Ариша Андреева

Каракули на бумажках: милая группа в FB

artuzel.com — Wed, 27 May 2020 11:55:22 +0000

Сейчас на страницах Facebook просто невероятный ажиотаж вокруг групп по продаже искусства. Большинство из них закрытые и включают только представителей арт-мира.

Где же можно размещать свои работы, почеркушки и каракули обычным людям?

Текст: Ариша Андреева

Открытая для всех и очень дружелюбная группа

Автор Егор Кошелев, фото со страницы группы Наши каракули на бумажках

Долгое время деятельность группы была не такой активной. Но сейчас, с учетом новейшей моды, и приходом в группу известных художников, он стала чем-то похожим на ШАР и КРЕСТ, в том числе и по уровню работ. В публикациях группы можно встретить листы из блокнота Егора Кошелева, зарисовки во время ZOOM Саманты Тэрроу, невероятные по своей сложности работы Ольги Никич, графику Анжелины Ермаковой, зарисовки во время лекция Татьяны Сушенковой, зарисовки с моря Екатерины Белявской и многое другое.

Автор Саманта Тэрроу, фото со страницы группы Наши каракули на бумажках

Главное отличие группы в том, что она общедоступная, своего рода “отдушина свободы” в ней нет модерации и критики. Каждый может разместить любые свои работы, не забывая о изначальной задаче: публикации бессознательных каракулей, которые многие чертят во время телефонных разговоров, совещаний, лекций. Но художники, они такие художники, что и бессознательно у них получаются шедевры.

Автор Таня Сушенкова, фото со страницы группы Наши каракули на бумажках

Изначально в группе не предполагались продажи. Но если участники захотят и договорятся между собой, то даже эта опция возможна.

Автор Сергей Колибр, фото со страницы группы Наши каракули на бумажках

Как пишет Карина в своем обращении: “Дорогие новые участники сообщества! Добро пожаловать) Ждем ваших каракулей! Не стесняйтесь, пожалуйста!) И все остальные участники тоже, не забывайте нас - ваших рисунков всегда здесь не хватает) Good luck всем, как говорится:)”

Ариша Андреева (24)

«Эгон Шиле и Рихакрд Линднер: Метафизика тела» в Музее печатной графики. Репортаж ART Узла

artuzel.com — Mon, 10 Feb 2020 13:19:48 +0000

С 7 февраля по 10 мая 2020 года в Музее печатной графики проходит выставка работ знаменитого австрийского экспрессиониста Эгона Шиле и немецко-американского художника Рихарда Линднера. Художники жили примерно в одно время, но работали совершенно в разных живописных техниках. Задачей кураторов было не только объединить их работы в едином выставочном пространстве, но и найти их точки соприкосновения, которыми, по их словам, являются тело и телесность, как объект художественной рефлексии и эксперимента.

Текст: Ариша Андреева

Фото предоставлены Музеем печатной графики

Корреспондент ART Узла Ариша Андреева пообщалась с организатором музея и куратором выставки Олесей Сидоренко о том, как создаются новые музеи, как собираются коллекции и организуются выставки.

А.А.: Традиционно музеи создаются на основе частных коллекций. Как возникла идея этого музея?

О.С.: Честно говоря, спонтанно, мы с Сергеем (организатор музея) начали увлекаться графикой, изучать ее, коллекционировать. Многое покупали для себя. И в один прекрасный момент, мы осознали, что у нас накопилось огромное количество работ, и возникла внутренняя потребность делиться этой радостью с людьми. Было очень обидно от того, что работы лежат в папках, захотелось их показывать.

И невероятным образом как раз в этот момент нам предложили помещение. Здесь раньше был салон красоты, и мы приложили массу усилий, чтобы помещение, пусть и небольшое, стало музеем.

А.А.: Была идея и четкая концепция, как должен выглядеть музей?

О.С.: Идея была простая – сделать нейтральное выставочное пространство со светлыми стенами, чтобы была возможность в нем разместить абсолютно любую экспозицию. Оно светлое, лаконичное и в нем нет ничего лишнего. Первой нашей выставкой была " Стиль – это я. Эрте”, которая имела большой успех. И нам пришлось несколько раз переносить закрытие экспозиции.

Эгон Шиле, "Автопортрет"

А.А.: Как вы решили совместить в одном пространстве довольно разных художников — Шиле и Линднера? Тем более что, в России первый из них известен и знаменит, а о втором мало кто, кроме специалистов, слышал.

О.С.: В этом и была идея, показать Рихарда Линднера во всей его красе, показать его работы и заинтересовать его творчеством зрителей. Однажды нам попались несколько его работ, мы влюбились, увлеклись его творчеством. Работы Шиле нам тоже были очень близки и любимы, они показывают очень смелое для своего времени отношение к телу. Он своего рода революционер. Гротеск, излом, надрыв — все это для нас Шиле.

А.А: Как придумывалась идея выставки?

О.С.: Любая выставка для нас как спектакль: ты придумываешь все: сюжет, действующих лиц, декорации. Вот мы и придумали по центру поместить Витрувианского человека Леонардо да Винчи (современный художник, автор не указан). Здесь он символизирует абсолютный ноль, точку отсчета золотое сечение как некий идеал.

А представленные на выставке авторы очень далеки от этого идеала. Они от него отошли, но искали свой. Свой стиль, свою форму. Свое понимание тела, и через тело саму человеческую сущность. Каждый из художников очень много экспериментировал с телом, внутренняя идея — познание телесности, а реализация совершенно разная. Именно поэтому мы их разместили по правую и левую сторону зала. Для противопоставления и одновременно соединения авторов. Шиле для нас драматичный автор, а Линднер – это позитив, юмор, гротеск.

Рихард Линднер, "Профиль"

А.А.: Почему для вас принципиально выставлять печатную графику?

О.С.: Как я уже говорила, сначала мы приобретали для себя, а потом пришло осознание, что печатная графика — это самый демократичный вид искусства. Да и задумывался данный вид искусства так, чтобы любой человек мог позволить себе приобрести работу любимого художника.

Хотелось бы отметить, что европейская и американская школы печатной графики продвинулись очень далеко в технологиях. Они усложняются, и изображения очень реалистично передают рисунок автора. У нас же в России, отношение к печатной продукции, мягко скажем, пренебрежительное. И хочется привить любовь к данному виду искусства.

Выставка продлится до 10 мая 2020 года.

Эгон Шиле, "Обнаженная, смотрящая направо"

Ариша Андреева (24)

Татьяна Графова: «Если картина находит отклик у зрителя, значит диалог состоялся»

artuzel.com — Mon, 18 Nov 2019 13:53:12 +0000

Над интервью работала Ариша Андреева
Фото предоставлены Татьяной Графовой и Аришей Андреевой
В семейной библиотеке Марьиной рощи прошла выставка Татьяны Графовой “Как прекрасен этот мир”. В разговоре с корреспондентом АртУзла Аришей Андреевой Татьяна рассказала о том, как стать художником, если ты уже взрослый человек, как преодолеть страх холста и красок и что нужно для развития в творчестве.
Татьяна Графова
Ариша Андреева: Как вы начали заниматься искусством? Что вас к нему привело? Насколько я знаю, по образованию вы филолог и преподаватель английского языка.
Татьяна Графова: Впервые я взяла в руки кисти весной 2013 года. До этого я испытывала очень сильное желание заняться живописью, потому что хотела передать ту красоту мира, которую вижу. Хотелось как-то передать собственное отношение и настроение. У меня нет художественного образования, поэтому я боялась, что все мои попытки будут похожи на плохую самодеятельность. Это очень долго меня останавливало, но потом набралась смелости и пошла в студию живописи для взрослых.
А.А.: Это был полезный опыт?
Т.Г.: Да, за один мастер-класс, в течении 6 часов нам объяснили, какие бывают материалы, как ими пользоваться, какие техники можно использовать… Все это я попробовала в учебной работе. Я получила колоссальное удовольствие. Мне так понравилось, что я приняла решение продолжать занятия живописью дальше. Страх пропал, психологический барьер был снят. Я осознала, что буду рисовать, и ничто меня не остановит.
А.А.: Сколько вам тогда лет было?
Т.Г.: Уже за 50.
А.А.: Сложно менять сферу деятельности? Или вы не отказались от работы?
Т.Г.: Я не могу сказать, что полностью поменяла профессию, хотя большую часть своего времени уделяю живописи. Изначально это было просто хобби, занятие, которое мне доставляло удовольствие. Я наслаждалась процессом, пыталась найти свой стиль. Сейчас мне хочется сделать это профессией и посвящать живописи все свое время.
А.А.: Что вас останавливает? Что мешает? Может быть нехватка материала, средств, опыта, продвижения?
Т.Г.: Наверное, всего вместе. Если бы, помимо удовольствия, живопись приносила мне еще и доход, то я бы с легкостью отказалась от всего остального. Я, конечно, продаю картины, но пока что не могу себя полностью обеспечить этими продажами.
А.А.: Это ваша шестая выставка. Чувствуете ли вы, как вы выросли как художник?
Т.Г.: Первая выставка была в январе 2015 года. Я всегда пробую новое, экспериментирую, берусь за новые сюжеты. Я пишу только то, что я люблю, то, что мне близко, доставляет мне радость, которой я и делюсь со зрителем.
А.А.: Как вы думаете, возможно ли научиться быть художником?
Т.Г.: Научиться можно всему. Главное, чтобы была внутренняя потребность что-то передать этому миру, показать, выразить себя, донести какое-то сообщение. И тогда определенно все получится. Дело не столько в технике, здесь все очень индивидуально, и, как мы знаем из истории искусства, многие художники просто ломали все привычные каноны, сколько во внутреннем посыле, желании поделиться с миром своими ощущениями, передавая их через твое произведение. Художник должен понимать, что он хочет выразить, какую мысль, идею донести до других людей посредством живописи.
А.А.: А вы какие идеи хотите донести до зрителя?
Т.Г.: Своими работами я пытаюсь показать, как прекрасен мир вокруг в самых разных своих проявлениях. Нужно просто уметь эту красоту рассмотреть. Кроме того, в последнее время меня волнуют философские вопросы вечного движения жизни и переплетения мужского и женского начал в едином пространстве. Но для меня по-прежнему важны эмоции и настроение.
А.А.: Что для вас искусство?
Т.Г.: Это, прежде всего, диалог художника со зрителем. Если картина находит отклик у зрителя, значит диалог состоялся.
А.А.: Что бы вы могли пожелать начинающим художникам, которые делают только первые шаги на своем пути в арт-мир?
Т.Г.: Думаю, что начинать никогда не поздно. В любом возрасте можно начать, и я тому пример. По моему мнению, самое главное – это не бояться, сделать первый шаг, преодолеть страх, неуверенность в себе. Если человек хочет быть художником, главное идти и делать. Пробовать, ошибаться, совершенствоваться, но не останавливаться и творить. Очень важно выставляться, показывать свои работы. Когда я делала свою первую выставку в лингвистическом центре, где я преподаю, я очень переживала, имею ли я на это моральное право. Для меня стало невероятным успехом, когда на первой же выставке продалось 8 работ, ведь это значило, что эти картины нравятся не только мне.
А.А.: Значит, искусству зритель просто необходим?
Т.Г.: Обязательно. Ты не художник, если пишет исключительно для себя. Для чего художник творит? Чтобы выразить свое мироощущение, свое отношение к людям, к жизни, к идеям. Естественно, это требует ответной реакции. Нужно показывать свои работы и общаться в арт-среде, ходить на выставки, смотреть на работы других авторов и иметь круг единомышленников. Если художник не общается, не показывает свои работы, не получает обратной связи, он не будет развиваться. Особенно ценны отклики от опытных художников и профессионалов мира искусства.
А.А. У вас есть творческая мечта? Может быть есть музей мечты, где бы вы хотели персональную выставку? Или создать особенную работу?
Т.Г.: Да, у меня есть мечта написать большую картину, так как я начинала с малого формата, постепенно его увеличивая. Сейчас у меня дома стоит большой холст, и я готовлюсь к тому, чтобы понять, что я хочу видеть на этой работе. Это для меня будет определенный прорыв. Хочется создать что-то необычное, расширяющее горизонты и границы. Еще я мечтаю о выставке в Европе, скорее всего, в одной из галерей Италии. Для этого мне нужно больше работать, и, конечно же создать свою главную работу.

Ариша Андреева (24)

Владимир Дубосарский: «Я уже не в том возрасте, чтоб думать о престиже проекта»

artuzel.com — Thu, 07 Nov 2019 16:00:13 +0000

Над интервью работала Ариша Андреева
5 ноября в Центральном выставочном зале «Манеж» (Москва) открылась для посетителей выставка «Память поколений». В 15 залах показаны важнейшие вехи Великой Отечественной войны: ее начало, оккупированные территории, события на фронте, жизнь и труд в тылу. Часть экспозиции посвящена переосмыслению военного подвига и трагедии целого народа в послевоенной живописи. Всего в проекте представлено 150 произведений живописи и скульптуры, привезенные из 44 музеев со всей России - от Калининграда до Хабаровска, от Архангельска до Астрахани.
Одно из полотен, которое можно увидеть на выставке – «За отвагу» ныне распавшегося дуэта Владимира Дубосарского и Александра Виноградова. Корреспондент АртУзла Ариша Андреева встретилась с Владимиром Дубосарским и поговорила об этом произведении, молодых художниках, «правильном искусстве», формате биеннале и о том, кому принадлежит работа после того, как она создана.
Владимир Дубосарский
Ариша Андреева: На выставке в Манеже выставлено ваше произведение «За отвагу», которое вы сделали совместно с Александром Виноградовым. Расскажите немного о том, как вы его создавали.
Владимир Дубосарсий: В 2010 году мы с Александром хотели сделать продолжение нашей серии Total Painting. Это множество холстов, которые выстраиваются в одно полотно. Мы начали эту серию еще в 2001 году и заинтересовались сюжетом «День победы», наняли трех фотографов, которые 9 мая на 3 локациях снимали ветеранов боевых действий. Название картины «За отвагу» говорит само за себя: у каждого из персонажей видна медаль, которая давалась за героизм.
А.А.: Фотографам было дано задание искать людей с медалями?
В.Д.: Нет, нам были важнее характерные персонажи. Мы получили много фотографий с героями и участниками войны, но не у всех были прикреплены медали, и мы их дорисовали. Это не документальный проект, поэтому мы, как авторы, можем вносить изменения в реальность. Для нас с Александром важно было сделать своеобразный реквием в память о людях-героях, которых осталось совсем немного.
Как бы кто ни относился к войне, подвиг, совершенный этими людьми, никто не умаляет. Нашей основной задачей было запечатлеть и увековечить тех, кто на своих плечах вынес этот колоссальный труд, перенес множество лишений, принес в жертву свою комфортную жизнь.
А.А.: Картины получились очень светлые. Я бы даже сказала, жизнерадостные…
В.Д.: Картины светлые, но по ним заметно, что люди прожили тяжелую жизнь, да и сейчас они тяжело живут. В то же время, это «райская» жизнь – есть день, когда они могут выйти со всеми медалями и увидеть, что младшие поколения не забыли об их подвигах. Как говорится, «праздник со слезами на глазах».
А.А.: Считается, что для художника принять участие в такой выставке, да еще и в Манеже, очень престижно. Но при этом, это не совсем институциональное пространство, ведь при желании, сделать здесь проект может сделать практически любой художник…
В.Д.: Я уже не в том возрасте, чтоб думать о престиже проекта. Я считаю, что мы сделали хорошую работу, а хорошая картина может украсить любую выставку. Не могу с вами согласиться насчет локации: Манеж – это престижное место, и, если бы мне предложили здесь сделать персональную выставку, я бы, наверное, согласился. Только, как самостоятельный художник, я еще не сделал столько работ, чтоб заполнить такое помещение.
Что касается этого проекта – эти работы находились в галерее, и никто мне не задавал вопроса «Хочу ли я принять участие?» Вполне вероятно, что я мог бы узнать о своем участии, когда картины были бы уже на стене.
Фрагмент работы "За отвагу". Владимир Дубосарский, Александр Виноградов
А.А.: Вы уже несколько лет не работаете совместно с Александром. Не было никакого конфликта в том, что выставлена ваша совместная работа?
В.Д.: Мы сейчас работаем отдельно, но наши совместные работы, конечно, не перестали существовать. Они выставляются в музеях, галереях, и в этом нет никакой проблемы. Я считаю, что художник должен создать произведение, но дальше оно ему не принадлежит.
А.А.: Кому же оно принадлежит?
В.Д.: Времени, истории. Как в фильме «Летят журавли», когда героиня пишет письмо под диктовку старого солдата, он ей говорит: «Пиши, пиши, они там разберутся». Так же и с картинами - там разберутся без нас. Мы сделали свою работу, а дальше она должна жить своей жизнью.
А.А.: Тема войны вам вообще близка?
В.Д.: Для нашего поколения тема войны очень важна. Я недавно подумал, что родился спустя всего 19 лет после всех этих событий. Совсем ведь мало? Ощущение войны было вшито в социум – оно было в скульптурах в парке Горького, в регулярных парадах, в фильмах. К нам в школу приходили ветераны с рассказами о том, что они прошли. Ну и у всех были родственники, участвовавшие в боевых действиях – кто-то вернулся, а кто-то нет.
А.А.: Вашу семью это тоже коснулось?
В.Д.: У меня дед погиб, отец моей матери. Эта работа, в том числе, и в память моему деду.
А.А.: Вы изобразили его?
В.Д.: Нет, потому что у меня сохранилась только одна черно-белая военная фотография. Он погиб, когда ему было 30. Хотелось изобразить живых людей, которых осталось очень мало.
Фрагмент работы "За отвагу". Владимир Дубосарский, Александр Виноградов
А.А.: Что бы вы могли посоветовать начинающим деятелям искусства? Как развиваться?
В.Д.: Нужно много работать, как молодым, так и не очень.
А.А.: Просто много работать?
В.Д.: Да, конечно. Много работать и немножко думать.
А.А.: Я считала, что художник — это, прежде всего, исследователь, наблюдатель за миром…
В.Д.: Для кого как. Но думать – никогда не лишнее. Я считаю, что нет никакой разницы между молодыми художниками и немолодыми. У всех разные проблемы.
А.А.: На мировом уровне наших авторов знают очень мало. Как молодому художнику добиться узнаваемости в мировом сообществе?
В.Д.: Если честно, не знаю. В любом случае, нужно делать работы, чтобы куда-то пробиваться.
А.А.: Может быть есть какая-то тема, на которую можно сделать работы, и тогда они будут точно востребованы?
В.Д.: Я не сторонник такого подхода. Современное искусство – это сфера, которая действует по определенным законам. Если хочется добиться успеха, можно их выучить и четко им следовать. Скорее всего, это будут средние по своему уровню произведения, так как настоящее искусство всегда делается вопреки правилам. Оно строится на абсолютно непонятных алгоритмах. То, что востребовано и «правильно», в моем понимании, уже использует достижения прошлого дня.
И не нужно забывать, что время меняется, меняются способы продвижения, способы коммуникации. Понятно, что если человек хочет делать международную карьеру, то он как минимум должен хорошо говорить на английском языке. Его работы должны быть сделаны с помощью современных методик.
А.А.: Нужно использовать новые медиумы?
В.Д.: Не обязательно, просто нужно понимать, как любые медиумы работают сейчас. Дело в том, что в современном искусстве нет каких-то мейнстримов и трендов. Оно достаточно разное, сформировано по каким-то принципам, но в него входят абсолютно разные истории. Под достаточно условным флагом «современное искусство» люди занимаются совершенно разными вещами – от живописи до since-art. Между научными изысканиями, социальными проектами и написанием картин достаточно большая пропасть. Каким-то образом кураторы научились это сводить в интересные шоу на выставках, но художники, в принципе, занимаются разными вещами, и это нормально. Я считаю, что это хорошо, но директивы «здесь копать, а здесь не копать» уже устарели. Можно все сделать правильно, но не добиться ничего, а можно пойти вопреки всем установкам и стать успешным. Все зависит от таланта, умений, харизмы, случайной удачи, которая часто встречается в нашем мире.
У нас много институций, разных школ, онлайн-курсов, лекций – очень много информации, которую легко получить. Сейчас практически из любого уголка можно слушать лекции профессионалов и быть в курсе всех актуальных тенденций, но пробиться сложно. Это связано, в том числе, с геополитикой – наша страна стоит неким особняком, и не все вопросы, которые волнуют нас, интересны всему миру. Но есть и общие темы.
Фрагмент работы "За отвагу". Владимир Дубосарский, Александр Виноградов
А.А.: Общие темы: миграция, коррупция, экология, феминизм?
В.Д.: От которых уже тошнит? Мне кажется, и экологов, и феминисток. Искусство- это всегда конъюнктура. Само «тело» искусства, в основном, состоит из тех, кто констатирует уже свершившийся факт, и хорошо, если 10% из них настоящие художники, которые изобретают что-то новое. Мир всегда двигается открытиями, формальными, идеологическими или еще какими-то. Я считаю, что настоящий художник должен быть новатором в своей теме. Если нет инноваций, то нет искусства. Даже если автор выбрал модную тему, но паразитирует на чужих мыслях, не добавляя к ним ничего своего, он не художник.
А.А.: Есть молодые художники, которые влияют на ваше творчество?
В.Д.: Не могу сказать, что кто-то из молодых перевернул мои взгляды, но, конечно, есть авторы, за которыми я с удовольствием слежу. Дело в том, что если ты пытаешься расти и двигаться, то обязательно стараешься изучать все, что происходит в мире. Сейчас это особенно удобно, хотя такой поток информации может дестабилизировать.
А.А.: Как выбирать правильную информацию?
В.Д.: Я думаю, что современное поколение лучше справляется с этим потоком. Оно более подвижно, у молодых людей по-другому устроено мышление: меньше базовых знаний, но выше мобильность. Раньше любой человек был накопителем ценной информации – он должен был прочитать сотни книг, собрать по крупицам актуальные знания и передать их своим коллегам. Сегодня все иначе – любой факт можно найти за секунду в интернете и забыть его через две. Вся цивилизация развивается, художественное сообщество тоже, и молодое поколение на много лучше может отсеивать важную информацию.
Мне кажется, что сегодня существует проблема в странном разделении на «молодых» и «старых». Если тебе нет 35, то ты молодой, но по этому принципу можно сказать, что Ван Гог тоже был молодым – он умер в 37 лет. Я считаю, что если ты больше 5 лет работаешь в этой сфере, то ты уже достаточно опытный. Мне кажется, что деление на молодежные и немолодежные проекты сегодня только мешают развиваться. Художник есть художник – никаких скидок на молодость.
Фрагмент работы "За отвагу". Владимир Дубосарский, Александр Виноградов
А.А.: Совсем недавно открылась XVIII Московская биеннале современного искусства. Вы не хотели в ней участвовать?
В.Д.: Меня никто не позвал, но, если бы позвали, участвовал бы. В VII биеннале участвовала одна наша с Александром старая работа, хотя нас тоже никто не позвал. Если честно, я даже не ходил смотреть и не понял, как было принято решение. Я считаю, что биеннале должно строиться на новом искусстве или супер-шедеврах, но основная задача – показать, как развивается арт-мир сейчас. Хорошо, когда на подобных событиях показана ретроспектива художника и можно увидеть его творческие искания, но когда берут одну-две известные работы автора – это не совсем то, что хочется увидеть на Биеннале современного искусства. То, что в Москву привезли работы Базелица, Рихтера и многих других классиков – это важное событие, но мне кажется странным, что основной проект строится только на них, а не на новых работах. Как я вижу, сам формат Биеннале себя исчерпал. Все знают, как с ним работать, и событие становится предсказуемым.
А.А.: Каждый уважающий себя город старается сделать свою биеннале.
В.Д.: Да, это такой институциональный мейнстрим современного искусства. Я считаю, что настоящее искусство всегда делается в андеграунде. Именно там формируются те идеи, которые потом становятся важными. Я считаю, что именно их и нужно показывать – сомнительные вещи, не всегда понятные, но ориентированные в будущее. Биеннале же сейчас превратилось в бизнес-схему и освоение бюджета, и все это встроено в большую экономическую сеть под названием «Арт-рынок». Иногда ходишь и не понимаешь, чем биеннале современного искусства отличается от ярмарки.
А.А.: Главное отличие биеннале от ярмарки как раз в том, что на нем нельзя ничего купить.
В.Д.: Там тоже продают, но по-другому. Это же тоже способ продвижения. От чего формируется цена на произведение? От его участия в музейных выставках, и в биеннале. Значит, это тот же рынок, но не такой явный. Например, галереи заинтересованы в том, чтобы выставить своих авторов в основном или параллельном проекте, поэтому нельзя сказать, что вся эта структура свободна от коммерции. При этом есть хорошие произведения, но их всегда мало. Остальные произведения обычно средние, и хорошо, если их авторы останутся в искусстве и смогут сделать что-то по-настоящему новое.

Владимир Дубосарский

Владимир Дубосарский (7),
Ариша Андреева (24)

Фокус социальных сетей

artuzel.com — Tue, 05 Nov 2019 17:55:07 +0000

Текст: Ариша Андреева
22 октября в галерее pop/off/art на территории ЦСИ Винзавод открылась персональная выставка Владимира Потапова «Кирилл Благолепов, 32 года, Москва». Проект стал итогом большой исследовательской работы художника, в задачи которого входил анализ фейковых пользователей социальных сетей, их персональных данных в аккаунтах: подписчиков, лайков, репостов, комментариев. Страница безызвестного Кирилла Благолепова (32 года, Москва) была выбрана Потаповым в качестве материала для выставки.
Экспозиция состоит из 4 частей. Первая – это живописная серия работ, выполненная по мотивам 11 фотографий, которые были опубликованы на странице Кирилла Благолепова. Авторская техника Потапова, открытая им впервые в серии «Реальности», предполагает сложный процесс создания произведений: голографическая пленка накатывается на деревянную основу. Далее поверх художник пишет масляными красками реалистическое изображение. Последний штрих – Потапов стирает растворителем в некоторых местах красочный слой, обнажая блестящую поверхность пленки. Таким образом, геометрический узор пленки взаимодействует с фигуративным изображением, что полностью меняет восприятие произведения. Именно на противоречии между этими двумя слоями строится суть художественного высказывания Потапова.
Вторая часть - психологический портрет Кирилла Благолепова, который сделал психолог Роман Истомин на основании публикаций фейкового аккаунта. Специалист использовал методику анализа, которую обычно применяют в отделе кадров на собеседовании. Для Потапова было важно ввести в поле экспозиции текст с характеристиками своего персонажа. В отличие от знаменитого произведения Джозефа Кошут «Один и три стула», Потапов описывает субъект, которого не существует. Однако текст у Потапова, парадоксальным образом, материализует героя в глазах зрителя.
Документальное видео, в котором люди, друзья по Facebook Кирилла Благолепова, отвечают на вопрос “Кто такой Кирилл Благолепов, и откуда вы его знаете?”, является третьей частью проекта. Ирония заключается в том, что о нем говорят, как о реальном человеке. Этим жестом художник предлагает зрителю переосмыслить модель взаимоотношений в социальных сетях, где другом может оказаться бот-интерфейс.
Заключительный аккорд – инсталляция из 32 столбов по годам жизни Благолепова. На этих столбах гости могут писать выдуманные ими факты из жизни Кирилла. Коллективное сознание формирует летопись Благолепова, включая его фигуру в историю современного общества.
“Это интересный социальный феномен, который меняет людей и их отношение к самим себе и к тем аккаунтам, которые у них есть. Если раньше люди были сконцентрированы на реальности, то сейчас их фокус сместился на социальные сети. Они очень отточено, выверено выставляют на всеобщее обозрение свои фотографии, посты для того, чтобы привлечь больше внимания,” – Владимир Потапов.
В тоже время проект Потапова – это не просто анализ проблемы репрезентации личности в пространстве социальных сетей. Художник через образ своего героя транслирует общие проблемы современного общества. Кирилл Благолепов – герой нашего времени, на странице которого мы можем найти новости и мемы, знакомые для большинства пользователей Сети, при этом самого Кирилла, возможно, никогда и не существовало.
Выставка открыта в галерее

Ариша Андреева (24)

В Москве пройдет однодневная выставка-квартирник

artuzel.com — Fri, 25 Oct 2019 15:56:51 +0000

26 октября в Москве пройдет однодневная выставка-квартирник
На выставке свои работы покажут Ариша Андреева, студентка
Выставка пройдет в
Ариша Андреева (24)

Ирина Логинова: "Наша главная миссия - сделать образование доступным для всех"

artuzel.com — Thu, 24 Oct 2019 10:27:09 +0000

Над интервью работала Ариша Андреева
Партнерский материал с Факультетом современного искусства Высшей школы
Фотографии о том, как новый тренд вписывается в нашу арт-действительность.
Ирина Логинова
Ариша Андреева: Как устроено образование в сфере современного искусства сейчас? В Москве есть несколько школ, куда стремятся попасть студенты. Как вам удалось попасть в этот круг?
Ирина Логинова: Когда я пришла в
Ирина Логинова
А.А.: Возможно ли научить тому, как стать художником при онлайн-формате?
И.Л.: Мы считаем, что можно! Мы уверены, что каждый человек сам выбирает, хочет он быть художником или нет, поэтому у нас нет строгого отбора в самом начале - при поступлении, тщательного портфолио-ревью и конкурса 100 человек на одно место. Мы предоставляем все возможности, а студент в дальнейшем ими либо пользуется, либо нет.
А.А.: Каким образом строится именно художественное образование?
И.Л.: У нас есть как практические, так и концептуальные
Параллельно с этим, есть и практические живописные мастерские, например, Егора Кошелева и Николая Алексеева, в которых в режиме реального времени, у ноутбука, в записях или трансляциях наши студенты учатся рисовать. Мы делаем все возможное для наших слушателей, чтобы это обучение проходило максимально понятно, просто и доступно. Это происходит благодаря нашей специальной программе, в которой проходят наши вебинары. Когда студенты смотрят не на запись, а на реально пишущего преподавателя с разных ракурсов.
Конечно же есть нюансы: мы не предлагаем классические курсы рисунка, живописи и скульптуры, учитывая, что это дистанционный формат. Таким образом, даже в практической мастерской мы учим скорее концептуальным моментам больше, чем какой-то прямой практике. В мастерских занятия проходят раз в две-три недели. Это создано как раз для того, чтобы оставалось большое количество свободного времени на самостоятельную работу.
Наши студенты – это не ребята после школы, а люди с небольшим количеством свободного личного времени, у которых есть работа, семьи, хобби. Занятия в мастерской – это, в среднем, 10 встреч в семестр с мастером, который дает задания и обратную связь по итогам выполненных работ.
Ирина Логинова
А.А.: В чем главное отличие онлайн-образования от очного?
И.Л.: Самый большой бонус и важность — это доступность как для студентов, так и для преподавателей. У нас есть уникальная возможность привлекать преподавателей из любого уголка мира, лидеров мнений для того, чтобы студенты понимали - никакой изоляции нет, и вся арт-жизнь проходит не только в Москве или в Венеции, но и в любом уголке мира, который открыт для всех.
Единственное условие, чтобы влиться в дистанционный формат обучения, – иметь любой гаджет с доступом в интернет. Все наши занятия можно смотреть и с телефона, и с планшета, и с ноутбука, главное, чтобы была связь как у преподавателя, так и у студента.
Плюс нашего формата обучения: у всех студентов есть возможность не только присутствовать на занятиях, но и в любой момент вернуться к видеозаписям и пересмотреть сложные или наиболее интересные моменты лекции.
А.А.: Первый курс современного искусства стартовал в октябре прошлого года. Уже можно делать какие-то выводы, успешен он или нет?
И.Л.: Можно точно сказать, что Факультет успешен, поэтому в сентябре мы запустили уже третий набор студентов. Мы изучаем наших студентов, собираем обратную связьи стараемся сделать все, чтобы программа была не просто удобной, но и подходила широкому кругу людей. Конечно же, точку в наших исследованиях мы сможем поставить, когда наши первые студенты выпустятся и получат свои дипломы следующим летом.
А.А.: Что бы вы могли пожелать тем, кто делает первые шаги в искусстве?
И.Л.: Больше сил, стараний, и чтобы любопытство не угасало. Потому что интерес — это самое важное. А для ваших читателей мы приготовили небольшой подарок - скидка 10% по промокоду АРТУЗЕЛ на обучение на

Ирина Логинова

Ариша Андреева (24)

Михаил Сидлин: "У художника, в идеале, должны быть три качества: харизма, энергия и талант"

artuzel.com — Wed, 31 Jul 2019 12:44:07 +0000

Над интервью работали Ариша Андреева, Мария Назарова
Фото предоставлены агентством ArtPR
До 1 августа в ГУМ-RED-LINE открыта персональная выставка Олега Кулика с новой серией работ “Безответственная живопись”. В экспозиции представлено семнадцать монументальных полотен и три скульптуры. В интервью для АртУзла куратор проекта Михаил Сидлин рассказал, как как создавалась выставка, о ГУМе и за что он любит творчество Олега Кулика.
Ариша Андреева: Для тех, кто не успел посетить выставку, что бы вы могли о ней рассказать?
Михаил Сидлин: Это выставка Олега Кулика, показывающая его новые работы.
А.А.: На сколько я помню, на первой выставке в ГУМ-RED-LINE была представлена похожая живопись…
М.С.: Тогда была групповая выставка, а не персональная. А здесь мы показываем новый проект художника, как отдельное высказывание.
А.А.: Вы работали совместно? Были споры?
М.С.: В любом творческом процессе без них не обойтись. Выставка – не исключение. Но, как мне кажется, все сложилось гармонично. Важно отметить, что сам ГУМ создал почти идеальные условия для работы.
А.А.: Что вы называете идеальными условиями?
М.С.: В любой момент можно было вызвать рабочих, электриков, и персонал галереи был очень любезен, дружелюбен и всегда помогал. Все это, казалось бы, очевидные бытовые мелочи, но чаще всего именно на них тратится много времени и сил.
А.А.: У вас получился шикарный дуэт: великий художник и великий куратор. Как он образовался?
М.С.: На счет своего величия не могу ничего сказать, но с тем, что Олег великий художник, я согласен. Сложно сказать, как это вышло. Просто случилось и все.
А.А.: Вы дружите? Как образовался этот дуэт?
М.С.: Мне нравятся новые работы Кулика. Мы созвонились и решили сделать совместный проект. Все как-то сразу сложилось.
А.А.: Сколько по времени готовилась выставка?
М.С.: Быстро. Есть персональные выставки, которые готовятся по 10 лет, и в моей практике было много таких случаев. Тут все получилось быстро – меньше чем за год. Это, несомненно, большой плюс работы с Олегом Куликом.
А.А.: Почему?
М.С.: У него такая энергия.
А.А.: Чем Вам нравится Кулик, как художник?
М.С.: У художника, в идеале, должны быть три качества: харизма, энергия и талант. Кулик все три объединяет.
А.А.: Что вы можете сказать о работах, которые здесь представлены?
М.С.: Его новые живописные работы опираются на ту визуальную среду, в которой мы все сейчас существуем. Мы окружены системами новых медиа и электронных коммуникаций. Живопись – традиционная техника, которая мало реагирует на такие изменения, и Олег как раз старается преодолеть этот разрыв. Он опирается на новую визуальность, но использует традиционный медиум.
А.А.: Каким образом это выражается? Он делал эскизы на компьютере, а потом переносил на холст?
М.С.: Нет, все значительно сложнее. Процесс создания работ – это интеллектуальная работа, которая происходит в голове.
А.А.: Может быть вы знаете, как он пришел к такого рода живописи? Для широких масс он больше известен как создатель перформансов.
М.С.: На самом деле Кулик начинал в 19 лет и учился у скульптора Бориса Орлова. На его первой персональной выставке были скульптуры. Мне кажется, справедливо будет сказать, что телесный перформанс – это тоже своего рода скульптура в понятии Кулика, потому что он таким образом осваивает пространство. Только материалом становится не глина или гипс, а его собственное тело.
А.А.: На этой выставке так же присутствуют скульптуры, но уже другого плана.
М.С.: Да, здесь тоже присутствуют скульптуры. Кстати, в галерее Рихтер первой выставкой был проект его скульптур. Это были новые произведения, в них была барочная чувственность, которая мне очень понравилась. Собственно, после этой выставки я и заинтересовался «новым Куликом».
А.А.: Почему вы называете его новым, если он продолжает работать со скульптурой?
М.С.: Они [скульптуры -прим.ред.] стали совершенно другие. Если раньше он продолжал традиции Наума Габо, то есть модернизм, то сегодня Олег основывается на совсем других принципах. Он пережил очень сильную трансформацию. Новые работы, безусловно, сохраняют в себе его предыдущий опыт – в некоторых я вижу след театральных постановок, которые он делал во Франции. К сожалению, у нас они мало известны, но именно там он пришел к новой барочной стилистике.
А.А: Почему вы говорите о барочной стилистике? Эпоха барокко ведь давно прошла?
М.С.: Избыточность, порывистость, телесность. Как говорил историк искусства Генрих Вёльфин, эпоха классики чередуется с эпохой барокко. Собственно, сейчас мы и находимся в пост-классической ситуации.
А.А.: Если вернуться к живописи, что в ней может привлечь зрителя?
М.С.: То, что она говорит на современном языке, а не на языке Рембранта, Брейгеля, соцреализма.
А.А.: Можно каким - то одним словом его охарактеризовать?
М.С.: Я предпочитаю называть это более широким термином «мета-барокко» или «сверх-барокко». В конце XIX века существовало нео-барокко, когда возрождались специфические визуальные мотивы, а сейчас к этой чувственности добавилась современная специфика электронных сетей.
А.А.: У вас на выставке есть любимая работа?
М.С: «Глаз», потому что она показывает тотальное наблюдение и при этом отсылает к мифологии Мне видится тут что-то от эпохи Древнего Египта, когда глаз олицетворял бога Гора, его клали в гробницы к фараонам… И, конечно, глаз – символ новой эпохи, когда за нами в любой момент следит кто-то.
А.А.: В последних живописных работах очень много кругов…
М.С.: Это же стилистика нейронных сетей, которая переведена в живопись.
А.А.: Вы довольны тем, как в результате получилась выставка?
М.С.: Да, мне все очень нравится. Я считаю, что в этом пространстве удалось добиться максимума.
А.А.: Если представить, что у вас есть возможность выставить эти работы в любом помещении, а любом городе мира, где бы вы это сделали?
М.С.: На крыше небоскреба Chrysler Building в Нью-Йорке, на смотровой площадке. Я считаю, что они бы там прекрасно смотрелись. Вот ты заходишь, поднимаешься наверх, в этом великолепном небоскребе в стиле арт-деко, в этих замечательных архитектурных декорациях, и смотришь одновременно на город и на эти работы.
А.А.: То есть Нью-Йорк больше сочетается с творчеством Кулика, чем Москва?
М.С.: Я думаю, что нужно смотреть на мир с его вершин.
А.А.: Как вам кажется, эти произведения отражают нашу действительность?
М.С.: Мне кажется, живопись говорит сама о себе и о том пространстве, которое она образует. Кстати, даже Пикассо, когда писал Гернику, создавал метафору, а не документальное произведение. Это не соцреалистические программные картины, здесь нет прямого отражения мира. У каждого художника есть свой фильтр, который образует его авторский язык. Если его убрать, то оставется посредственность, серость и усреднение. Вот представим себе фильтр, буквально стоящий на фотографической камере: один отсекает ультрафиолетовый свет, другой превращает любой источник света в сияющие звездочки… Каждый художник тоже видит все вокруг определенным способом.
А.А.: Это ваша первая совместная выставка?
М.С.: Да, но я не могу назвать ее совместной. Это персональная выставка Олега Кулика, а я – куратор. Мне кажется, что личность художника и место здесь важнее. Я не преувеличиваю своего участия в этом проекте. Сам Кулик прекрасный куратор и прекрасный экспозиционер. Но здесь был важен взгляд со стороны.

Ариша Андреева (24),
Мария Назарова (183),
Михаил Сидлин (2),
ГУМ-RED-LINE (3)

Народный голос – Глас народа

artuzel.com — Wed, 31 Jul 2019 10:53:01 +0000

Текст: Ариша Андреева
Фото: Nadja Brykina Gallery
29 июля открылась выставка швейцарского плаката к референдумам с 1918 года до сегодняшнего дня. В Nadja Brykina Gallery, Мясницкая улица 24/7c2. Экспозиция представлена при поддержке посольства Швейцарии и швейцарского художественного совета Pro Helvetia и подготовлена Музеем дизайна в Цюрихе. Надежда Брыкина на открытии выставки отметила, что швейцарский плакат очень известен своим остроумием, лаконичностью.
Ив Россье, Чрезвычайный и Полномочный Посол Швейцарии в Российской Федерации сказал, что единственное, что объединяет швейцарский многонациональный, многоконфессиональный, многоязычный народ – это политика. Она имеет огромное значение. И для Швейцарии референдум очень важен, и, прежде чем парламент примет закон, он должен хорошо подумать, так как любой законопроект можно оспорить. И эта выставка скорее про политику, не про искусство. На ней представлено несколько плакатов, сюжеты которых регулярно повторяются, которые на протяжении десятилетий были очень важны, они на тему атомной энергии, женского избирательного права и другие. По плакатам можно проследить, что интересовало жителей Швейцарии за последние 100 лет.
Александра, менеджер проектов галереи: “29 июля мы презентуем наш первый совместный проект с посольством Швейцарии, основное направление нашей деятельности – это художники-нонконформисты, шестидесятники, их работы вы можете увидеть на нижнем этаже нашего пространства, на постоянной экспозиции. Наша галерея изначально была основана в Цюрихе, в 2006 году, а в Москве открыта в 2010. Можно сказать, что мы занимаемся кросс-культурной коммуникацией: в Швейцарии мы выставляем наших художников, и теперь, в Москве, показываем швейцарские плакаты, швейцарский дизайн. Выставка уже побывала в других городах России – она была подготовлена к 2018 году и охватывает столетний период швейцарского плаката с 1918 года. Ровно сто плакатов, выполненных в разной технике, представляют из себя точные копии хранящихся в Музее дизайна в Цюрихе. Интересно и тематическое деление разделов экспозиции – в отличие от привычного хронологического. Мы с большим удовольствием приняли эту выставку в нашей галерее”.
К выставке подготовлена интересная параллельная программа, встречи с художниками, кинопоказы, и многое другое.
Экспозиция будет работать до 24 августа 2019 года.

Ариша Андреева (24)

Назад Далее

Сергей Хачатуров и Степан Лукьянов о выставке "Косморама XVIII"

artuzel.com — Tue, 23 Jul 2019 12:23:01 +0000

Над интервью работали Ариша Андреева и Мария Назарова
Фотографии: Владимир Крейнин
12 Июля в Музее Москвы открылась выставка «Косморама XVIII». Она посвящена философу Владимиру Одоевскому и генерал-губернатору Москвы Михаилу Волконскому. Проект отражает главную идею всего Музея – взаимодействие исторических объектов и современных решений. В экспозиции представлены предметы XVIII—XIX веков, многие из экспонатов выставляются впервые. Куратором выступил Сергей Хачатуров, а сценографом Степан Лукьянов. Ариша Андреева специально для АртУзла поговорила с организаторами выставки о двух великих москвичах, сложной архитектуре и любимых местах на выставке.
Ариша Андреева: Расскажите о ваших впечатлениях о выставке.
Степан Лукьянов: Ну, что я могу сказать? Впечатление рабочее.
А.А.: Довольны ли вы вообще процессом? Идеей и ее воплощением…
С.Л.: Сложно сказать. Выставка на столько многосоставная… Это как своеобразный коллаж, из разных приемов, разных техник, разных художников, разных способов преподнесения искусства, разных средств выразительности. Даже сказать что-то сложно – есть то, что очень нравится, другое не нравится, но это создает определенный баланс.
Сергей Хачатуров: Мы готовили проект с октября, 9 месяцев. Как ребенка вынашивали. Сначала мы обсуждали, каким образом можно показать фонды музея, потом эта идея кристализовывалась в концепцию. У нас большой коллектив, мы много рассуждали, и на основе этих рассуждений возникла идея двух личностей. Всегда ведь приятнее общаться с личностью, а не с набором предметов. Мы выбрали двух великих москвичей - Волконского и Одоевского, человека дела и человека слова. Для них Москва - некая территория “фронте”, территория свободы, в отличии от казённого Петербурга.
Все это собралось в единый проект, потом я начал складывать этот пазл, что должно быть, как материально это выразить…
А.А.: То есть рисовали? Планировали?
С.Х.: Да, мы пригласили художника-архитектора Степана Лукьянова, потом пригласили специалиста делать фильм, чтобы появился разговор от первого лица, чтобы Одоевский у нас разговорился, он же гениальный писатель. Потом современные художники подтянулись. Вот так по частям собиралась выставка.
А.А.: Степан, Такая сложная архитектура помещения была специально создана, чтоб гости плутали, могли заблудиться?
С.Л.: Конечно, это специально. Я даже немножко упростил архитектуру помещения, относительно изначального плана, потому что хотелось создать своеобразный городок, чтобы было много переулочков, напоминающих Москву Одоевского. Такой запутанный старый город.
А.А.: А если допустить, что наши читатели ничего не знают о Одоевском, как бы вы его охарактеризовали, кто он для вас?
С.Л.: Одоевский, как это сейчас принято говорить, своеобразный междисциплинарный персонаж своего времени. Он и чиновник, и историк, и художник, и музыкант, и кулинар, и, конечно же, литератор, с этой точки зрения он нам больше известен. Он вообще такой Gezant Kunstler, появившийся раньше самого понятия, которое появилось благодаря Вагнеру. В грубом переводе это соединение искусств.
А.А.: Эта выставка приурочена к какой-то дате, может быть к дню рождения?
С.Л.: Нет, это просто тема, которая была предложена куратором Сергеем Хачатуровым. Мне она очень понравилась. Он мне предложил совместную работу, и мы сделали такую выставку. Но началось все с предложенной музеем темы XVIII века, а уже Сергей «зацепил» начало XIX. Это оказалось мне близким, и мы решили вместе придумать проект.
А.А.: Сергей, можете ли вы выделить любимую работу?
С.Х.: Трудно говорить, все они любимые. Мне очень нравятся фильмы. Пришлось работать в большой группе людей, как автору сценария выступать, как сорежиссеру, это для меня кейс совсем новый, поэтому я их люблю. Вся выставка для меня была большим экспериментом и вызовом.
Во время работы проекта проводятся кураторские экскурсии. Но и без экскурсии интересно плутать по лабиринтам, в каждом уголке находить что-то новое. Выставка предлагает уникальную возможность путешествия сквозь времена, с XVIII века до сегодняшнего дня, как своеобразная машина времени.
Выставка работает до 25 августа.

Ариша Андреева (24),
Мария Назарова (183),
Музей Москвы (22)

RAZDVA. Антон Радаев

artuzel.com — Thu, 18 Jul 2019 10:39:40 +0000

Над интервью работали Ариша Андреева, Мария Назарова
С самого входа на фестиваль GEEK PICNIC, прошедшего недавно на Воробьёвых горах, посетителей встречала масштабная 12-метровая "монументальная надувная скульптура" RAZDVA. Её сделали художник группы «Варенъйе организм» Антон Радаев и автор проекта YOmoYO
Первая часть интервью о скульптуре RAZDVA с Максимом Свищёвым
Антон Радаев. Фото: Дмитрий Стасюк
Ариша Андреева: Меня очень заинтересовало, почему этот объект "RAZDVA" вы называете "монументальной надувной скульптурой"? Такой оксюморон выглядит игрой!
Антон Радаев: Такую формулировку придумал я. Скульптура слеплена из довольно примитивных элементов: из колбасок, конусов, моя, по крайней мере, часть. У сказал, что его часть похожа на Дымковскую игрушку.
А.Р.: Ну да, это уже потом, когда мы на нее смотрели, решили, что она напоминает чем-то Дымковскую игрушку, и многие наши знакомые, когда видели эскиз, говорили: “О! так это же дымковская игрушка, прикольно”. Потом, когда я , а он любит нас [Варенъе организм – прим. ред]. Когда мы начали общаться? Сложно сказать, наверное, пару лет назад. Я его заметил в сети и сделал репост с комментарием “вот король абстракта”, а как , и он был носителем нашей эстетики в Питере. А потом я ему предложил коллаборацию, и в тот момент я еще сам не понимал, чем бы это могло стать, во что выльется, не было никаких идей конкретных, заказов. Хотелось с ним вместе слепить что-то.
А на фестиваль нас позвала Ольга Погасова, и работы мы делали в контексте фестиваля. Событие строится вокруг темы вечной жизни, покорения вселенной, расширения возможностей человека, космических фантазий. Для нас эти темы очень важны, они входят в нашу область исследований, рассуждений. Так все совпало, что Ольга увидела в нас людей, которые могут это тему интересно, странно раскрыть.
Фото: Ольга Серова
А.А.: Вы рады, что это практически центральный экспонат фестиваля?
А.Р.: Вообще мы не очень довольны местом, хотя оно и центральное. Но просто очень много треша визуального вокруг - заборы в два ряда, разношерстные шатры. И идеале для этой скульптуры важно, чтобы вокруг ничего не было. Я бы ее, наверное, поставил в Николо-Ленивце, в полях, чтоб со всех сторон можно было обозревать.
А.А.: С какой стороны ее лучше смотреть?
А.Р.: Мне больше нравится смотреть с той части, которую сделал работали над этим проектом, и так же указание на двухчастность объекта. Нам это название показалось максимально абстрактным, так как не хотелось в него вкладывать дополнительных смыслов.
Фото: Дмитрий Стасюк
А вот как зрители описали свои впечатление о скульптуре RAZDVA:
Олеся: “Мне очень нравится, и напоминает 3д-графику, какой-то тайный мир”
Денис: “Очень похоже на фрагмент, или что-то из “Тайны третьей планеты”.
Илья: “Абстракция чистой воды. Это классно, особенно, что ее видно идя со станции метро, отличный ориентир для гостей фестиваля”.
Максим: “Это смотрится, как будто единорог обнимает ракету.”
Евгений: “Скульптура необычная, похожа на клоуна. Хочется на ней попрыгать”.
Ирина: “С первого взгляда похоже на детские батуты, которые есть в парках развлечений.”
Светлана: "Выглядит, как единорог, который ест ракету. Выглядит отлично и соответствует месту.”
Катя: “Это что-то красивое, необычное, яркое, я даже понять не могу что. Вижу, что у нее есть глаза, очень забавные. Сначала она мне напоминала большую собаку, потом я заметила что-то похожее на ракету, и что-то розовое, обтекаемое, ни на что не похожее. Может, это пришелец?”
Степан: “Что-то необычное. С трудом представляю, что это, может быть ракета, которую атакует космический монстр? Она надувная, в контексте мероприятия мне очень даже нравится”.

Фото: Дмитрий Стасюк

Ариша Андреева (24),
Мария Назарова (183),
GEEK PICNIK (3)

RAZDVA. Максим Свищёв

artuzel.com — Thu, 18 Jul 2019 10:19:57 +0000

Над интервью работали Ариша Андреева, Мария Назарова
С самого входа на фестиваль GEEK PICNIC, прошедшего недавно на Воробьёвых горах, посетителей встречала масштабная 12-метровая "монументальная надувная скульптура" RAZDVA. Её сделали художник группы "Варенъйе организм" Читайте вторую часть интервью о скульптуре RAZDVA с Антоном Радаевым
Максим Свищев. Фото: Антон Радаев
Ариша Андреева: Здравствуйте, Максим, можно узнать, как задумывалась скульптура, как она делалась? Как работалось в сотрудничестве?
Максим Свищев: Работалось очень хорошо. Я давно знаю ребят, они предлагали мне и раньше сделать что-то совместно, но у нас не было каких-то точек соприкосновения.
Фото: Дмитрий Стасюк
А.А.: Здесь, на фестивале, она размещена на главном входе, каждый приходящий, сразу обращает внимание на нее. Для вас это важно?
М.С.: Это интересно, но для меня это более привычная среда, можно сказать, обычная по сравнению с тем, как это выглядело среди деревьев и зелени – это для меня было откровением
А.А.: Были ли какие-то забавные интересные истории, в процессе создания работы?
М.С.: Самым забавным было, когда организаторы попросили сделать моей «сущности» глазки. Они выслали пример каких-то монстриков, и я уже был на грани отказаться от проекта. Но в итоге пришли к абстрактным образам, которые удовлетворили всех. Это тоже некое вмешательство жизни, и результат вы идите в нашей работе.
Проблемой абстрактного искусства я считаю, когда зритель пытается увидеть мордочку, или какой-то знакомый образ. Это лишает фантазии, возможности интерпретировать, создавать собственный мир. Этого не хотелось.
А.А.: Получается, что вы довольны результатом?
М.С.: Я доволен, это не совсем моя работа, и я могу посмотреть на нее немножко со стороны. Когда своя работа, на нее сложнее объективно смотреть.
Еще я очень доволен, что в моей части работы есть намек на Дымковскую игрушку. Я ее с детства люблю. И я всегда на нее смотрел и думал, как я могу ее переосмыслить, выразить. И у меня, наконец-то получилось, сделать это по-своему. Это не простое копирование, а именно переосмысление.
А.А.: Что вы вообще хотели сказать своей скульптурой, ваша общая идея?
М.С.: Для меня в творчестве важно, как и для

Фото: Дмитрий Стасюк

по сравнению с тем, как это выглядело среди деревьев и зелени – это для меня было откровением

Ариша Андреева (24),
Мария Назарова (183),
GEEK PICNIK (3)

Марина Смирнова: "Чем безбашеннее и бредовее идеи, которые нам предлагаются, тем нам интереснее"

artuzel.com — Thu, 18 Jul 2019 09:49:01 +0000

Над интервью работали Ариша Андреева, Мария Назарова
13 и 14 июля в Москве в очередной раз прошел Международный фестиваль науки и технологии GEEK PICNIK, его главной темой стало «Жить вечно/ Immortality». На огромной площадке на Воробьевых горах был создан крупнейший Open Air с широкой образовательной программой на любой вкус, для взрослых и детей. Арише Андреевой специально для АртУзла удалось пообщаться с генеральным директором фестиваля, Мариной Смирновой о подготовке фестиваля, лекциях и искусстве на фестивале.

Марина Смирнова. Фото со страницы vkontakte
Ариша Андреева: Вы не могли бы поподробнее рассказать о фестивале?
Марина Смирнова: У нас большая рабочая команда. А в этом году GEEK PICNIK проходит в девятый раз.
А.А: И с каждым разом он становится все больше, развивается?
М.С.: По-разному. У нас были разные периоды: взлеты, резкий рост, периоды кризиса, депрессия, опять были взлеты, рост географии, попытка делать международные проекты. Это очень живой фестиваль.
А.А: Как живой организм?
М.С.: Да, именно так, и поэтому у него были свои искания, метания, ну и рост, конечно.
А.А.: Подскажите, а каким образом выбирается место для фестиваля?
М.С.: У нас не стоит задача выбирать новое место. Нам очень понравилось в парке Коломенское, мы бы там и оставались жить, но просто в этом году там ремонт в парке, он закрыт на эти даты, а мы очень хотели сделать фестиваль в июле. Мы переехали сюда, на Воробьевы горы, и эта площадка нам тоже очень нравится.
А.А.: Существуют ли какие-то параметры для выбора места?
M.C.: Конечно, площадка должна вмещать в себя большое количество людей, чтобы им было комфортно, обязательно должна быть зеленая трава, деревья, чтобы сделать различные зоны отдыха, для сидения, чтения, прослушивания лекций. Важно, чтоб автомобили могли подъезжать. То есть мы выбираем площадку исходя из технических требований.
Фото: Лена Антонова (из альбома сообщества Geek Picnic vkontakte)
А.А.: Вы можете выбрать самое интересное событие из всех, что сегодня проходят на фестивале? Такая обширная программа, что одному человеку не успеть...
М.С.: Огромный список мероприятий, но дело в том, что этот фестиваль многоформатный и, конечно же, образовательный. Идея в том, что зритель после всех событий должен уйти перезагрузившимся, начать думать, о чем -то новом, интересоваться. Но, при этом, программа не занудная, не скучная - ходят гигантские роботы, VR- очки, роботы-собаки по территории бегают, косплей-опера. Лектории у нас рассчитаны на разную аудиторию, особенно хочется выделить наш главный лекторий Immortal, посвященный теме этого года «Жить вечно». А вообще их у нас много: посвященный искусственному интеллекту, космосу, этике, достижениям в биотехнологиях…
А.А: Каким образом отбирались художники, украшающие своими скульптурами фестиваль?
М.С.: Абсолютно по-разному, с кем-то мы давно сотрудничаем, некоторые сами предлагают свои проекты, например, Максим Свищев и Антон Радаев. Наш фестиваль во многом экспериментаторский, мы пробуем разное и всегда открыты к сотрудничеству. Чем безбашеннее и бредовее идеи, которые нам предлагаются, тем нам интереснее. Нам интересны гаражные изобретатели, ученые-экспериментаторы, художники, которые делают необычные произведения, «взрывающие мозг». Мы весь год это собираем.
А.А.: Значит фестиваль готовится год?
М.С.: Да, как только заканчивается один фестиваль и сразу начинает готовиться другой.

Назад Далее

Фото: Лена Антонова (из альбома сообщества Geek Picnic vkontakte)

Фото: Лена Антонова (из альбома сообщества Geek Picnic vkontakte)

Фото: Артём Даглдиян (из альбома сообщества Geek Picnic vkontakte)

Ариша Андреева (24),
Мария Назарова (183),
GEEK PICNIK (3)

Куда пойти? Обзор новых выставок на Винзаводе

artuzel.com — Mon, 15 Jul 2019 12:30:23 +0000

Текст и фото: Ариша Андреева
9 июля в Центре современного искусства Винзавод прошел вечер вернисажей. Большинство галерей приготовили сюрпризы для своих зрителей: не только открытия выставок, но и встречи с художниками, и экскурсии по экспозициям.
POP/OFF/ART gallery представила выставку Александра Голынского “Политаль”, молодого многообещающего художника, который работает с обыденными для жителей России материалами – изолентой, проволокой, утеплителем, клейкой лентой. И делает из них яркие и необычные объекты. Это первая его персональная выставка в галерее POP/OFF/ART.
Сергей Попов, основатель галереи POP/OFF/ART: «Мы работаем с Александром уже около года, это его первая персональная выставка в нашем пространстве. До этого мы продюсировали его выставку в Нижнем Новгороде. Здесь мы показываем его лучшие новые работы. Сейчас Саша работает со скульптурами из изоленты, поэтому на них мы и сосредоточились.
Голынский – образцовый молодой художник для галерейной работы: разные медиа, серьезный философский подход… И делает он абсолютно новые вещи. Ничего похожего я еще не встречал. Он соединяет идею скульптуры и живописи. Я очень доволен результатом, мне кажется, что это одна из самых красивых выставок, которые были в нашей галерее. За время работы с Александром мы стали его фанатами, он молодой, красивый, бодрый, всех заряжает своей энергией».
Ольга Попова, партнер галереи: “Когда я зашла в галерею, я была в шоке. Александр сам придумал дизайн выставки, который вы сейчас видите. Он идеально вписал минималистичные объекты в это большое пространство. Я очень люблю такие выставки».
Выставка открыта до 18 августа 2019 года.
Галерея Файн Арт представляет выставку Ашота Асратяна “Деревья, птицы и другое”, который работает в традиционном медиуме – живопись.
Ирина Филатова, галерист, куратор: «Мы первый раз делаем такую выставку. Особенность этой экспозиции в том, что художник – доктор физико-математических наук, всю жизнь он занимался физикой элементарных частиц, которые увидеть невозможно, то есть вполне абстрактная наука, и в то же время мы представляем его абстрактные работы, которые он создавал всю жизнь. На мой взгляд, работы очень необычные, очень мощные, его индивидуальность очень видна в каждой».
Ашот Асратян, художник: «То, что выставка получилась, это заслуга Ирины Филатовой, безусловно. Если говорить о живописи, то она не должна рассказывать о художнике, а должна быть о каждом зрителе. Открывать что-то новое в нем самом. Я не думаю, что художник как-то отражается в своих работах. Они просто либо цепляют, либо нет. Здесь висят мои работы, в них заложен «динамит», который, я надеюсь, устроит маленький взрыв в душах посетителей».
Галерея будет ждать на выставку до 9 августа 2019 года
TOTIBADZE gallery представляет серию работ Ольги Флоренской “ДЖАПОНЕИЯ ШИНУАЗ”. Основой для произведений стали найденные на блошиных рынках бытовые предметы.
Марина Цурцуми, куратор, совладелица TOTIBADZE gallery: «Сначала мы работали с [мужем Ольги] Александром Флоренским, но они много работают вместе, поэтому скоро Ольга стала тоже сотрудничать с галереей. У них уникальная семья, они по-другому воспринимают действительность и создают уникальные объекты. Этой выставкой мы довольны. Произведения написаны на противнях, крышках, тазах, которые Ольга нашла в разных местах. У нее получилось целое путешествие по смыслам и концепциям, ведь каждая деталь таит свой мессадж. Я думаю, зрители должны несколько раз посетить выставку, чтобы полностью прочувствовать ее глубину».
Галерея ждет вас до 8 сентября 2019 года.
ARTIS gallery представляет персональную выставку молодой художницы Саши Соколовой “SPLASH”. Яркие, наполненные солнцем работы, рассказывающие о безмятежном пляжном отдыхе, вызывают приятные воспоминания – море, палящее солнце, жара… Что еще нужно этим дождливым летом?
Екатерина, сокуратор и менеджер проекта: «Главная задача этой выставки – создать ощущение лета и отпуска у зрителей. Пусть москвичи отдохнут от дождей. Сама художница – очень яркий человек, с ней невероятно приятно работать. У нас сложное пространство для работы, все выложено белой плиткой, но здесь оно напоминает дно бассейна. Еще мы постелили синий ковролин, чтобы создать ощущение воды. Говорят, у нас получилось».
Александра Соколова, художник: «Я целый год писала работы к этой выставке. Сама бы я охарактеризовала свои работы, как полуабстрактные. У меня абстрактные формы, но при этом реалистично изображенные люди. Вы можете увидеть, что изображаю я только женщин, это потому, что вдохновляюсь я своими сестрами. Еще тут есть пара автопортретов и портрет подруги. Это моя четвертая персональная выставка, вторая в Москве, первые были в Германии и Польше. Но эта особая, ведь Винзавод -это такое место, где каждый современный художник хочет выставиться».
Выставка будет работать до 6 августа 2019 года.
Галерея 11.12 представляет выставку Кирилла Яковлева “Девочки-мальчики”. Художник пытается представить идеальных людей. Но любой идеал – дело индивидуальное, поэтому Кирилл оставляет только размытые образы моделей, а мы, зрители, должны сами дополнить их.
Кирилл Яковлев, художник: «Это моя вторая персональная выставка в галерее, я доволен тем, как она получилась. Все мои работы выполнены в одних цветах, и это не специально – в мастерской каждая кажется мне особенной, а на выставке они сливаются в серию. Если говорит про стиль моих работ, то мне сложно его назвать – мы живем в век постмодернизма, и стиль уже не принято называть. Это своеобразное табу, мне кажется. Они закончились в прошлом веке, а сейчас мы их смешиваем. Это как есть водка, шампанское, вино, пиво, виски, а есть коктейли на их основе.
Выставку хотелось назвать «Люди», но недавно, оказывается, уже был проект с таким названием. У Энди Уорхола есть такая фраза: «Мы хотели сделать очень плохое кино, но сделать это очень хорошо». Я хочу делать очень простую живопись, «маленькое искусство», но делать его хорошо».
Выставка будет работать до 11 августа 2019 гогда.

Ариша Андреева (24),
ЦСИ Винзавод (34)

В Музее Москвы открылась выставка «Косморама XVIII»

artuzel.com — Sat, 13 Jul 2019 12:44:44 +0000

Текст: Ариша Андреева
Фото: Владимир Крейнин
12 Июля в Музее Москвы открылась выставка «Косморама XVIII». Она посвящена философу Владимиру Одоевскому и генерал-губернатору Москвы Михаилу Волконскому. Проект отражает главную идею всего Музея – взаимодействие исторических объектов и современных решений. В экспозиции представлены предметы XVIII—XIX веков, многие из экспонатов выставляются впервые. Куратором выступил Сергей Хачатуров, а сценографом Степан Лукьянов.
Сергей Хачатуров: «Это была авантюрная идея, но весь коллектив Музея Москвы ее поддержал. Авантюра заключалась в том, что нужно было показать фонды музея, очень разные, но очень интересные. Так называемая археология визуальной культуры. Мы долго думали, как это сделать, и придумали сценарий: мы построили историю на двух личностях, великих москвичах Первый, человек дела, генерал-губернатор Москвы Михаил Дмитриевич Волконский, второй - человек слова, филантроп, историк, естествоиспытатель, алхимик, литератор, философ, князь Владимир Федорович Одоевский. Гиперзадачей было посмотреть на современность через Косморамы, известного романа Одоевского, который и дал название нашей выставке. И эту призму мы попытались смоделировать, благодаря замечательным художникам, архитектору нашей выставки Степану Лукьянову, Владимиру Кардашову, арт-группе Север-7, Егору Кошелеву, Филипу Шеину, огромному количеству людей, которые поверили в такую авантюру, и занялись этой алхимией.
Создали Косморамы, создали ящички-райки для потешного смотрения. Кто такой Волконский, что он сделал, какие при нем были свершения? И кто такой Одоевский? Что это за лабиринт? Как можно было через его психоландшафт пробираться? Как современная культура, культура гибридная, культура всевозможных сообществ, субкультура молодежная… как она помогает увидеть, что Одоевский вообще-то наш человек? Я очень хочу потом сделать фестиваль Одоевского. Потому что, когда мы поняли, кто такой Одоевский, то оказалось, что вот он – человек метамодернисткой эпохи, у которого не единого нарратива. Он пробивается к истине с различных позиций наблюдателя, и это оказалось очень современно. Это дискретное зрение, которое помогает с помощью “качелей”, лабиринта, навигации серфингиста, проникнуть к истине, что сегодня очень ценно. И это я бы назвал своеобразным ключом, а уж как каждый человек соберет эту Космораму, зависит от индивидуального прочтения. Здесь нет рецепта».
Сергей Лукьянов: «Я хочу сказать, что вся выставка - это коллективный труд, каждый художник привнес что-то свое. По-моему, получилось идеальное слияние театра, кино, музея, музыки, литературы».
Выставка открыта до 25 августа.

Ариша Андреева (24),
Музей Москвы (22)