro e sul significato della famiglia. Mentre cerca di assistere il padre, si ritrova a fare i conti con ricordi, emozioni e sentimenti che aveva creduto di aver definitivamente superato .
Nel paese ritrova Raphael, il ragazzo che aveva amato da giovane e che rappresenta una parte importante della sua vita passata.
L’incontro tra i due riapre inevitabilmente vecchie ferite e suscita interrogativi sulle strade che ciascuno ha scelto di percorrere.

Uno dei momenti più toccanti del film è quando Gerard, il padre della protagonista, canta alla figlia “ Cecile, ma fille”, una scena che racchiude tutta la tenerezza e la fragilità del rapporto tra padre e figliae che rappresenta il cuore emotivo del film.
La straordinaria delicatezza con cui viene affrontato il tema del ritorno a casa è l’aspetto che più mi ha colpito del film.
La malattia del padre non è soltanto un evento drammatico , ma diventa il catalizzatore che costringe Cecile a fermarsi e a guardare dentro di se stessa. Tornando nei luoghi dell’infanzia, la protagonista entra finalmente in contatto con una realtà familiare che , da ragazza, non aveva avuto la maturità per comprendere fino in fondo.
La casa dei genitori assume quasi il ruolo di un personaggio. Ogni stanza, ogni oggetto e ogni ricordo sembrano ricordare a Cecile chi era prima di diventare la donna di successo che vive a Parigi.
Il film suggerisce con grande sensibilità che non è possibile comprendere pienamente il presente senza riconciliarsi con il proprio passato.
Molto interessante è anche il personaggio di Raphael. Egli rappresenta la vita che Cecile avrebbe potuto avere se fosse rimasta nel paese natale. E’ un uomoche appare in qualche modo “ accontentato”, sia dal punto di vista professionale sia da un punto di vista sentimentale. Ha costruito una vita ordinaria, lontana dalle ambizioni che caratterizzano la protagonista. Il fatto che non riveli immediatamente la propria situazione familiare contribuisce a mantenere viva l’illusione di un amore rimasto sospeso nel tempo e rende ancora più malinconico il loro rapporto.
Un altro tema importante è il segreto che Cecile cerca di custodire. Pur vivendo con Sofiane e condividendo con lui il proprio presente , non riesce a mostrargli completamente il mondo da cui proviene. E’ come se temesse che il confronto tra la donna di oggi e la ragazza di ieri potesse incrinare l’immagine di se’ costruita negli anni. L’arrivo improvviso di Sofianenel paese natale la costringe invece ad abbattere queste difese e a mettere in comunicazione due parti della sua vita che aveva sempre tenuto separate.
La gravidanza aggiunge ulteriore profondità alla storia. Sapere di stare per diventare madre porta Cecile a guardare con occhi diversi il rapporto con i genitori e le proprie origini. Per la prima volta comprende pienamente cosa significhi appartenere a una famiglia e trasmettere qualcosa di se’ alla generazione successiva.
Tra tutti i legami raccontati nel film , ce n’è uno che mi ha particolarmente colpito, quello tra Cecile ed il suo cane Boquese.
Mentre gli esseri umani nascondono sentimenti , tacciono veritàe faticano a comunicare , il cane rappresenta una presenza costante e sincera. Durante tutto il soggiorno nella casa di famiglia cerca continuamente la vicinanza della protagonista, la segue, la osserva e soprattutto non perde occasione di dormire accanto a lei.
Ho trovato molto significativa questa presenza, perché sembra ricordarci che l’amore più puro è quello che non pretende nulla in cambio. In una storia fatta di rimpianti, occasioni perdute e sentimenti complessi, il cane diventa il simbolo dell’affetto incondizionato.
Allora Balliamo è molto di più di una storia romantica. E’ un film che parla di appartenenza, memoria, famiglia e identità.
Attraverso il ritorno di Cecile al paese natale, il regista ci invita a riflettere sulle nostre radici e sulle scelte che hanno determinato il corso della nostra vita.
La pellicola emoziona senza mai risultare artificiosa, grazie a personaggi credibili e a una narrazione che privilegia gli sguardi, i silenzi e le emozioni autentiche. Il messaggio finale sembra essere che non possiamo cambiare il passato, ma possiamo comprenderlo e accettarlo, perché è proprio da esso che nasce la persona che siamo diventati.
Un film delicato, nostalgico e profondamente umano, capace di lasciare nello spettatore una riflessione che continua anche dopo i titoli di coda

Ci sono due versioni di questa storia: versione A, Gary aspetta paziente accanto alla porta; versione B, Gary ci attacca e voi passate le prossime sei ore a scrostarlo dalle pareti (Bronco – Jake Gyllenhaal)

A distanza di solo un anno dalla sua precedente pellicola, Fountain of Youth – L’eterna giovinezza (2025) Guy Ritchie torna per la terza volta a lavorare con Eiza González ed Henry Cavill, il suo James Bond personale (MGM, è ora di farci un pensierino), e per la seconda volta con Jake Gyllenhall, che negli ultimi tempi sembra aver abbandonato le parti folli e borderline come quella del protagonista de Lo sciacallo – Nightcrawler (2014), per diventare forse un po’ troppo presto un’icona Action di poche parole, considerando il suo eclettismo.

L’incipit di questo ultimo lavoro ricorda molto Ocean’s Eleven (2001), con una parte dedicata esclusivamente alla meticolosa preparazione di buona parte di ciò che avverrà dopo, montando in maniera efficace l’aspettativa di ricevere nella seconda metà un susseguirsi di combattimenti, inseguimenti ed escamotage al fulmicotone.

Purtroppo, però, con il passare dei minuti i nodi vengono al pettine, e l’assenza di motori emotivi o scopi interessanti a spingere i personaggi portano la pellicola a galleggiare su elementi inflazionati e scontati: due protagonisti di poche parole e poche espressioni, Bronco (Jake Gyllenhall) e Sid (Henry Cavill), ingaggiati da una giovane donna esperta in riscossioni senza scrupoli, Rachel Wild (Eiza González), per convincere con le buone o con le cattive un esponente importante della criminalità, Manny Salazar (Carlos Bardem), residente in un’isola praticamente di sua proprietà delle Canarie, a restituire un miliardo di dollari ad un fondo USA che ingenuamente credeva che li avrebbe riottenuti indietro.

Durante la preparazione iniziale vengono presentati uno per uno i vari membri della squadra che Bronco e Sid hanno radunato per proteggere Rachel da eventuali rappresaglie delle guardie del corpo di Salazar, ma con dei protagonisti già molto poco caratterizzati, di questi altri inevitabilmente restano solo un volto e un nome, senza nessuna possibilità di creare un aggancio con lo spettatore. Nessun personaggio ha un background, una chiara motivazione, un’evoluzione narrativa. Tutti sono figli di una penna poco brillante, concentrata sul mettere in fila gli eventi senza approfondimenti, portando a far emergere un senso di bozza durante la visione.

C’è un piccolo di barlume di sviluppo legato alla vendetta e all’onore, dalla metà in poi, ma sempre in maniera molto velata. Inoltre, delude constatare la somiglianza della pellicola con altre opere del regista, dove però questa volta la caratterizzazione viene maggiormente diminuita, impoverendo una sceneggiatura che già ci si poteva aspettare non ambisse a riscrivere il paradigma del genere action. È tutto troppo semplice e lineare: nulla sembra mai sfuggire di mano o essere davvero a rischio, si prosegue con il pilota automatico e nonostante la durata limitata (98 minuti), si percepisce in certe sezioni la mancanza di idee e il conseguente allungamento di momenti che avrebbero funzionato meglio se eliminati o accorciati.

I paesaggi delle Canarie in parte aiutano, invece, a rendere variegato il contesto, tra mare, città, viette, canali di scolo, colline, deserti. Parte del film è anche ambientata a Manhattan, che si potrebbe definire forse il vero nemico del film, casa e rappresentazione del capitalismo più avido e ingordo, dove o si diventa come Rachel e i suoi omologhi, o si viene schiacciati dai piedi degli altri arrampicatori sociali, e che in parte spiega la mancanza di “personalità” di quasi tutti i personaggi, con la loro anima ormai troppo consumata dalla necessità di fornire i propri lati emotivi in pasto alla fame di potere.

Questa chiave di lettura è forse l’unico elemento che porta una riflessione, creando una dicotomia tra la sede del capitalismo, appunto Manhattan, e le Canarie, con l’isola di proprietà di Salazar a farle da contraltare, dove le regole dei grandi fondi e banchieri non valgono.

Tuttavia, la cosa davvero sorprendente è come a livello registico ci siano sì carrellate interessanti, e si percepisce la pesantezza e la forza delle armi e delle persone in gioco, ma l’azione è veramente poca, confinata a classiche sparatorie frontali, inseguimenti ripetitivi e senza guizzi, con giusto un momento di presa diretta dal mezzo di trasporto, a dare un po’ di immersività. Inoltre, c’è un elemento di ripetitività stessa tra le due metà della pellicola, dove di fatto la seconda ripercorre la prima, per un motivo poco credibile che eviterò di spoilerare, ma che sicuramente stona quando sul personaggio di Rachel era stata fatta tanta leva sulla sua intelligenza, furbizia e scaltrezza.

Nel 2026 è difficile uscire dal cinema senza un po’ di amaro in bocca dopo un’opera che sceglie di offrire così poco, soprattutto con un cast che meritava più cura e ispirazione. Di fatti, qualche colpo di scena o qualche doppio gioco per renderlo anche solo più intrattenente, senza per forza reinventare la ruota, avrebbe giovato.

La speranza è che Guy Ritche non si sia un arreso a una formula collaudata che risulta ormai fuori tempo massimo, dopo i vari film Action che dal 2015 ad oggi hanno offerto, se non per forza trame incredibili, almeno coreografie ambiziose e rinfrescanti, con la voglia di portare qualcosa di nuovo e/o di stravolgere i canoni anche con piccole idee che, però, agli occhi di chi spera ancora di sorprendersi al cinema, fanno la differenza.

In the Grey

Regia: Guy Ritche

Attori: Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González, Carlos Bardem, Rosamund Pike

Durata: 98 minuti

Uscita: 14 maggio 2026

“Allora, è così che si accolgono gli ospiti?” (Il Papa – Carlos Hipólito)

Dal successo sulla carta stampata alle sale cinematografiche, il valore di un tema di grande interesse su un argomento delicato e di attualità.
Ne hanno scritto e parlato da sempre che l’amore è una fonte di energia inesauribile che muove il mondo e che l’amore di Dio perdona tutti.
Il passaggio alla narrazione cinematografica non fa altro che confermare il valore del tema già esposto sul libro, avvalendosi di una scelta accorta ed ispirata dei protagonisti, che interpretano il racconto con passione e credibilità.
La Storia, per chi non avesse già letto il libro, narra di Arturo, agente immobiliare di successo cinico e senza scrupoli, con la passione per il calcetto e con una grandissima passione per i dolci.
Le sue giornate di agente immobiliare scorrono con immutabile monotonia, tra contratti, cannoli, l’amatissimo sciu’, ai quali dedica moltissimo tempo, e… le partite a calcetto con gli amici.
Ma… un giorno, così per caso, gli capita di incontrare Flora, la bellissima figlia di un famoso pasticcere, fervente cattolica ed amante dei dolci, che… gli farà perdere la testa!
Arturo per conquistare l’amore di Flora, arriva al punto di fingersi anche lui cattolico praticante, franando clamorosamente quando si trova coinvolto ad interpretare la figura di Gesù nella Via Crucis, della quale conosceva ben poco, con la inevitabile conseguenza di perdere le sue attenzioni.
Arturo cerca in tutti i modi di riconquistare Flora, promettendole di comportarsi da buon cristiano per sei mesi, e di farle capire che molto spesso non tutti sono sinceri e che a volte l’ipocrisia si nasconde tra le pieghe di una società dove la forma diventa più importante della sostanza.
Arturo non si arrende di fronte alle difficoltà che incontra ma fortunatamente gli viene in aiuto nientemeno che Papa Francesco… il quale con il suo tono bonario e convincente gli fa capire che il mondo va così, che a volte è necessario trovare soluzioni che sembrano incoerenti, ma che alla fine portano all’armonia generale.
Ed è cosi che decide di seguire gli insegnamenti del Vangelo alla lettera, per dimostrare a Flora quanto sia sincero ed importante il suo amore per lei.
Il film scorre veloce alternando momenti spassosi e divertenti, lasciando spazio alle riflessioni che possono sintetizzarsi così… che nella complessità della vita quotidiana, DIO PERDONA A TUTTI anche e soprattutto la pecorella smarrita .
In questo messaggio di fondo, nell`intenzione dell’autore è che l’amore vero è un cammino ed una conquista, e va fatto con umiltà e costanza perché sia considerato un comportamento rivoluzionario e positivo, soprattutto in Sicilia dove il tempo e le tradizioni sembrano andare più lentamente.
Degna di nota la recitazione leggera e fortemente comunicativa dei protagonisti, che si fanno testimoni credibili del messaggio di Pif, con particolare attenzione alla felice ispirazione e la semplicità di Giusy Buscemi nella parte di Flora, in un mondo antico dove ancora si notano i particolari comportamenti della gente ricca e borghese.
Ora che Arturo non dice più bugie, l’approccio lontano dalla falsità e dall’ipocrisia salva il rapporto con la bella Flora, superando con un balzo i conflitti con la storia del territorio, dove i valori del cattolicesimo, a volte in contraddizione con la vita civile, fanno ancora parte della storia dell’isola dove il tempo ancora scorre al rallentatore.
Il cuore pulsante della narrazione risiede proprio in questo scontro frontale tra la vacuità del successo materiale e la pienezza di una vita autentica, seppur imperfetta. Arturo, magistralmente tratteggiato nella sua evoluzione da squalo immobiliare a “discepolo per amore”, diventa lo specchio di un’umanità che cerca scorciatoie per la felicità, finendo per perdersi nel labirinto delle proprie bugie. La sua metamorfosi non è solo un espediente comico, ma una critica sottile a quella religiosità di facciata che spesso soffoca la vera spiritualità.
La regia di Pif, con il suo tocco inconfondibile, riesce a trasformare la Sicilia in un palcoscenico dove il sacro e il profano danzano insieme. Non è un caso che il confronto con la figura del Papa rappresenti il punto di svolta: un dialogo che spoglia la fede dai dogmi più rigidi per restituirle il suo volto più umano, quello del perdono e dell’accoglienza. La pasticceria, con i suoi profumi e la sua cura artigianale, diventa metafora di una vita che va gustata con lentezza, contrapponendosi alla frenesia cinica degli affari.
In questo contesto, il rapporto tra Arturo e Flora assume i contorni di una sfida etica. Flora non è solo l’oggetto del desiderio, ma il catalizzatore di una rivoluzione interiore. La sua purezza, che inizialmente appare ad Arturo come un ostacolo da aggirare, finisce per essere la bussola che lo guida verso una nuova consapevolezza. Il film ci ricorda che, in una società dominata dall’apparire, la scelta di essere sinceri fino in fondo è l’atto più eversivo e coraggioso che si possa compiere.
La pellicola si chiude lasciando nello spettatore un sorriso dolceamaro e una certezza: che la redenzione sia possibile per chiunque abbia il coraggio di guardarsi allo specchio senza maschere, accettando che la via della verità, per quanto impervia, sia l’unica in grado di condurre alla vera libertà.

…che Dio perdona a tutti

Regia: Pif

Attori: Pif, Giusy Buscemi, Carlos Hipólito, Maurizio Marchetti, Domenico Centamore, Stefania Blandeburgo, Gino Carista, Lollo Franco, Filippo Luna, Aurora Quattrocchi, Francesco Scianna, Sergio Vespertino

Durata: 113 minuti

Uscita: 2 aprile 2026

Un film caleidoscopico che ruota intorno ad un tema di grande interesse e di perenne attualità.
Ne hanno scritto e parlato da sempre poeti e scrittori , considerando che nel bene o nel male, l’amore è una forma di energia inesauribile, che muove il mondo da sempre. con le sue mille sfaccettature.

Inutile fare paragoni su un tema nello sviluppo del quale si sono cimentate le più grandi menti della filosofia, dell’arte, della letteratura della psicoanalisi e a quanti altri riguardo l’Amore, motore di vita, di guerra, di pace, scaldando i cuori e le anime e sullo sviluppo del quale si sono cimentate le più grandi menti della letteratura, a partire da Orazio, che nella narrazione del film è proposto come guida esperta per accompagnare lo spettatore in questo percorso dell’anima.

Nello sviluppo del tema, si evidenzia la… varietà dell’essere e sentire degli uomini e delle donne sull’argomento, con la guida della voce narrante, ed una colonna musicale che fa da cornice ed interprete delle emozioni delle narrazione nel contesto narrativo e temporale.

Una protagonista a parte è la città di Roma, degna cornice l’azione con le tante sfaccettature che questo comporta, una sorta di tela di ragno in cui i vari protagonisti si trovano coinvolti immersi ognuno nella sua storia.

Nel percorso della narrazione e della varieta’ delle situazioni che vengono esposte, sembra di entrare in un “labirinto” dove si muovono e commuovono le emozioni dei protagonisti, che cercano di raggiungere un punto di equilibrio condiviso nell’amore, che in alcuni casi coincide e in altri frana nell’egoismo del singolo.

Infatti in varie occasioni nelle storie che si svolgono nello sviluppo del film, si alternano i propri interessi, bisogni e desideri per raggiungere ognuno il proprio benessere, non sempre condiviso, con dinamiche a volte manipolatorie e che mostrano come spesso per il più forte, l’amore viene utilizzato come uno strumento di manipolazione uno dell’altro.

La voce narrante, fa muovere i personaggi come un grande burattinaio, portando alla luce che chi porta avanti una relazione, che spesso chiamiamo “amore”, porta avanti una storia come strumento per il proprio tornaconto, trascurando le emozioni ed i desideri del partner.

L’amore non è una scelta razionale, piuttosto è spesso lo strumento per colmare le proprie mancanze e criticità nel rapporto con l’altro, purtroppo spesso considerato solo uno strumento da usare per il proprio tornaconto.

Il racconto del film scorre veloce con l’accompagnamento dell`esperta “voce guida” del Dio dell’amore, che traccia il percorso con un tratto ironico e divertito, stimolando il desiderio di tornare indietro nei proprie ricordi ed emozioni, con un sorriso nostalgico e divertito.

Possiamo definire il Dio dell’amore un breviario dalle tante sfaccettature con le quali risulta facile collocarsi, ognuno con i suoi ricordi, e le tante le sfaccetature risulta facile riconoscersi, magari con un approccio critico e costruttivo, ringraziando la guida del Dio dell`Amore demiurgo a volte sfacciato implacabile narratore della realta`, altre volte guida bonaria negli equilibri dell’amore, la forza eterna che fa girare il mondo.

Il Dio dell’amore

Regia: Francesco Lagi

Attori: Alioune Badiane, Anna Bellato, Enrico Borello, Francesco Colella, Chiara Ferrara, Corrado Fortuna, Vinicio Marchioni, Elia Nuzzolo, Angelo Orlando, Marco Quaglia, Isabella Ragonese, Vanessa Scalera

Durata: 100 minuti

Uscita: 266 marzo 2026

Smetti di creare storie, inizia a creare la realtà! (Boris Berezovskij – Will Keen)

Basato sull’omonimo libro “Il Mago del Cremlino” di Giuliano Da Empoli, l’opera racconta di Vadim Baranov, un personaggio fittizio in parte ripreso dal vero influente assistente di Putin, Vladislav Surkov (che tuttavia lo scrittore non ha mai incontrato), che condivide con il protagonista una formazione artistica prima di tuffarsi nella politica. Il racconto si sviluppa attraverso le parole di Vadim verso un giornalista americano in cerca dei segreti di questo enigmatico consigliere, in quel momento ormai non più attivo in politica, e apparentemente accomiatatosi a vivere una vita tranquilla in campagna.

Usare gli occhi e le parole di un personaggio inesistente per raccontare gli eventi dell’ascesa di Putin, che di fatto è uno dei pochi personaggi veramente esistenti, purtroppo penalizza molto la potenza del racconto, rendendo il film un insieme di ricordi costruiti che, terminata la generosa durata (156 minuti), lasciano l’amaro in bocca, consapevoli di aver visto una pellicola tragicamente meno potente della realtà. Infatti, purtroppo, non c’è qui nulla di nuovo, rendendo amaramente inutile il volersi infilare dentro un quadro geopolitico su cui non può raccontare davvero qualcosa di dirompente, soprattutto in un momento storico come questo, dove sotto gli occhi di tutti, ogni giorno, è esposto l’esito delle scelte politiche russe.

Queste ultime e la crudeltà della forza autarchica russa, infatti, sicuramente emergono, ma allo stesso tempo la consapevolezza che quanto esposto non derivi da una vera intervista normalizza le scene, non potendo andare mai a fondo come potrebbero fare un documentario o come una vera biografia, dando senso ad un’opera che di conseguenza ha sì proposto un intrattenimento discreto e mai noioso, ma senza andare oltre il compitino, ed è difficile accogliere i vari momenti di dialogo con Putin come un vero approfondimento della sua persona, sapendo che l’analogia col mondo reale e le varie sfumature dei suoi punti di vista vengono meno, non basandosi su elementi reali.

Vadim interagisce con il potere politico russo tra la fine degli anni ‘90 e i primi 15 anni del 2000, entrandovi come esperto di comunicazione teatrale e televisivo grazie all’offerta di Boris Berezovskij (oligarca realmente esistito), che lo chiama per dirigere la TV di stato russa. Tuttavia, Berezovskij avrà poco dopo un ruolo cruciale anche per la scelta del successore di Boris Yeltsin e, convinto che la Russia necessiti di un uomo forte ma silenzioso, non abituato ai palcoscenici e quindi ascrivibile a sua marionetta mediatica, è convinto che Putin sia l’uomo giusto. Tuttavia, questa ipotesi sarà quanto mai lontana dalla realtà, e Putin sarà destinato a fare e intraprendere le decisioni che tutti noi conosciamo.

Vadim, poco dopo aver conosciuto Putin, diventa suo consigliere, e la sua intelligenza, la sua voglia di far bene e di eccellere gli permetteranno di rimanere saldo come braccio destro del presidente. Tuttavia, queste sue pulsioni appaiono del tutto separate dai principi di empatia e di rispetto per i diritti umani, comportandosi da factotum che esegue e fa il meglio che può in merito a quello che gli viene chiesto, senza nessuno spirito critico e assecondando del tutto i capricci del capo in carica. Questo comporta, di conseguenza, anche l’assenza di qualsiasi tipo di rivelazione o novità rispetto a ciò che Putin fosse dietro le quinte, avendo reso Vadim principalmente un esecutore.

A fianco al protagonista c’è anche Ksenia, ragazza fuori dagli schemi e tanto intrigata dalle prospettive artistiche offerte da Vadim, quanto ammaliata dal potere e dalla ricchezza degli oligarchi e dal desiderio di vivere nell’élite. Anch’essa è completamente inventata, appare e scompare dalla vita di Vadim in maniera ondivaga, necessaria per conferirle il ruolo di amante o di traditrice, certe volte però con modalità anche forzate e caricaturali, sì con qualche sfaccettatura ma senza particolare spessore, destinata a essere un personaggio oggetto degli sviluppi di trama, per dare una quota romantica ad un film che presenta le svolte narrative in modo troppo calato dall’alto, senza che sembri che davvero i personaggi muovano le fila, obbligati a muoversi nelle insenature della storia, quella vera.

La spiegazione dell’emersione dell’oligarchia russa e del passaggio dopo la caduta del muro di Berlino dall’Unione Sovietica verso una Russia comandata da Putin vengono descritti quindi in maniera didascalica ma efficace, rivelando come di fatto sia stata una leggerezza da parte dell’oligarca Berezovskij in un momento storico cruciale a generare un effetto domino con risultati enormi.

In conclusione, all’opera avrebbe giovato discostarsi completamente dalla realtà e non scontrarsi con l’impossibilità di nobilitarsi solo perché contenente personaggi o eventi storici, proponendo un ottimo Paul Dano che, però, non può esprimersi con troppe sfumature, e un Jude Law interessante ma non memorabile. Paradossalmente è proprio Alicia Vikander con Ksenia a fornire un’interpretazione inaspettata, nonostante il personaggio in sé non sia a tutto tondo, riuscendo a renderlo comunque credibile nonostante la sua natura sopra le righe e con un potere magnetico che dimostra come il regista avesse infatti in mente lei per la parte.

Il Mago del Cremlino – Le origini di Putin

Regia: Olivier Assayas

Attori: Paul Dano, Jude Law, Jeffrey Wright, Alicia Vikander, Will Keen, Tom Sturridge

Durata: 156 minuti

Uscita: 12 febbraio 2026

Un percorso in continuo divenire senza porsi punti di arrivo definitivi ed essere nella posizione del rinnovamento, con la conoscenza di nuove culture, e nuove persone che stimolino la creatività.

I Musicisti che accompagnano Mauro Pagani nel viaggio, sono il collante con realtà nuove e diverse che aprono la ricerca a nuove opportunità.

“A me piace viaggiare e conoscere nuove sonorità” usa dire Mauro… e la sua storia ci parla di un coinvolgente viaggio nel tempo, nei luoghi, nelle nuove tendenze di musicisti Italiani Innovatori, come Demetrio Stratos, e molti altri ancora con i quali ha condiviso sogni e creatività, che aspettavano solo di essere liberate per raggiungere nuovi confini, come Mahamood o Marco Mengoni.

Come dicevamo, data la libertà di pensiero, musicale e divulgativa, Mauro ha spesso raccolto intorno a sé molti musicisti giovani ed emergenti, con i quali entrava sempre in sintonia con commenti, suggerimenti e prospettive artistiche musicali, come se volesse aiutarli a tracciare il percorso ideale al quale adattarsi, per ottenere il migliore risultato possibile, in ordine di tempo e notorietà.Ma è accaduto anche che artisti già affermati entrassero in sintonia con le sue prospettive, condividendo i punti di convergenza comuni di libertà espressiva, alla ricerca di nuove sonorità.

In particolare, come è avvenuto con Fabrizio De Andrè, con il quale per un lungo periodo si è sviluppato un rapporto culturale estremamente significativo, con il quale ha curato una ricerca approfondita sulla musica mediterranea, e che è culminato con un capolavoro, “Creuza de mar”, dando anche un importante contributo nell’album “Le Nuvole”.

Molto profondo e significativo il rapporto con la Premiata Forneria Marconi – PFM, dove hanno brillato la maestria e la evoluzione nell’uso del violino o del flauto o magari di strumenti che venivano da altre fonti e culture musicali, che incarnavano quella necessità di cambiamento, che per un “innovatore” e viaggiatore nato come lui, erano come acqua nel deserto dopo un lungo cammino.

La sua evoluzione è stata continuamente stimolata dalla curiosità e dalla sensibilità per i musicisti innovatori, che ha sempre seguito con attenzione, trasmettendo loro energia pura e convincente.

Le numerose testimonianze con filmati originali dal vivo nei concerti dei musicisti amici, mostrano la partecipazione ed un calore umano, che fanno comprendere la grande attenzione e generosità con i nuovi protagonisti della musica innovativa.

La perdita della memoria è stato un momento molto difficile, ed in questo caso la musica lo ha aiutato, sostenuto e ha preso per mano e… piano piano, come in una rinascita, con l’aiuto degli amici e dell’ascolto della sua musica, vera “colonna sonora della sua vita” la memoria ha cominciato a ritornare.

La sua vita è stata un coinvolgente viaggio nel tempo e nella musica dei musicisti italiani innovatori, che hanno tratto buoni suggerimenti da un grande artista appassionato e generoso come pochi.
Un percorso chiaro, sincero e coinvolgente per una generazione di amanti e protagonisti della buona musica, in parte progressive e innovativa, altre volte popolare e di più facile ascolto, presi per mano ed accompagnati da un polistrumentista senza pari, e soprattutto da un`anima sincera ed appassionata, in un ritratto carico di emozioni.

La sapiente ed appassionata regia di Cristiana Mainardi ci fa accostare alla narrazione con serena curiosità, vista la presenza dei tanti compagni di viaggio che hanno seguito la ricerca di Mauro Pagani con fiducia e passione, considerandolo un amico prezioso ed un ponte per nuove emozioni, dando cosi un forte contributo alla ricerca sempre di nuovi stimoli, e che è riuscito come pochi nella musica Italiana di qualità ad armonizzare poesia, arte e professionalità senza naufragare nella noia.

I sogni, in fondo, rendono più bella la vita per un “Fuggiasco dalla banalità“.

Ad ulteriore supporto di quanta passione Mauro avesse dedicato al suo percorso evolutivo, e valorizzato le sue esperienze di ricerca e nei concerti on stage, non possiamo trascurare la accurata narrazione nel capitolo dedicato alle Officine Meccaniche, lo studio di registrazione all’avanguardia in Italia.

Un progetto di vita e di creatività da condividere e che si sviluppa e perfeziona quando Mauro completa la sua evoluzione artistica personale, dal “mi piace viaggiare” al “mi piace conservare e divulgare”, facendo nascere uno degli studi di registrazione Italiani piu’ importanti ed organizzati.

La regia non ha trascurato i dettagli tecnici per illustrare il successo di questa iniziativa, in parte museo ed in parte sala di registrazione tra le più complete e disponibili, e che Mauro mette a disposizione degli artisti per creare e registrare ogni genere di musica con supporto tecnico e professionale di grande professionalità.

Un film, un manifesto che per gli appassionati sarà l’inizio di un viaggio nella musica ad ampio raggio, con interviste, ad artisti nuovi ed emergenti od in compagnia di alcuni che hanno già lasciato un impronta indelebile come ha fatto Mauro nella sua storia.

Da non perdere.

Andando dove non so – Mauro Pagani, una vita da fuggiasco

Regia: Cristiana Mainardi

Attori: Mauro Pagani, Manuel Agnelli, Arisa, Dori Ghezzi, Luciano Ligabue, Mahmood, Marco Mengoni, Giuliano Sangiorgi, Badara Seck, Ornella Vanoni

“Mica me ce so scelta, io sono cosi. Io non voglio essere un’altra. Io voglio essere così” (Elena di Porto – Micaela Ramazzotti)

“La gente me deve portà rispetto” (Elena di Porto – Micaela Ramazzotti)

Elena del ghetto, diretto da Stefano Casertano, è un film drammatico biografico ambientato a Roma tra il 1938 e il 1943. L’opera si inserisce in un solco cinematografico necessario, quello che cerca di dare volto e nome a chi è stato cancellato dai grandi libri di storia. La pellicola narra la vera storia di Elena di Porto, una donna ebrea romana ribelle e anticonformista, che cerca di avvertire la propria comunità dell’imminente rastrellamento nazista e di opporsi alle ingiustizie del regime fascista, pur essendo spesso emarginata come “pazza” per il suo modo di fare fuori dagli schemi.

Il film si muove sul confine tra racconto storico e dramma civile scegliendo di non addolcire né la storia né i suoi personaggi. Questa scelta stilistica è fondamentale: il regista evita la trappola del sentimentalismo per concentrarsi sulla durezza di un’epoca che non faceva sconti a nessuno, tantomeno a una donna che non rispettava le convenzioni sociali del tempo.

Al centro della narrazione c’è l’interpretazione intensa di Micaela Ramazzotti (Elena), che costruisce una protagonista lontana da qualsiasi idealizzazione, una donna complessa ed umana lontana da cliché eroici. La Ramazzotti, qui in una delle sue prove più mature, lavora molto sul corpo e sulla voce, restituendo un personaggio fisico, nervoso e incapace di adattarsi al silenzio imposto dalla paura.

La sua Elena è rumorosa, scomoda, a tratti respingente. Non è l’eroina rassicurante della memoria collettiva, ma una donna che paga il prezzo della propria lucidità con l’isolamento e l’emarginazione. Questa dimensione “nervosa” della recitazione permette di percepire sottopelle l’ansia di quegli anni, trasformando il dramma personale in una ferita aperta che parla direttamente alla coscienza del pubblico moderno.

La regia di Casertano è sobria e lineare, volutamente priva di virtuosismi. Il film procede in modo classico, quasi didattico in alcuni passaggi, ma trova la sua forza nei momenti corali, quando la quotidianità del ghetto viene attraversata da una tensione crescente. Il regista sceglie di raccontare la Shoah non tanto nel suo compimento, quanto nella fase precedente, quella dell’attesa, della negazione, dell’incredulità.

Ed è proprio in questa scelta che il film assume una dimensione universale. Non vi è spettacolarizzazione del dolore e il regista non cerca la commozione facile né la consolazione, ma pone una domanda scomoda allo spettatore: cosa succede quando chi vede per primo non viene creduto? Il film punta sulla forza visiva e sulla costruzione di un percorso storico in cui la figura di Elena non è solo narrata, ma incarnata in una comunità schiacciata dalla Storia.

La ricostruzione dell’ambientazione è particolarmente riuscita e rappresenta uno dei pilastri tecnici dell’opera. Il film è girato prevalentemente a Roma e a Tivoli, con molte sequenze in centro storico e luoghi simbolici come l’Isola Tiberina ed il ghetto ebraico di Roma. Quest’ultimo appare come uno spazio chiuso e oppressivo, fatto di vicoli, scale e cortili che diventano metafore di una comunità intrappolata.

Le ambientazioni sono ricostruite con cura, evocando un’epoca in cui la città respirava cambiamenti sociali e oppressioni crescenti. La scenografia, insieme alla fotografia, non solo contestualizza il racconto, ma ne esalta l’atmosfera storica e drammatica. Un plauso va anche ai costumi, essenziali e realistici, curati da Nicoletta Taranta, che riflettono fedelmente l’epoca tardo-fascista. I vestiti aiutano a distinguere classi, ruoli sociali e contesti, contribuendo a radicare lo spettatore nell’epoca senza cadere in artifici moderni o anacronismi che spesso disturbano i film d’epoca.

Il cuore della scena è il rifiuto collettivo. Nessuno vuole credere a Elena. La comunità, spaventata e stremata dalle leggi razziali, preferisce l’illusione alla verità, sperando che l’obbedienza o il basso profilo possano fungere da scudo contro la barbarie. In questo momento il film smette di raccontare solo una persecuzione storica e diventa una riflessione filosofica sulla rimozione del pericolo.

Elena non viene respinta dai carnefici, ma dai suoi stessi simili. È questo l’aspetto più tragico: la solitudine di chi possiede il dono (o la maledizione) della preveggenza in un mondo che ha scelto la cecità come meccanismo di difesa.

In definitiva, Elena del Ghetto è un film civile e sincero, che restituisce dignità a una voce rimasta troppo a lungo ai margini della memoria storica. Un racconto che parla del passato, ma che interroga con forza il presente, ricordandoci quanto sia pericoloso il conformismo e quanto sia preziosa, seppur dolorosa, la libertà di pensiero.

Consiglio vivamente la visione di questo film perché racconta la persecuzione e l’emarginazione attraverso una storia profondamente umana e intima, evitando retorica e sensazionalismo. Il film, che uscirà nelle sale cinematografiche il 29 gennaio 2026, permette di comprendere la Storia non solo come evento collettivo, ma come esperienza vissuta da una singola persona. Dando voce a una donna ebrea che lotta per conservare la propria identità e dignità, la pellicola invita lo spettatore a interrogarsi sul valore del ricordo e sul rispetto dei diritti umani, temi che restano, purtroppo, ancora drammaticamente attuali.

Elena del Ghetto

Regia: Stefano Casertano

Attori: Florence Guérin, Micaela Ramazzotti, Giulia Bevilacqua, Caterina De Angelis, Giovanni Calcagno, Simone Gandolfo, Paolo Buglioni, Valerio Aprea, Romano Talevi, Matteo Quinzi, Stefano Ambrogi, Alessandro Moser, Gabriele Cirilli, Claudia Della Seta, Bruno Pavoncello, Emanuel Bevilacqua, Marcello Maietta, Edoardo Stefanelli, Sergio Marinelli, Gian Franco Mazzoni, Michele Enrico Montesano, Eli Nathan Parenzo, Giancarlo Porcari, Anna Testa, Pascal Bizzarro, Marco Sincini, Claudio Pallottini, Matteo Nicoletta, Giacomo Di Somma, Alessandro Di Benedetto, Enea Di Benedetto

Chi diavolo ha uno scimpanzé come animale domestico?
(Drew – Charlie Mann)

Il cinema horror ha spesso esplorato il confine sottile tra l’umanità e il regno animale, ma pochi film tentano di mescolare il teen drama con la disabilità e la ferocia della natura come l’ultima fatica di Johannes Roberts. La pellicola ci porta nel cuore pulsante delle Hawaii, un paradiso terrestre che si trasformerà presto in un inferno di sangue e urla.

Lucy ed Erin stanno tornando a casa, alle Hawaii, dove vive il padre Adam, famoso scrittore e studioso di primati. La figura di Adam è centrale non solo per la narrazione, ma per la struttura stessa del film: sordomuto fin da piccolo, comunica con tutti grazie al linguaggio dei segni. Questa particolarità non riguarda solo i rapporti umani; nella parola “loro” includiamo anche lo scimpanzé Ben, che vive in una enorme gabbia al di fuori della casa. Ben non è un semplice animale domestico, ma un soggetto di studio e un membro della famiglia che ha imparato a interagire attraverso forme di comunicazione non verbale.

Con la coppia di sorelle in volo arrivano anche alcune amiche per quella che si prospetta essere una vacanza da sogno tra alcool, paesaggi magnifici e bei ragazzi disponibili. È il classico incipit dei teen horror anni 2000, dove la spensieratezza giovanile funge da contrasto stridente con l’orrore imminente. La situazione, però, cambia improvvisamente quando una mangusta morde Ben attaccandogli la rabbia, una malattia che porterà l’animale ad impazzire rapidamente, mettendo a rischio la vita di chiunque possa entrarci in contatto.

Questo horror per teenager firmato da Johannes Roberts cerca di mettere insieme diversi fattori, tentando di collegarli tutti in modo costruttivo. Roberts, già noto per titoli come 47 Metri e Resident Evil: Welcome to Raccoon City, dimostra una certa mano nel gestire la tensione negli spazi aperti, ma qui il gioco riesce solo in parte.

Paradossalmente, le parti di maggiore interesse di tutta la trama non risiedono nell’elemento spaventoso principale. Da un lato troviamo le battute comiche, che con un gusto quasi camp rischiano di portare il film altrove, alleggerendo la tensione in modo a tratti spiazzante. Dall’altro, l’elemento più riuscito è rappresentato dai dialoghi non parlati. Questi momenti generano nello spettatore maturo una sincera e oggettiva curiosità; nasce la voglia di capire come questo tipo di comunicazione realmente funzioni e come il silenzio possa diventare uno strumento di sopravvivenza o, al contrario, un ostacolo insormontabile durante un attacco.

A parte questi due elementi di pregio, il centro della trama dovrebbe essere Ben e i suoi comportamenti omicidi. Qui il film mostra il fianco alle critiche: la scelta fatta in questo senso non paga in quanto appare poco realistica e realmente eccessiva.

Va bene rappresentare una scimmia che impazzisce e uccide una persona — la cronaca purtroppo ci ha insegnato quanto gli scimpanzé possano essere brutali — ma come rendere sensate le azioni di una scimmia che sembra letteralmente posseduta dal demonio, e non colpita da una gravissima malattia? Il Ben del film distrugge corpi umani con una forza e una ferocia che sfidano le leggi della biologia. Si cade spesso nello splatter con un tipo di orrore davvero gratuito e il prodotto non ne beneficia. Sebbene questo possa sembrare attrattivo per la fascia post-adolescenziale, spesso guidata dalla ricerca degli eccessi, il film perde l’occasione di essere un thriller psicologico profondo.

Probabilmente avrebbe pagato di più su altri target sviluppare meglio il tema dell’intelligenza di Ben, che pure in certi momenti viene mostrata con efficacia. Si pensi alla scena inquietante in cui la scimmia fa parlare un tablet per bambini per comunicare: è in questi sprazzi di intelligenza perversa che il film raggiunge i suoi picchi di tensione più alti.

Sufficientemente bravi gli attori, tra cui spicca Johnny Sequoyah, capace di trasmettere il terrore di chi vede un legame affettivo trasformarsi in una minaccia mortale. Tuttavia, le performance restano nei limiti di quello che viene loro richiesto da una sceneggiatura che predilige l’azione al sottotesto. I migliori, senza dubbio, rimangono gli interpreti che comunicano con il linguaggio dei sordomuti, aggiungendo uno strato di autenticità fisica che manca nel resto del cast.

Invece, le ambientazioni sono semplicemente splendide. Non possiamo stupircene: siamo in una delle isole più belle e particolari al mondo. La fotografia di questo film ne guadagna tantissimo, sfruttando la luce naturale delle Hawaii per creare un contrasto potente tra la bellezza del paesaggio e la brutalità delle scene di sangue. Questo valore estetico riesce, in parte, a risollevare le sorti di una sceneggiatura a tratti zoppicante.

Un prodotto, in sintesi, che rasenta la sufficienza arrivando a toccarla, ma con molte, estreme difficoltà ad essere qualcosa di più di questo. Il film di Johannes Roberts è un esperimento ambizioso che tenta di unire l’horror grafico alla sensibilità del cinema sulla disabilità, ma finisce per perdersi in un eccesso di violenza gratuita che ne oscura i messaggi più sottili.

Resta una visione consigliata agli amanti del genere creature feature che non cercano necessariamente il realismo, ma che sanno apprezzare una fotografia eccellente e un uso originale del silenzio in un genere solitamente troppo rumoroso.

Ben – Rabbia animale

Regia: Johannes Roberts

Attori: Johnny Sequoyah, Jess Alexander, Troy Kotsur, Victoria Wyant, Gia Hunter, Benjamin Cheng, Charlie Mann, Tienne Simon, Miguel Torres Umba, Amina Abdi, Robin Chalk, Joe Abercrombie, Nick Romano, Kae Alexander, Ben Pronsky, Stuart Whelan

Durata: 89 minuti

Uscita: 28 gennaio 2026