«Noite de Estreia», em cena no Teatro Carlos Alberto, é uma peça adaptada e dirigida por Martim Pedroso com base no filme de 1977 do realizador americano John Cassevettes.

O filme é uma peça dentro de um filme e é sempre um desafio este efeito matrioska. Um filme sobre um espetáculo.  Trata-se de um argumento forte que nos provoca e inquieta. Que obriga o público a pensar e cada um dos espectadores a dizerem para si mesmos aquilo que não têm coragem de confessar nem em silêncio. Nesta peça vivenciamos essa fronteira ténue entre a interpretação e a realidade. A atriz principal (Dalila Carmo) é Myrtle Gordon, uma vedeta a braços com as suas inquietações pessoais, que enfrenta os seus medos mais profundos quando é confrontada com a necessidade de encarnar uma personagem onde ela diz não se encontrar e é nessa tensão que se apresenta em todos os ensaios. O encenador (João Reis) só quer o espetáculo de pé, o público a vibrar, que a atriz continue a ter a mesma piada que antes. Ela não quer levar um estalo em cena e reage, contrariada, nos ensaios enquanto o colega, ator, condenado a uma personagem antipática, como ele mesmo classifica e que não deixará lastro de memória no público (João Araújo), se insurge contra os bloqueios de Myrtle. A atriz chora, grita, descontrola-se, atingiu o limite e sente-se sozinha nesse estado em que ninguém, mesmo os que se habituaram a trabalhar com ela e a idolatrá-la (Heitor Lourenço), a querem ver, estado do qual a tentam, à força, tirar.

Tudo pode acontecer naquele palco onde se entrega, o lugar sagrado onde as emoções são tudo, mas a atriz rejeita aquela personagem que encerra uma visão de mulher que não aceita.  A peça traz à colação o envelhecimento, o envelhecimento para uma mulher numa sociedade machista, patriarcal, que acredita que a mulher tem que ter filhos, casar, adorar crianças, que normaliza a agressão sobre mulheres_ física, verbal, emocional _que considera que uma mulher não se cumpre se não corresponder a um padrão pré-determinado sobre o que tem de querer, de desejar, de esperar do seu futuro. Myrtle não aceita e enfrenta uma crise com o seu corpo, as suas rugas, a beleza que já não é a mesma, o querer sentir-se amada como todos querem e se repete em voz off, e encontra dentro dela a fã, de 17 anos (Margarida Bakker), que chora desbragadamente quando a vê ao sair do espetáculo e morre de seguida num acidente. Myrtle explica-nos, entre goles de álcool (qual Humphrey Bogart) como é sentir a solidão, as noites de solidão, os dias de solidão, esses dias e essas noites que são gigantes quando já não se tem 17 anos, quando o rosto já tem marcas de passado, quando a beleza escapou repentinamente, quando se tem medo, muito mais medo do que antes. A atriz repete à autora do espetáculo (Maria José Paschoal) que a idade não interessa para nada, e sabe que está a mentir, por isso se recusa ou se esquiva a dizer a sua idade, enquanto repete que não tem 60 anos, que não tem calores da menopausa e que não quer interpretar aquela personagem ou vão pensar que é uma velha.

E é por se sentir tão frágil, tão carente de amor, que o encenador, preso na sua incontrolável vaidade e receoso do fracasso da peça, repete, à frente da sua mulher (Marta Félix)_ personagem à qual, ao contrário do filme de Cassavettes, parece faltar alguma densidade dramática_ que a ama depois de lhe atender o telemóvel interrompendo um ato de intimidade. O encenador que tudo faz em nome do espetáculo e da necessidade de ter de volta a sua estrela.

As participações em vídeo (realização e montagem de Ruben do Valle) proporcionam o efeito matrioska, desta feita o cinema dentro do teatro, participações que combinadas com a envolvente sonoplastia (Carlos Morgado) e o desenho de luz de José Álvaro Correia, a cenografia de Jean-Guy Lecat e os cuidados figurinos de João Telmo, dão a este espetáculo uma dinâmica especial.

A interpretação arrepiante de Dalila Carmo e a consistência dos experientes João Reis, Heitor Lourenço e Maria José Paschoal proporcionam um espetáculo intenso, memorável, que deixou a sala, cheia, do Teatro Carlos Alberto ao rubro, emocionada, a aplaudir de pé esta belíssima adaptação de Martim Pedroso. Uma noite de estreia. A mais inquietante de todas.

O espetáculo 12 efeitos de luz, interpretado por Ivo Bastos e com voz off de Rui Almeida, é o resultado de mais uma das magníficas encenações de Ricardo Alves e conta com músicas originais dos Ornatos. Ou quase, vá. Os originais são de Manel Cruz, Elísio Donas, Kinorm, Peixe e Nuno Prata.

Em entrevista, Ivo Bastos explica que o espetáculo foi construído em cima de 12 efeitos de luz e que o texto nem sempre é o centro dos espetáculos dos Palmilha, mas apenas o pretexto. Chegados ao pequeno auditório do Rivoli encontramos um cenário que mais parece um baú de memórias: uma bicicleta, um sinal de trânsito (esse clássico de rebeldia de banda de garagem dos anos 80), uma estante metálica com roupas de adulto e de bebé, uma pequena cadeira, um regador, uma máquina de escrever, um busto feminino, caixas, uma garagem vintage… No final, o caos acaba sempre por fazer algum sentido…

A personagem principal surge numa penumbra com um discurso nostálgico sobre a amizade que culmina com uma pausa sentida do ator «um tédio!». Pois. Está lançado o repto. O público fica com a certeza que foi feita a transição para um tempo de comédia. Pode-se discutir o papel do amigo nos filmes americanos e recordar Chuck Norris e Van Damme. Clássicos de porrada que nenhum macho alfa pode perder. Pode-se concluir que se tivermos de agredir alguém é mais útil que seja a um amigo. Ou pode-se falar do sonho de menino em ser assistente de enfermagem e falar do movimento operário em defesa do direito a ser escravo para orgulho das gerações vindouras. Isto enquanto o amigo da voz off disserta sobre pombos com notável enlevo e fala da sua parca reforma de mais de 3000 euros à qual soma a da falecida. Que isto no Inverno faz muito frio. Não é fácil. Um professor universitário que afinal não é de biologia, nem de ciências, mas de relações internacionais. O mesmo que depois resolve falar dos esquilos e compará-los com as pombas aplicando essa imagem às mulheres: «A minha mulher é uma pombinha, mas a Laura é uma esquila». E é preciso cuidado com as esquilas e aquelas caudas vistosas. Enquanto isso a personagem interpretada por Ivo Bastos recorda aquele dia derradeiro em que Laura decidiu «dar um tempo» na relação: «Um tempo?», «Precisas de ir à casa de banho? Eu espero», «Um tempo?, «Está bom tempo hoje». «Podias dizer que fodo mal, que estás de olho noutro gajo, mas um tempo?». E recorda aquela situação em que a namorada lhe disse que não podia ter uma relação à distância, que ia mudar de cidade. Tinha-se mudado para Vila Nova de Gaia.

Até pode parecer que isto não faz sentido nenhum, mas tudo faz sentido no exorcismo desse caos que são as memórias. Reencontrar os Palmilha é mesmo como reencontrar um velho amigo. E, sim, percebemos que está mais amadurecido, que até já tem umas brancas no cabelo, que está porventura mais cansado e amargurado, com mais entulho no sótão das recordações onde guarda mais desilusões e experiências, mas continua tão genial como antes e a arrancar-nos as mesmas gargalhadas. E, claro, esse reencontro é sempre um momento imperdível.  Façam o favor de não o deixar pendurado. Está em cena até dia 23 de janeiro.

12 Efeitos de Luz, de Palmilha Dentada
Teatro Rivoli, 12-23 Janeiro 2022
Desenho de luz, direção plástica, texto, encenação Ricardo Alves
Interpretação Ivo Bastos
Voz off Rui Oliveira
Músicas originais de Manel Cruz, Elísio Donas, Kinorm, Peixe, Nuno Prata
Fotografia Júlio Eme
Produção Helena Fortuna
Coprodução Teatro Municipal do Porto

Foto: José Caldeira

Entramos na sala de teatro para assistir a uma peça para bebés – o nome – “Capuchinho”. Somos recebidos com música ambiente enquanto os protagonistas da peça estão em palco num jogo de sombra e luz. O cenário simples, mas eficaz leva-nos diretamente para a floresta da avó. Sentamo-nos e esperamos um pouco.

Chega a mãe da Capuchinho. E, da mesma forma que se contam histórias ao dormir, vai folheando o livro, página a página, enquanto as personagens entram em palco. As crianças choram na plateia – ou porque não gostam de escuro, ou porque não estão habituadas a estar em teatro – os pais lá tentam gerir aquelas emoções todas.

Enquanto isso, uma Capuchinha dança, canta e mostra aquele espírito infantil e garrido da menina que quer ir à floresta. Mas como em todas as histórias infantis aparece o medo – o lobo. O Lobo matreiro circula pelo cenário até enganar a Capuchinho.

Em meia hora temos a história contada com delicadeza. Temos a reconstrução do final da história e também uma capacidade de compreender o outro – o lado mau da história. Entre dança, música e um texto focado em salientar as palavras mais importantes da história consegue fazer-se chegar a mensagem às crianças. E aos pais.

De salientar também o recurso à Língua Gestual no discurso da mãe da Capuchinho, uma verdadeira prova que o caminho para a inclusão e para um acesso generalizado à Cultura se faz e que o teatro para bebés escancara as portas a esse caminho.

Próximas apresentações de Capuchinho.

24 de outubro, às 11 e às 15 horas, Auditório John dos Passas, Ponta do Sol, Madeira
27 de novembro,  às 11 e às 15 horas, CASA das Artes de Famalição
18 de dezembro, às 11 e às 17 horas, Coliseu do Porto Ageas
20 de fevereiro,  às 11 e às 16 horas, Teatro Aveirense, Aveiro
27 de março, às 11 e às 16 horas, Teatro Municipal de Bragança.

TeatroPlage
Encenação Paulo Lage
Coreografia Elsa Madeira
Interpretação Cheila Lima, Duarte Melo e Sofia Loureiro
Cenário de Ana Paula Rocha
Figurinos de Mónica Cunha
Confecção de Figurinos Mestra Olga Amorim
Preparação Vocal Silvia Filipe
Arranjos Musicais Carlos Garcia e Elmano Coelho
Desenho de Luz Pedro Nabais/Operação Pedro Correia
Desenho de Som Frederico Pereira
Adereços Xana Capela
Desenho de maquilhagem Guilherme Gamito
Produção THEKINGROAD – Duarte Nuno Vasconcelos
Co-produção Casa das Artes de Famalicão
Espectáculo tem o apoio à criação Direção-Geral das Artes
Parceiro Institucional República Portuguesa

Ivan Turgueniev retrata no seu livro “Pais e Filhos” a cíclica batalha geracional que começa primeiramente dentro de cada casa e se alastra à sociedade. Existe algures, ali na adolescência, uma altura em que com recurso ao espírito crítico ou simplesmente por obstinação todos começamos a contrariar os ensinamentos familiares ou as normas vigentes na sociedade que nos acolhe e representa.

Neste livro, esta cisão geracional revela-se através da defesa do Niilismo por parte da personagem Bazarov. Este entra na família Kirsánov pela mão de Arkádi numa visita frugal mas ao mesmo tempo capaz de corroer os alicerces tradicionalistas, ortodoxos e instituídos da família como representação da sociedade russa daquela época.

Em 2021, Pedro Penim adapta a obra com a capacidade para a transpôr para uma sociedade do Séc XXI, privilegiada dentro da sua diferença mas ainda assim longe de ser aceite universalmente. A história mantém o vínculo ao Niilismo mas adaptando-o à realidade queer. Com variados apontamentos de humor e de pertinente ironia acompanhamos o percurso da camarada, interpretado por João Abreu, desde a “contaminação teórica” de Arkasha até à desconstrução da própria realidade de Bazarov.

Num primeiro momento somos apresentados à família Kirsánov – conhecemos as suas lutas, os seus dramas, a ansiedade do reencontro com Arkasha. A família reunida recebe-o, saúda a sua companheira de luta e, com o passar do tempo, acompanhamos um mal estar comum: o que se sente quando nos desafiam nas nossas certezas. No segundo momento, acompanhamos a camarada à sua origem, à sua casa e compreendemos as nuances sentimentais de quem defende que só com a destruição total é que se pode criar algo… mas que vão ter que ser os outros, os da próxima geração, a construir.

Todas as personagens acabam por passar uma mensagem poderosa, todas nos mostram diferentes rostos de uma mesma sociedade: os privilegiados de entre os diferentes, os acomodados, os pais, os filhos, as surrogate mothers, os filhos que já nasceram, os que ainda vão nascer, os que se reconhecem agora pais e se reveem nos filhos.

O cenário, minucioso e muito bem desenhado é irrepreensível do início ao fim, o guarda-roupa que inicia simples vai crescendo em exaltação com o avanço da peça e cresce na medida certa.

O texto envolve-nos – desde o início é tão natural que acreditamos que aquela é a história do Pedro, como é a história do Hugo mas é afinal a história de muitos casais a quem paternidade é proibida.

As duas horas passam sem repararmos, não fosse a pausa para mudança de cenários e nem teria dado pelo tempo passar.

Foi a minha rentrée na temporada 2021/2022 e não poderia ter sido melhor – mas esta é a minha opinião e pode ser só porque sou Gémeos!

Faz hoje um mês que pisei, oficialmente, o palco do TNDMII com um grupo dos meus favoritos. Dos que se tornaram meus favoritos pela arte da doação e partilha.

Não me lembro da altura em que conheci o trabalho da Raquel André. A capacidade de olhar o banal e vê-lo com os olhos de quem vê uma obra única está em cada um de nós mas poucos conseguimos atribuir significância a isso. A Raquel consegue.

Para terminar a sua coleção de pessoas a Raquel procurou, desta feita, todos os que a observam. Com os reflexos desta pandemia de distanciamento também o plano da Raquel foi alterado: fez algumas oficinas online e durante o mês de Maio organizou duas oficinas presenciais no TNDMII. Dessas extraiu 11. E de entre esses 11, eu.

Olhando para as pessoas que estiveram no mesmo dia que eu estive parece-me que a escolha deve ter sido difícil: todos somos espectadores na vida, todos temos histórias inesquecíveis. Mas fomos nós que representámos todos: o João Limão, eu, a Julia Catita, a Fátima Barreto, a Patrícia Santos, o André Conceição, o David Gorjão, a Raquel Pedro, a Ana Ribeiro, o Luís do Paço e a Marina Preguiça.

Enquanto elencava este grupo fui passando por cada um dos nossos encontros e sorrindo a esta diversidade que nos torna tão próximos. Desde os 21 aos 73 anos. De Covão do Coelho ao Magoito passando por Santa Comba Dão.

Desde esse dia distante de Maio fomos tendo encontros, todos os fins de semana. Para a Raquel e a sua equipa nos conhecerem mas para nós nos conhecermos e criarmos este espírito de partilha e causa comum. Fomos encontrando temas transversais (a invisibilidade da mulher na história, a necessidade de compreensão do outro, a luta por ideais…) e fomos criando a matriz sobre a qual foi criado espectáculo.

Nós, meros espectadores não esperávamos tudo o que nos foi dado. Conhecemos a Odete que nos gravou os sons, o Sérgio que criou a página onde as memórias vão sendo guardadas, o João e a Margarida que entre colocar e retirar microfones aturavam a nossa excitação amadora de quem se sente do lado de lá, de quem se ouve em microfones. O Carlos que dirige a cena, desde que não apareça… Mas a quem vamos mandar beijinhos em cada entrada naquela sala. O Jorge que guia as máquinas do teatro.

E a Cláudia. A Cláudia Gaiolas, responsável pela co criação da peça deu-me tudo como só dá quem sabe que é assim que também se recolhe. A Missanga, produtora, que como se não bastasse o dia-a-dia exigente da produção teve ainda de fazer marcações de testes COVID. Licenças, autorizações. Marcações.

Foram muitos. Muitas. Todos. Fomos abraçados pelos tentáculos de um polvo teatral que nos recebeu quase nos fazendo esquecer que éramos e vamos sempre continuar a ser espectadores.

Este trabalho é, hoje, à distância de um mês ainda demasiado íntimo. É ainda muito difícil de descrever ou definir em palavras. Mas é também a chave para uma leitura diferente dos espectáculos. É o descodificador de tudo que não vemos em cima do palco e que tanto contribui para os resultados finais. É a medida, cada vez mais certa, para compreender como ter a representatividade da realidade em palco, como compreender o lugar do outro se o sítio de onde eu o vejo é o meu.

A relação entre o artista é o espectador é única, como único é o olhar da Raquel. E a beleza de tudo isto é, como ela diz, que um não pode existir sem o outro.

Fechamos um ano dos mais difíceis a nível mundial. Dos mais impactantes para nós como sociedade. Para nós como seres humanos. Para nós como profissionais. Hoje desejo o que desejei no dia 18 de Julho na última sessão de apresentação: que sejamos sempre mais no palco – seja real ou metafórico – a tentar esbater essas diferenças, essas distâncias, essas desigualdades.

Hoje, como naquele dia, estou feliz de ter estado com aqueles meus novos amigos em palco, de ter falado de histórias minhas, de ter levado pela primeira vez os meus pais a um teatro. Hoje, como naquele dia, estou consciente de que tenho de saber cada vez mais sobre o meu lugar de escuta para saber efetivamente qual é o meu lugar de fala.

Agora a Raquel e a equipa vão para a Noruega. Depois para Cabo Verde. E fico a aguardar que mais salas deste país a programem pois somos muitos os que podemos ser colecionados. E somos muitos, mas mesmo muitos, os que devemos ver esta peça.

O cenário representa várias janelas, portas, alçapões e escadas. Neles aparece a filha de Indra, Inês, interpelando o pai sobre o que é aquilo lá em baixo, na Terra. O que sentem aquelas pessoas? De que forma se relacionam? E as personagens começam a passar-nos pelos olhos – vão desfolhando páginas de um livro onírico; utópico talvez. Os sonhos que cada uma delas tem, a forma como outros se cruzam nos seus caminhos e, consequentemente, a forma como as nossas vivências vão alterando esses sonhos ou até como, quando realizados perdem parte da nuvem de beleza que os envolve.

Vemos a forma como os saberes académicos se entrecruzam compreendendo também, com alguns apontamentos sagazes, as lutas de interesses e os seus efeitos em cada um de nós.

Inês, depois de uma intensa investigação, compreende aquilo que o adágio popular apresenta: “A galinha da vizinha é sempre melhor que a minha”; visto de fora, tudo parece belo, um sonho. Mas também a rosa que é uma das flores mais amadas possui os seus espinhos e a vida também teima em nos magoar por mais sonhada que seja a ocasião. Pela mão do António Pires, com a ajuda de um elenco firme, sentimos que o resultado de um caminho nunca traz só beleza e por vezes nem a traz. Sentimos que o belo não é eterno, que a justiça não é transversal. Que o mundo não é equilibrado. Que andamos nas nuvens para ter saudades da lama, que saímos do sujo, como as flores que dele nascem. Que o sol não brilha sempre. Que choramos, sim, choramos. “Porque os vidros dos olhos têm de ser lavados de vez em quando para se ver melhor”. Compreendemos que somos todos peças de uma mesma engrenagem e que só em comunidade, querendo o bem comum, conseguiremos concretizar os sonhos mais bonitos.  Não é fácil ser um ser humano. “Que mundo estranho!”

“Sonho”, de August Strindberg
De 28 de Julho a 21 de Agosto
Museu Arqueológico do Carmo
Lisboa

Texto AUGUST STRINDBERG Título original ETT DROMSPEL (1901) Tradução CRISTINA REIS, LUÍS MIGUEL CINTRA, e MELANIE MEDERLIND Encenação ANTÓNIO PIRES Com ALEXANDRA SARGENTO, CAROLINA CAMPANELA, CAROLINA SERRÃO, CASSIANO CARNEIRO, CATARINA VICENTE, FRANCISCO VISTAS, HUGO MESTRE AMARO, JAIME BAETA, JOÃO BARBOSA, JOÃO SÁ NOGUEIRA, LUÍS LIMA BARRETO e MÁRIO SOUSA Voz CLÁUDIO DA SILVA Cenografia JOÃO MENDES RIBEIRO Figurinos LUÍS MESQUITA Música MIGUEL SÁ PESSOA Luz JOÃO BOTELHO Iluminação RUI SEABRA Desenho de Som PAULO ABELHO Movimento PAULA CARETO Assistente de Encenação MIGUEL BARTOLOMEU Caracterização IVAN COLETTI Construção Cenário FÁBIO PAULO Costureira ROSÁRIO BALBI Assistente de figurinos CATARINA VICENTE, EMA FALCÃO Assistente de Iluminação ZECA CAMACHO Assistente de som ANTÓNIO OLIVEIRA Direcção de Cena JOÃO VELOSO e MIGUEL BARTOLOMEU Legendagem AFONSO LUZ Ilustração JOANA VILLAVERDE Fotografia de Cena MIGUEL BARTOLOMEU Spot Tv TIAGO INUIT Produção Executiva IVAN COLLETI Administração de Produção ANA BORDALO Comunicação MARIA JOÃO MOURA Produtor ALEXANDRE OLIVEIRA Produção AR DE FILMES / TEATRO DO BAIRRO

Agradecimentos: Museu Arqueológico do Carmo, EDP, José Arnaut, Célia Pereira, Fernando Rebelo

Foto de Miguel Bartolomeu

A Competição Nacional da edição 2021 é uma verdadeira viagem pelo cinema contemporâneo português, cruza analógico e digital, espaço urbano e espaço rural, retrato social e evocação da memória, espaços e tradições. O certame integrou 17 curtas, algumas das quais mais experimentais e de realizadores estreantes, mas também filmes de realizadores mais experientes, contando com atores conhecidos do grande público.

Na competição nacional incluem-se os trabalhos de Ana Moreira “Cassandra Bitter Tongue”, Ico Costa “Timkat”, Leonor Noivo, “Madrugada”, Eduardo Brito, “Lethes”, Paulo Patrício, “O teu nome é”, Paolo Marinou-Blanco “Nada nas mãos”, Filipe Melo “O Lobo Solitário”, Inês Melo, “A Casa do Norte”, Francisco Moura Relvas, “Armazónia”, António-Pedro, “Carta Branca”, Rosa Vale Cardoso, “Se o que oiço é silêncio”, Ana Mariz, “Matilde olha para trás”, Rodrigo Braz Teixeira, “Miraflores”, José Magro, “Nha Sunhu”, Bruno Lourenço, “Oso”, Mónica Martins Nunes, “Sortes” e Mário Macedo, “Terceiro Turno”.

Arrecadou o prémio de melhor filme da Competição Nacional desta edição 2021 a curta de Leonor Noivo, “Madrugada”, o Prémio do Público Cannon foi para a curta “O lobo solitário”, de Filipe Melo, protagonizada pelo experiente ator Adriano Luz e na categoria de melhor realizador português, o prémio foi atribuído a Mário Macedo, pela curta “Terceiro Turno”.

O registo experimental da curta documental “A casa do Norte”, de 2021, de Inês Melo, a partir dos plantas e pássaros conta a história de uma família do Norte passada numa casa em Geraz do Lima, no concelho de Viana do Castelo integra o certame. Também “Carta Branca”, de António Pedro conta, em modo desalinhado, histórias de Alcanena.

Ana Moreira, cujo trabalho de atriz conhecemos de vários trabalhos de Teresa Vilaverde como “Mutantes”, realizou “Cassandra Bitter Tongue”, a partir de um texto da poetisa Cláudia Lucas Chéu, um texto provocador acompanhado pela consistente interpretação de Iris Cayatte. A co-produção é da RTP.

A pretensa crítica política da curta de Francisco Moura Relves, com produção da Filmesdamente,  com  interpretações de Roberto Santos, Victor Santos e Nuno Rocha, “Armazónia”, que alerta para o premente problema da destruição da Amazónia e os perigos da governação de Jair Bolsonaro, é comprometida pelas fragilidades do argumento. Na abordagem sarcástica da curta ressalta algum simplismo e vulgaridade subalternizando a mensagem.

A realizadora Rosa Vale Cardoso estreou-se no festival com “Se o que oiço é silêncio”, uma co-produção Portugal-Grécia que explora com especial sensibilidade a dimensão do silêncio e da linguagem não verbal nas relações interpessoais. O contraste entre as belíssimas paisagens de uma ilha grega e o silêncio incómodo entre mãe e filha, acompanhada pelo seu amigo Spiro, ao longo de uma viagem é o pretexto para se penetrar na esfera da intimidade. A curta que conta com uma interpretação sólida, sobretudo da atriz Antigone Kouloukakos, retrata de forma certeira e com subtileza o resgate gradual da cumplicidade sem que as palavras sejam necessárias.

“Lethes” de Eduardo Brito, produzida por Rodrigo Areias e Ricardo Freitas – BANDO À PARTE, faz uma proposta mais audaz do que parece à primeira vista. A excelente fotografia da curta faz-nos desfrutar da beleza bucólica de uma casa na montanha onde é desenvolvida a rotina de cuidado de uma avó por parte da neta. O filme faz um retrato de solidão que parece pretender culminar com uma reflexão sobre o direito a morrer com dignidade. Os planos do filme acompanham-nos através de um enigma com delicadeza. Aguarda-se com interesse e curiosidade por novos trabalhos do vimaranense Eduardo Brito, professor, escritor e cineasta que já tem vindo a apresentar outros trabalhos.

Filipe Melo venceu o prémio do público com o filme “O Lobo Solitário”, do qual foi realizador e argumentista. A curta-metragem conta, como atores principais, com Adriano Luz, António Fonseca e Maria João Pinho, a direção de arte coube a Juan Cavia, a direção de fotografia a Vasco Viana, a edição a Gabriela Soares e o som a Bruno Garcez e Dillon Bennett. A música original é também de Filipe Melo e do conhecido músico The Legendary Tigerman. Adriano Luz interpreta um locutor de rádio que, em direto, conversa com um antigo amigo que faz declarações desconcertantes. Uma curta marcante. A forma como o espectador é rapidamente capturado pela história, por uma espécie de terror psicológico garantido pela interpretação exemplar de Adriano Luz, explicam este prémio.

Mário Macedo ganhou o prémio de realização com a curta “Terceiro Turno”. Agostinho reside em Joane, uma pequena vila do norte de Portugal, quando sofre um ataque epilético à saída do turno da noite da fábrica onde trabalha. A personagem que vivenciou uma situação que lhe gera inquietação não encontra compreensão junto da família que parece alheada da sua realidade. Agostinho fecha-se na sua melancolia e na sua crise adolescente enquanto procura escape no consumo de drogas, na companhia da namorada, em vias de ingressar na universidade e de mudar de vida, nos amigos desorientados com a passagem para a idade adulta. A inteligência do argumento reside nessa construção de um retrato social a partir de um episódio que faz exacerbar a condição de vulnerabilidade do protagonista. O quadro social rigoroso da imprevisibilidade da vida e do impacto das mudanças e fragilidades identificadas na juventude, sobretudo quando somadas à falta de oportunidades, anteveem o potencial de uma futura longa-metragem a cargo deste realizador. Aguardam-se novos projetos.

“Matilde olha para trás”, de Ana Mariz, faz o retrato de uma criança que foge do espaço rural, onde se encontra com mais adultos e não tem com quem brincar, para um lugar imaginário. A maquilhagem, as unhas pintadas e as roupas que usa chamam-nos a atenção desde o primeiro segundo. A tentativa de observar a desorientação da infância sob a perspectiva de uma criança fascinada com a idade adulta parecem perder-se um pouco na incredulidade de alguns comportamentos de Matilde. Ainda assim, é interessante o esforço de explorar a perceção da solidão sob a lente de uma criança.

“Miraflores”, a primeira e promissora curta de Rodrigo Braz Teixeira, conta a história do bairro Miraflores, situado nos subúrbios de Lisboa, cruzando as histórias dos adolescentes aí residentes e explorando as suas experiências quotidianas. Uma comédia poética marcada pelos afetos e pelo contraste entre a dimensão anónima das grandes cidades e a identidade da sua gente. Uma das boas surpresas da competição.

“Nada nas mãos” é uma comédia de humor negro que retrata a história de Caetano Reconcavinho, trabalhador de uma agência funerária que enfrenta uma depressão desde a morte acidental da mulher a tirar uma ‘selfie’ e se desdobra entre estratégias de suicídio, pesquisas sobre potenciais sequelas de um suicídio frustrado e conversas com um cadáver. Iniciada ao som da música de Mahalia Jackson “I’m on my way”, a curta adota uma abordagem cómica do medo da felicidade.  Paolo Marinou-Blanco, em estreia no Curtas, aborda a problemática da solidão com um humor sagaz. As interpretações dos experientes Dinarte Branco e António Durães garantem uma boa experiência cinematográfica.

Um dos documentários mais interessantes da competição fica a cargo de José Magro que opta por dar ao espectador alguma informação sobre o processo de construção da curta como se a quisesse dotar de uma veracidade que a enriquece aos olhos de quem a vê. A entrevista a Issa, futebolista bissau-guineense, jogador de futebol em Portugal, contactado pelos dois produtores de cinema, José Niza Ribeiro e José Magro, com o objetivo de saberem mais sobre o seu percurso é feita de silêncios e de um testemunho genuíno sobre uma realidade que poucas vezes vemos no grande écran. Em minutos vemos desfeito o sonho de um futuro atleta que abandona o seu país, junto com a família, na esperança de integrar um clube e ser bem-sucedido, mas que continua fiel à sua paixão: o futebol. “Nha Sunhu” levanta o véu do mundo do futebol e das más condições laborais de muitos dos seus jogadores, tantas vezes enganados pelos empresários. Nha Sunhu, “meu sonho” em crioulo, é mais uma das boas surpresas da competição.

Paulo Patrício, ilustrador e experiente realizador de cinema de animação – premiado por “Surpresa”, que ganhou os Prémio do Público no Curtas Vila do Conde de 2017 e no Monstra de 2018, em Espanha com o prémio “Mikeldi de Prata” do Festival Internacional de Cinema Documental e Curta-Metragem de Bilbau e foi selecionada para o Festival de Cinema de Tribeca dos EUA é autor do argumento e realizador da curta de animação – traz a curta “O teu nome é”. O filmefoiproduzido por Serge Kestemont, LUNA BLUE FILM, Thierry Zamparutti, AMBIANCES ASBL e Vanessa Ventura, Nuno Amorim, Animais AVPL, que propõe uma abordagem sobre o mediático e chocante caso de Gisberta Salce Jr., transexual, seropositiva e toxicodepente, vítima de maus-tratos por um grupo de 14 de adolescentes que lhe vieram a provocar a morte em 2006. A curta parte de testemunhos de dois dos jovens envolvidos e de amigas transexuais de Gisberta. Uma excelente curta, bem construída, que aborda com notável crueza e honestidade intelectual, os problemas da discriminação, da exclusão social. A reconstrução dos factos a partir das memórias e da perceção da realidade por parte de um dos interlocutores conferem uma verosimilhança rara neste tipo de trabalho. O filme coloca o espectador a refletir sobre as consequências da pobreza e da necessidade de aceitação pelos pares em contexto de segregação, desigualdade e de falta de oportunidades. Imperdível esta belíssima animação a 2D, feita de desenhos à mão, a preto e branco. Uma das melhores curtas do certame cuja qualidade foi justamente premiada. A curta venceu a competição My Generation, prémio atribuído com base na melhor média resultante das votações do público nas sessões no Curtas e nas escolas secundárias.

“OSO”, de Bruno Lourenço, pode ser descrito como um relato cómico da ruralidade. Um urso interrompe a tranquilidade de uma vila. A reação dos locais, mas também da vigilante da natureza, uma personagem que nos dá um olhar feminino – mas desprovido de julgamentos sumários e consciente do seu contexto –  de um meio onde as mulheres assumem lugares mais invisibilizados, é um verdadeiro exercício sociológico.

“Timkat”, curta dirigida por Ico Costa, é um documentário de 13 minutos sobre uma celebração religiosa comemorativa do batismo de Jesus Cristo no rio Jordão, interpretada pelos seus seguidores como uma iniciação ao cristianismo. A curta opta pelo analógico e por um registo contemplativo.

“SORTES” a segunda curta desta artista visual, cruza a poesia popular e a vivência da comunidade da serra de Serpa, no Baixo Alentejo. A incerteza da produção agrícola, muito dependente das condições climatéricas, condiciona as vivências dos locais, que constroem com a natureza uma relação de dependência baseada na necessidade de sobrevivência, mas também de afeto. A poesia dos poetas populares que leem os seus poemas – retratos de alegrias e angústias e da perceção das potencialidades e limites da sua condição social – dotam esta curta de uma dimensão onírica. Uma boa surpresa do festival.

A Competição Nacional de curtas de Vila do Conde sinaliza a importância deste festival para o cinema português e a mostrar que é, de facto, uma paragem obrigatória para cinéfilos, mas também para curiosos à procura de experienciar a sétima arte em doses suaves.

A convite do Museu de Lisboa, André Murraças aí apresenta Antígona, uma tragédia sofocliana do século V a.C. que reflecte sobre o poder das leis divinas e das leis estatais sobre a vontade do Homem, versa sobre a condição feminina, moraliza sobre a tirania e a liberdade, e concede alguns exemplos sobre o que é ser cidadão do Estado.

A encenação de Murraças é conforme o espaço a a programação que ocupa: numa versão bem atalhada, simplificada e comprimida do texto, o encenador foca-se na tragédia de modo concentrado, num exercício cénico que é uma aula de Teatro Clássico com a duração de uma hora.

O elenco escolhido é composto por Cláudio de Castro, João Duarte Costa, Leonardo Proganó, Vítor Alves da Silva e Vítor Silva Costa, que interpretam todas as personagens, inclusivamente as femininas. O prólogo deste espectáculo esclarece tal opção de interpretação, assim como contextualiza e familiariza o público com a prática de Teatro da Antiguidade Clássica. Num momento pedagógico, informativo e elucidativo o elenco apresenta-se e explica que no tempo da peça que vão apresentar as mulheres estavam interditas de representar nos teatros, pelo que tanto as personagens femininas como masculinas eram interpretadas por homens. Esclarecem que não existia a figura do encenador, mas antes a do didaskalos (em grego, professor ou instrutor), que era um actor mais experiente que estava responsável por encenar cada espectáculo, e ensinam que o acto de ir ao teatro fazia a parte de um culto religioso de homenagem aos deuses e que, por isso, ali estávamos como exemplo de quem vai a uma missa. O momento parece demasiado didático, mas o que é facto é que estes elementos servem de âncoras para um público que não é assim tão familiarizado com as tragédias gregas e romanas, pejadas de nomes e personagens distantes e de narrativas semidivinas de uma cultura que nos é longínqua. E o tom pedagógico mantém-se, como lugar seguro, sempre que no desenvolver da acção se esclarece, como um aparte, quem é o Deus X ou a personagem Y que em cena tem interferência.

A tragédia tem como cenário natural as próprias ruínas do teatro romano, é entre as pedras antigas que poucos adereços, cadeiras e figurinos, partilhados e manipulados pelos actores, transformam o elenco em figuras de época. A abordagem não é épica, mas é historicista, seguindo, depois do prólogo expositivo, uma via de interpretação que explica a narrativa trágica sem grandes artifícios, mas com opções funcionais e eficazes. Assim, o espectáculo tem uma dramaturgia que se rege por uma lição, uma aula sobre Antígona, sobre as consequências de determinadas escolhas e os resultados que a morte da heroína teve no cargo de poder de Creonte.

Nas interpretações destaca-se a performance de João Duarte Costa, cuja personagem do Coro transmite uma intemporalidade e uma ataraxia que se traduz no elemento cómico inesperado da tragédia de Sófocles e do espectáculo de Murraças.  De facto, a figura do Coro é a mais frequente na dramaturgia clássica: o que a interpretação deste actor pratica em cena revela um pensamento dramatúrgico cuidado em que demonstra que esta personagem pode ser a mesma em todas as tragédias, pelo que já não se perturba ou surpreende com qualquer acontecimento anunciado pelo Mensageiro. Num tom blasé, pautado pelo sarcasmo e ironia, as suas intervenções são reveladoras dos clichés existentes dentro das narrativas trágicas, ao mesmo tempo que torna mais terrenos os momentos de elevação das personagens nobres de Antígona.

O calcanhar de Aquiles deste espectáculo prende-se com momentos de introdução de excertos de textos de Federico Garcia Lorca, Judith Teixeira e Johan Olof Wallin (no momento em que se vela Polinices morto; durante o encontro de Antígona e Hémon no cárcere…) que são pouco ou nada sustentados pela dramaturgia que ali se desenha, fragilizando o exercício cénico pela ausência de eco que tais momentos produzem em cena.  Existe também alguma confusão no código de figurino, que nem sempre esclarece sobre a personagem que está a ser interpretada por cada actor.

Distingue-se o ritmo do espectáculo e a sua relação de proximidade com o público, uma encenação simples, mas eficaz, que se desenvolve por via de um trabalho de actores virtuosos, que transformam a pedagogia em teatro, e vice-versa.

30 de Julho de 2021, Teatro Romano/Museu de Lisboa.

Texto: Sófocles. Encenação, dramaturgia, cenografia e figurinos: André Murraças. Interpretação: Cláudio de Castro, João Duarte Costa, Leonardo Proganó, Vítor Alves da Silva e Vítor Silva Costa. Costureira: Alda Cabrita. Produtora: Diana Almeida. Produção: Teatro do Vão d’Escada. Um espectáculo Um Marido Ideal.

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Manifestando uma leitura metateatral da obra, a encenadora utiliza o próprio espaço teatral (entenda-se, plateias, bancadas, portas e corredores do Teatro São Luiz) para dar a ver ao público a mansão d’O Cerejal. Neste espectáculo, o protagonista é a memória e o espaço que esta ocupa, e é por via da memória que se desvenda em cena um discurso meta. Cucha Carvalheiro, ou Firss, o guardião do Cerejal, personifica a questão do tempo e das experiências partilhadas entre as paredes do Teatro e as linhas d’O Cerejal. Actores e espectadores, sentados no palco, ouvem a introdução da actriz que partilha as suas vivências pessoais como artista naquela casa, e inicia a intriga tchekhoviana a partir da leitura da peça.

Aquele que parece um dispositivo simples e funcional, sem outro artifício para além da interpretação dos actores sentados em cadeiras, ganha a sua verdadeira dimensão quando as cortinas do palco se elevam e deixam a descoberto o pátio das memórias – dos actores e do público. Desvenda-se, à frente, a plateia. Para quem assististe, está-se perante o abismo do lugar vazio no teatro, que se traduz no lugar vazio para onde caminha a mansão do cerejal neste espectáculo. As fileiras de cadeiras desocupadas tornam-se no espaço de cena, e é ali, na plateia, que as personagens celebram o fim derradeiro da sua casa de infância. Vestidas de branco, todas as personagens amortalham as suas histórias de amor e as suas recordações, transformam em espectros os corpos vivos e quase tornam reais os lendários fantasmas do Teatro São Luiz (consta que ali habitam alguns).

A música, da autoria de Sérgio Delgado, e a luz, de Rui Monteiro, apresentam os estados de alma das personagens – ora por confirmação ora por contradição. A comunicação paradoxal da música e da iluminação traduzem a imaterialidade das dimensões da memória e determinam as cenas mais fortes deste exercício cénico, levando as interpretações a exorcizar os desgostos, perdas e tristezas destas personagens. O ambiente é de festa, mas o mote é trágico: está iminente a venda do cerejal e o diluir de todas as relações laborais, emocionais e amorosas que representam a vida e a existência daquela propriedade.

É primoroso o cuidado, esclarecimento e protagonismo que este espectáculo concede às narrativas satélite da peça de Tchékhov, tronando o amor entre Iacha e Duniacha, a paixoneta de Trofímov por Ánia ou a loucura da perceptora Charlotta Ivánovna tão necessários como a inconsequência de Andréevna, a ingenuidade de Leonid Andréevitch Gáev ou a obstinação de Lopákhin. A diversidade do elenco, e a sua qualidade interpretativa convocam, sem desequilíbrios e com um vigor constante, um trabalho coral eficaz e belo de se ver. Um carnaval fúnebre celebra-se em torno desta peça, que enriquece o texto e o desvenda, por via da perícia da encenação, direcção de actores e uma leitura muito preciosa da obra.

Este espectáculo, que estreou em Janeiro 2021 e apresentou poucas récitas antes do confinamento geral (quando viu interrompida a sua carreira de apresentações) vive do pulsar de uma inquietação e incertezas dos tempos que se vivem. Se o seu calcanhar de Aquiles se prende com uma dramaturgia que aflora os sentimentos gerais da certeza do fim das coisas e da incerteza do futuro, sem se aproximar referencialmente a nenhum assunto em particular, este é também o seu aspecto mais virtuoso: conseguir concretizar a universalidade temática que reside nesta obra sem afunilar ou generalizar demasiado o que aí encontra em debate.

Em O Cerejal descobre-se sempre novidade para além da sua matéria teatral. Contudo, de que forma se pode encenar, sem ser demasiado lato, a especificidade dos nossos dias? Qual a pertinência e o interesse em encenar este texto para além do interesse de reportório? E, no entanto, terá de facto de haver uma dramaturgia que o justifique para além do seu interesse teatral? Já não nos basta o que é “simplesmente” teatro, as dinâmicas que lhe são próprias, do seu universo particular, sem essa ansiedade de comunicar com o é exterior a si, para além de contar histórias ao seu público? Parafraseando Georges Banu em “O Cerejal e o desafio da encenação”, de que modo a nossa época se espelha em O Cerejal – é o desafio a enfrentar quando se recusa a simples constatação relativa à sociedade russa em 1900 e quando se evita os desvarios duma actualização demasiado explícita.

Entre Gricha, a criança morta, e Firss, o criado esquecido, este é um espectáculo que ensaia e reflete sobre a melhor maneira de acabar um discurso, um tempo e um teatro que se tem como testamentário. E para isto louva-se, honra-se e celebra-se o seu fim, na perspectiva do surgimento de um novo ciclo e novos começos.

25 de Julho de 2021, Sala Luis Miguel Cintra, Teatro Municipal São Luiz

Encenação e Concepção Plástica: Sandra Faleiro. Assistência de Encenação: Alice Medeiros. Interpretação: Ana Valentim, Cristina Carvalhal, Cucha Carvalheiro, Inês Castro Dias, Joana Campelo, José Leite, Nuno Nunes, Paulo Pinto, Pedro Lacerda, Vítor d’Andrade e Sandra Faleiro. Desenho de Luz: Rui Monteiro. Sonoplastia: Sérgio Delgado. Produção Executiva: Sofia Bernardo. Co-Produção: Causas Comuns e São Luiz Teatro Municipal// A Causas Comuns é uma estrutura financiada pelo Governo de Portugal – Ministério da Cultura/ Direcção-Geral das Artes// O Teatro São Luíz/EGEAC é o parceiro no Projecto Europeu Inclusive Theater(s).

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Com dramaturgia a cargo da ensaísta Maria Filomena Molder, interpretação do ator Miguel Loureiro e encenação de Carlos Pimenta, a peça tem como desafio narrar esta história no formato ‘incómodo’ do teatro invisível.

Para a filósofa Maria Filomena Molder: “Nem clássico nem romântico, Kleist é o primeiro moderno entre os poetas alemães.” Um poeta, que terá sido «renegado por Goethe e Hegel», mas identificado como «um dos autores prediletos de Kafka», conta aqui uma história romântica, passada na época medieval, sobre um triângulo amoroso em que a justiça, impiedosa, é feita através de um duelo. Neste exercício decrépito da defesa da honra, Deus é apenas um profeta do acaso e a lei está na ponta da espada. Como seria de antever a justiça é só uma miragem.

Conforme explica o encenador que, junto com João Pedro Fonseca, também assegura a cenografia da peça «é um ator com as palavras do Kleist, com as palavras de Maria Filomena Molder, com um palco, com um cenário que, no fundo, são imagens, para que ele tenha prazer e para que todos esses aspetos não compliquem aquilo que ele tem de descomplicar que é o seu acting, que é isso que é importante».

As imagens, projetadas num palco quase despido, cedo fazem perceber que é em Miguel Loureiro, única voz das várias vozes que integram esta novela, que se tem de centrar toda atenção. O objetivo parece claro e simples: que se ouça a história que se quer contar. O ator, sozinho em cena, descreve e encarna personagens, sentimentos e ações. A grande dificuldade para o espectador não é apenas deslindar o crime em que o principal suspeito tem como alibi o alegado encontro com Wittib Littegarde von Auerstein na noite do crime, mas estabelecer ligação com as personagens. Existe, de facto, apesar da experiência e entrega de Miguel Loureiro, uma barreira entre este teatro invisível e personagens que não podem interagir em cena e da qual se pode sentir falta. O final parece precipitar-se enquanto tentamos agarrar as personagens e compreender o verdadeiro alcance deste confronto entre a justiça divina e a justiça terrena que é o busílis do texto rico de Kleist que dá mote ao espetáculo.