La premisa de Kravitz es un caramelo envenenado. Slater King (Tatum), un magnate tecnológico forrado de millones, invita a su nueva conquista, Frida, y a su pandilla de amigos a unas idílicas vacaciones en su isla privada. Lo que sobre el papel es una escapada de ensueño no tarda en convertirse en una ratonera cuando descubren que han caído en las redes de un anfitrión perturbador y con una agenda muy oscura. En este papel, Tatum explora una faceta calculadora y maquiavélica, despojándose por completo de ese carisma bonachón que suele derrochar y dejando al espectador con muy mal cuerpo.
Kravitz, que también firma el guion junto a E.T. Feigenbaum —lo que le suma un punto extra de autenticidad a la obra—, maneja las dinámicas del grupo soltando extrañas exigencias y giros macabros que prometen mantener al público al borde de la butaca. El reparto de esta pesadilla paradisíaca tampoco se queda corto. Naomi Ackie, que ya despuntó encarnando a Whitney Houston en su biopic, consolida aquí su reputación como una de las actrices más prometedoras de su generación. Y ojo al resto del elenco que arropa el proyecto: Alia Shawkat (Green Room), Simon Rex (el mítico de Scary Movie), Adria Arjona (Morbius) y Haley Joel Osment, el niño de El sexto sentido, que ya peina canas. Si la jugada le sale redonda, Kravitz se posiciona con este proyecto como una directora a la que habrá que seguirle la pista muy de cerca.
Curiosamente, esa frescura, riesgo y tensión que transpira la cinta de Kravitz es exactamente lo que brilla por su ausencia en el otro gran título de misterio del momento: Enola Holmes 3 (2026). Si nadie ha prestado demasiada atención a los nombres detrás de las cámaras de esta saga de Netflix, tampoco pasa nada; no es que estemos hablando de los grandes tótems del cine moderno. Sin embargo, en esta tercera entrega el bajón es clamoroso. Phillip Barantini coge las riendas de la dirección y nos cuela un pasatiempo descafeinado y plano. La película funciona como una trama secundaria estirada hasta el bostezo, centrada casi exclusivamente en una boda, donde el misterio parece haberse metido con calzador por puro trámite contractual. En lugar de currarse un suspense que te estruje las neuronas, el metraje se infla a base de pasear a los personajes de entregas anteriores.
La cosa arranca con la joven detective (Millie Bobby Brown) afirmando con todo el morro, a través de la voz en off, que todas las buenas películas empiezan o acaban con una boda. Una sobrada tremenda que ignora la inmensa cantidad de peliculones que no tienen nada que ver con pasar por el altar, y una declaración de intenciones que la propia cinta es incapaz de sostener con un mínimo de calidad. De hecho, gran parte del espectacular elenco —que cuenta con nombres como Himesh Patel, Sharon Duncan-Brewster, Helena Bonham Carter, Susan Wokoma, Jason Watkins y Peter Winfield— da la sensación de haber fichado solo para rellenar la cuota, asomando la cabeza de forma esporádica para luego ser apartados sin venir a cuento.
Nuestra protagonista, que a estas alturas ya mira de tú a tú a su hermano Sherlock en lo que a dotes detectivescas se refiere (un Henry Cavill que chupa tan poca cámara que huele a kilómetros a problemas de agenda), anda ahora más centrada en ayudar a los desfavorecidos y en poner el foco en los problemas sociales que en codearse con la alta alcurnia. Y, como es lógico teniendo en cuenta los asfixiantes roles de género de la época victoriana, a Enola le entran los sudores fríos ante la perspectiva de casarse en Malta con su novio, el aristócrata Tewkesbury (Louis Partridge). Perder su independencia y su propia agencia de detectives no le hace ninguna gracia, hasta el punto de plantearse dejarlo plantado.
En medio de esta crisis prenupcial, estalla el conflicto: secuestran a Sherlock en Malta y algunos de los turbios invitados empiezan a desaparecer o acaban criando malvas. Pero ni con esas la película coge ritmo o sustancia. Lo poco que tiene algo de chicha real es la trama de un lugareño maltés, Mikiel Mizzi (Joe Azzopardi), que está más que harto de que los estirados británicos campen a sus anchas imponiendo su ley. Lamentablemente, los guionistas deciden ningunear esta subtrama y convierten al personaje en un chiste sin gracia, limitando su actuación a repetir su nombre una y otra vez a modo de remate cómico. Esta forma de despachar las tensiones sociales de la isla resulta, cuanto menos, insultante.
En el terreno del whodunit, la cosa hace aguas por todos lados. Si estás mínimamente atento durante la secuencia inicial o, simplemente, le echas un ojo a la lista del reparto, te hueles los supuestos giros sorpresa a la legua. Y eso, en una película de detectives, es un delito castigado con pena de cárcel. La cinta se conforma con ser una especie de álbum de cromos repetidos, tirando a la cara del espectador a los personajes de las dos primeras películas con la esperanza de que la nostalgia enmascare la falta de ideas. Si tu único plan es ponerte la película de fondo para ver a esta gente interactuar de nuevo alrededor de una boda que igual ni llega a celebrarse, quizá te haga el apaño, porque las actuaciones siguen dando la talla. Pero el ingenio y la chispa que hicieron de las primeras aventuras de Enola una agradable sorpresa dentro del olvidable océano del streaming, aquí se han esfumado por completo.
]]>Ahí es donde entra en juego un Hugh Grant desatado. El actor se marca un papelón interpretando al excéntrico villano Phoenix Buchanan, derrochando un sentido del humor que él mismo ha llegado a calificar como uno de los mejores curros de su carrera. Y es que la película no se queda en el chiste fácil; tiene un guion finísimo que aprovecha la comedia familiar para rascar en temas de más calado como la injusticia o el valor inquebrantable de la lealtad, todo aderezado con unos efectos visuales que integran al protagonista en el mundo real con un nivel de detalle pasmoso. No es de extrañar que la crítica se rindiera a sus pies en su día. La revista Empire lo resumió a la perfección: “Una auténtica maravilla. Tan dulce y aguda como la mermelada”. Es, sin duda, un clásico contemporáneo imprescindible que nos va abriendo el apetito para la ya anunciada tercera entrega, Paddington: Aventura en la selva, que sumará al reparto a Antonio Banderas.
Y ya que estamos inmersos en suelo inglés, misterios por resolver y planes familiares, Netflix nos suelta su próximo bombazo casi sin dejarnos respirar. Si os va el rollo detectivesco, preparaos porque Enola Holmes 3 aterriza en la plataforma mañana mismo, este miércoles 1 de julio de 2026. Millie Bobby Brown vuelve a meterse en la piel de la hermana pequeña de Sherlock, dejando claro que de novata no tiene un pelo y que es tan espabilada como su archiconocido hermano.
En esta ocasión, bajo la batuta del director Philip Barantini y con guion de Jack Thorne (que repite tras adaptar las dos primeras películas basadas en los libros de Nancy Springer), pillamos a Enola a punto de pasar por el altar con el apuesto Lord Tewkesbury, interpretado por Louis Partridge. Que sí, que lo de ser una aristócrata formal y comedida no le hace maldita la gracia, pero al chico lo quiere de verdad. El problema es que el bodorrio se frena en seco cuando Sherlock (un imponente Henry Cavill) desaparece del mapa sin dejar rastro. Toca hacer equipo con su prometido y con la nueva incorporación estrella de la saga, el mismísimo Dr. Watson (Himesh Patel), para destapar quién narices ha secuestrado al detective más famoso del mundo. Regresan también pesos pesados como Helena Bonham Carter, Sharon Duncan-Brewster y Susan Wokoma, prometiendo la misma acción cañera de siempre pero metiéndole una marcha más al romance.
Ojo, que esto es importante si andáis despistados: la película no va a pisar las salas de cine. La única manera de verla es pasando por el aro de la suscripción de Netflix. Tienen planes para todos los bolsillos, arrancando desde la opción estándar con anuncios por 7,99 dólares al mes, hasta el plan ilimitado sin publicidad en calidad 4K UHD que se va a los 24,99 dólares.
Para los ansiosos que cuentan las horas, el grifo del estreno se abre exactamente a las 12 a.m. hora del Pacífico, lo que viene a ser las 3 a.m. en la costa Este de Estados Unidos. Vamos, que si os pilla en la costa Oeste, podéis darle al play esta misma madrugada del martes al miércoles en cuanto den las doce. Si el reloj marca la medianoche y la peli no asoma por la pantalla, no entréis en pánico: refrescad la página o cerrad la sesión y volved a entrar. O qué demonios, iros a dormir. Enola y Tewkesbury no se van a fugar a ninguna parte y os estarán esperando por la mañana con el misterio intacto.
]]>Apunten la fecha: 21 de junio. Ese día aterriza la nueva temporada del buque insignia de la casa, la serie dramática House of the Dragon. Serán ocho episodios, a ritmo de uno por semana, para seguir escarbando en los tejemanejes políticos de la Casa Targaryen dos siglos antes de que a nadie se le ocurriera pelear por el Trono de Hierro.
La adaptación de “Fuego y Sangre” de George R.R. Martin vuelve a tirar de un reparto coral que es casi un censo de actores británicos. Repiten al frente Matt Smith, Emma D’Arcy, Olivia Cooke y Rhys Ifans, pero es que la lista de secundarios es de traca: Fabien Frankel, Ewan Mitchell, Tom Glynn-Carney, Sonoya Mizuno, Harry Collett, Bethany Antonia, Phoebe Campbell, Phia Saban, Jefferson Hall y Matthew Needham. Por si fuera poco, se suman caras como James Norton, Tom Bennett, Kieran Bew, Kurt Egyiawan, Freddie Fox, Clinton Liberty, Gayle Rankin, Abubakar Salim, Tom Cullen, Tommy Flanagan, Dan Fogler, Joplin Sibtain y Barry Sloane. Un despliegue monumental para mantener el listón por las nubes.
La historia detrás de Life, Larry, and the Pursuit of Unhappiness es, cuanto menos, surrealista. Resulta que Barack y Michelle Obama andaban buscando la manera perfecta de conmemorar el 250 aniversario de Estados Unidos, rindiendo homenaje a la historia de la nación con la solemnidad que suele caracterizarles. Y entonces sonó el teléfono. Era Larry David.
Ni qué decir tiene que el proyecto dio un giro de 180 grados. David no solo protagoniza esta nueva comedia original, sino que se ha traído a buena parte de la pandilla de actores de Curb Your Enthusiasm y a un puñado de estrellas invitadas que prometen dar bastante juego. El guion y la producción ejecutiva corren a cargo del propio David junto a su cómplice habitual, Jeff Schaffer, que también asume la dirección. Y sí, por increíble que parezca, los Obama figuran como productores ejecutivos a través de su sello Higher Ground, escudados por Ethan Lewis y Vinnie Malhotra.
Los amantes del cine independiente tienen una cita obligada el 19 de junio, fecha en la que How to Make a Killing llega en exclusiva al catálogo de streaming estadounidense, asomando por el canal lineal de HBO al día siguiente.
En esta cinta escrita y dirigida por John Patton Ford, vemos a un Glen Powell en modo currito de clase obrera interpretando a Becket Redfellow, un tipo repudiado al nacer por su asquerosamente rica familia. La premisa es sencilla pero resultona: Becket está dispuesto a recuperar su herencia caiga quien caiga, sin importar cuántos parientes se le crucen por el camino. Le cubren las espaldas en pantalla Margaret Qualley, Jessica Henwick, Bill Camp, Zach Woods, Topher Grace y Ed Harris. Todo esto bajo la producción de Graham Broadbent y Peter Czernin.
Para los que prefieren la no ficción, el mes viene surtido. Además de títulos de peso como Earth, Wind & Fire (To Be Celestial Vs. That’s the Weight of the World), The Welcome Table o el repaso a la mítica figura del cable en Bang My Box: The Robin Byrd Story, el verdadero puñetazo en el estómago lo da Bring Me the Beauties: A Model Cult.
Esta docuserie original de tres entregas, que arranca el 1 de junio, escarba en la historia de Hoyt Richards. Con apenas 16 años, este chaval tuvo la mala suerte de cruzarse en una playa de Nantucket con un enigmático personaje de la jet set de Manhattan. Así fue como acabó absorbido por Eternal Values, un grupo con dinámicas de secta, justo antes de pegar el pelotazo y convertirse en uno de los primeros supermodelos masculinos de los años 80. La serie desmenuza cómo el carismático líder de la organización, Frederick von Mierers, se aprovechó del desmadre y el glamour del Nueva York de la época para atrapar a jóvenes modelos en una telaraña de explotación y mentiras, todo bien aderezado con un cóctel New Age de supuestas enseñanzas metafísicas.
Aprovechando que en Estados Unidos se avecina el fin de semana largo del Memorial Day, las plataformas se han puesto las pilas y no está de más echar un ojo a lo que se cuece más allá de la órbita de Warner. Si tienes el cuerpo para algo retorcido y te apetece montarte una sesión doble casera, The Bride! ya asoma por HBO Max. Esta joya nos deja ver a una Jessie Buckley totalmente desatada dándole una vuelta de tuerca bastante salvaje al mito de “La novia de Frankenstein”.
]]>Esa misma versatilidad estalla en ¡Olvídate de mí! (título con el que se conoció en España a Eterno resplandor de una mente sin recuerdos). El actor canadiense se despoja de cualquier rastro de comicidad para meterse en la piel de Joel Barish. Es un viaje crudo por la desesperación de una ruptura sentimental, donde la fragilidad de la memoria y los tintes de ciencia ficción se dan la mano para hablar del dolor. Junto a una inmensa Kate Winslet, logra que la película sea una experiencia visual difícil de borrar.
Claro que sus raíces siempre tiran hacia la comedia física que lo hizo mundialmente famoso. Cuando hablamos de humor noventero, La Máscara y Ace Ventura, un detective diferente son paradas obligatorias. En la primera, el grisáceo Stanley Ipkiss se convierte en un torbellino todopoderoso gracias a un artefacto mágico. Es un festín de colores saturados y efectos especiales donde el actor despliega todo su arsenal gestual. En la segunda, da vida a un estrafalario investigador de animales que lo catapultó directamente al estrellato, sentando las bases de una comedia salvaje y llena de energía.
Unos años después, redondearía esta faceta con Mentiroso compulsivo. Interpretar a un abogado incapaz de faltar a la verdad por culpa de un deseo de cumpleaños infantil le sirvió en bandeja la oportunidad de mezclar los enredos verbales con su innegable talento para el slapstick. Un repaso a estas cinco cintas es, en el fondo, celebrar a un intérprete que lleva décadas haciéndonos reír a carcajadas y emocionarnos por igual.
Mientras algunos actores cimentan su leyenda en la versatilidad de géneros, saltando del drama al humor más excéntrico, otros lo hacen llevando una misma saga a cotas insospechadas de éxito. Es el caso de Keanu Reeves y la incombustible maquinaria de acción que lidera. Las aguas parecían haberse calmado tras el último baño de sangre en París, pero el universo de John Wick está muy lejos de echar el cierre.
Desde los despachos de Lionsgate acaban de llegar noticias jugosas. La quinta entrega ya empieza a tomar forma real detrás de las cámaras. Adam Fogelson, directivo del estudio, ha comentado en una reciente charla con Business Insider que por fin han dado con un concepto lo bastante potente como para reactivar el proyecto. Al parecer, el director Chad Stahelski y el propio Reeves han puesto sobre la mesa una idea que a ambos les resulta “realmente emocionante”.
Dar con la tecla argumental adecuada era el paso crítico que faltaba, sobre todo después de las lógicas dudas sobre cómo continuar la historia tras el final de la cuarta película. Ahora bien, que nadie espere ver la cinta en cartelera mañana mismo. Fogelson ha sido muy claro al advertir que todavía no hay fechas fijadas en el calendario. Faltan bastantes etapas por quemar en preproducción antes de que alguien grite “acción”.
Para hacer la espera más llevadera, Lionsgate tiene trazado un plan de expansión estratégico. Quieren ampliar la franquicia con varios proyectos paralelos antes de lanzar el quinto capítulo numerado. Ya están en el horno una película centrada en Caine, el letal personaje ciego interpretado por Donnie Yen, y una precuela en formato de animación. Estos títulos serán los primeros en ver la luz. Ayudarán a seguir engordando el universo de los asesinos mientras los guionistas pulen la trama de la próxima misión de Wick.
No es ningún secreto por qué el estudio mima tanto esta licencia. Desde que la primera película asomara la cabeza tímidamente en la taquilla, la saga ha pegado un estirón monumental en ambición y espectacularidad. Las entregas dos y tres (Parabellum) expandieron el intrincado submundo criminal, mientras que el cuarto capítulo entregó las coreografías de acción más bestiales vistas hasta la fecha.
Los números financieros son rotundos. La franquicia ya ha superado la barrera de los 1.000 millones de dólares de recaudación global, mostrando un crecimiento sostenido envidiable. Y la crítica también aplaude. Si echamos un ojo al portal Rotten Tomatoes, la cinta original ronda el 86% de aprobación, la secuela roza el 89%, y las dos últimas entregas se han disparado hasta un impresionante 94%. El público acude en masa, seducido por la brutal precisión de las peleas, la construcción de su oscuro universo y la entrega absoluta de Reeves a un personaje que ya es historia del cine de acción.
]]>Primero vimos a Ethan Hawke encarnando a un párroco ahogado entre la mercantilización de la fe y la inminente crisis climática. Luego le tocó el turno a Oscar Isaac, apostando su suerte en torneos millonarios de póquer para huir de sus demonios. Ahora, la batuta pasa a manos de Joel Edgerton. Interpreta al jardinero del título, un hombre dedicado en cuerpo y alma a mantener impecable la finca de Norma Havernill, una adinerada mujer de la alta sociedad a la que da vida Sigourney Weaver. La verdadera semilla que planta Schrader aquí nos plantea si es posible domesticar la naturaleza humana, ordenar nuestro propio caos interior y permitir que personajes llenos de aristas encuentren la paz en algo tan fortuito como el amor.
Rozando ya la ochentena, cada nuevo trabajo acerca al director a una sencillez casi bressoniana. Se despoja de adornos superfluos para ir directo al hueso de la narración. Pese a su peso histórico en la industria, levantar una película sigue siendo para él un acto kamikaze. Una cuestión de resistencia vital. Buena prueba de ello es su negativa a operarse de un desprendimiento de retina en pleno rodaje; prefirió plantarse un parche en el ojo antes que detener la producción. Había que terminar la película a toda costa y a costa de todo.
Parece mentira, pero el aplauso unánime a su faceta como director se le había resistido bastante, eclipsado a menudo por sus míticos guiones para Scorsese, como Toro salvaje o La última tentación de Cristo. Hasta 2018 no consiguió su primera nominación al Oscar por El reverendo. Ahora, por suerte, los festivales de primera categoría le abren sus puertas de par en par, tal y como demostró el estreno de El maestro jardinero fuera de competición en Venecia.
Schrader es, por encima de todo, el gran retratista de los corazones aislados. Sus protagonistas arrastran pasados traumáticos que revientan cualquier intento de relacionarse con normalidad. Han sido moldeados a base de golpes por la guerra, la brutalidad o las adicciones. Todo esto nos lo cuenta mediante fogonazos visuales, flashbacks repentinos que fracturan la tranquilidad del presente. Bajo la ropa de faena de nuestro jardinero se oculta una piel devorada por los tatuajes, una flagrante contradicción que cuestiona la fachada pacífica que muestra al mundo.
Aun así, hay espacio para la delicadeza. Ya en los títulos de crédito, que muestran la floración de distintas especies a cámara rápida, se intuye a un cineasta más íntimo. A pesar de su fama de explorar los rincones más salvajes de la humanidad, el paso del tiempo parece haber ablandado a Schrader. Él y sus personajes buscan redimirse. Una mirada vulnerable que, irremediablemente, cobra un sentido mucho más profundo tras el reciente diagnóstico de Alzheimer de su mujer.
La angustia y la locura no son patrimonio exclusivo de los veteranos de Hollywood. La cartelera de esta semana nos trae otras formas de lidiar con los fantasmas del pasado. Si el jardinero de Schrader calla y poda, el príncipe de Dinamarca grita al volante de un coche de lujo.
Llega a las salas una nueva y arriesgada visión de Hamlet, dirigida por Aneil Karia. El espectacular Riz Ahmed se mete en la piel del atormentado protagonista, ahora convertido en el heredero de una familia adinerada de origen surasiático en el Londres contemporáneo. Karia y el guionista Michael Lesslie han metido la tijera a la monumental tragedia de Shakespeare. Mantienen el lenguaje y el núcleo de la historia, pero cambian las reglas del juego: Elsinore es ahora una despiadada corporación inmobiliaria dedicada a desahuciar campamentos de personas sin hogar.
Cuando Hamlet descubre que su madre (Sheeba Chaddha) va a casarse con su tío Claudio (Art Malik), el hombre que orquestó el asesinato de su padre, la sed de venganza lo devora. Su famosa indecisión sigue ahí, dictando su fatídico destino. El mítico monólogo del “ser o no ser” nos lo escupe a gritos mientras conduce su BMW de forma temeraria. Faltan piezas icónicas por el camino, como Horacio, Rosencrantz, Guildenstern o el cráneo de Yorick, pero a cambio la cinta nos regala secuencias vibrantes con bailes surasiáticos y una opulenta boda hindú. Puede que su carácter resumido ampute algunas de las alegrías de la obra original, pero el magnetismo febril del texto sigue intacto. Ahmed nos entrega un príncipe delirante, angustiado y feroz, situándose a la altura de las grandes interpretaciones del personaje que en su día firmaron desde Laurence Olivier hasta Kenneth Branagh o Ethan Hawke.
Las fracturas de la mente también pueden contarse desde una óptica menos colérica, apostando por la comedia dramática. Fantasy Life se estrena eligiendo la ligereza narrativa para hablar de monstruos cotidianos como la ansiedad y la depresión. Matthew Shear, que dirige, escribe y protagoniza la cinta, interpreta a Sam, un joven que ha dejado la facultad de derecho y que sufre ataques de pánico en las librerías. En la primera escena, que ya marca el tono peculiar de la película, Sam le ofrece comprarle un sombrero a una amable desconocida que intenta socorrerle en plena crisis de ansiedad.
Esa desconocida es Dianne, interpretada por una brillante Amanda Peet que regresa a la gran pantalla tras una década de ausencia. Dianne es una actriz cincuentañera y acomodada cuya carrera se ha visto frenada en seco por la depresión. Sam acaba haciendo de niñero para las tres nietas del psiquiatra de Dianne (Judd Hirsch), y entre ambos surge una amistad de tintes románticos. Pasan tiempo juntos en la casa de ella en Manhattan y en Martha’s Vineyard, aprovechando las continuas ausencias de su marido, un músico emocionalmente nulo al que da vida Alessandro Nivola.
Peet consigue que un personaje que sobre el papel podría resultar antipático y privilegiado se convierta en una mujer fascinante. Hay escenas sencillamente memorables, como una cena con la familia judío-americana de Dianne que acaba en una acalorada y ruidosa discusión sobre Israel. Shear demuestra un pulso firme para retratar la incomodidad de las conexiones modernas.
Esa redención escurridiza a veces no se encuentra en el amor humano ni en el ajuste de cuentas, sino en la pura conexión con nuestro entorno. El cine documental también tiene su espacio esta semana en San Francisco con un sentido homenaje. El mítico Roxie Theater proyecta The Wild Parrots of Telegraph Hill, el aclamado trabajo de 2003 de la cineasta Judy Irving.
La sesión del domingo cobra un significado dolorosamente actual, ya que sirve para despedir a Mark Bittner, el escritor, músico y protector de estas singulares aves, fallecido el pasado 1 de marzo. Tras la proyección del documental, basado en el propio libro de Bittner, se celebrará un coloquio con la directora, además de la hermana del homenajeado, Beth Lyons, y Sarah Lemarie, del centro de rescate de aves Mickaboo. Una historia real sobre cómo un hombre puede dar sentido a su existencia cuidando de los ecosistemas marginales de la ciudad, cerrando el círculo temático de una semana cinematográfica donde el trauma, la naturaleza y la sanación van de la mano.
]]>La trama nos presenta a Alex, una joven que acaba de perder a su madre. Este golpe tan duro la empuja a intentar cumplir unos objetivos de vida que ella misma dejó por escrito cuando apenas tenía 13 años. Esa lista, que llevaba acumulando polvo durante años, se convierte de pronto en el motor de una aventura repleta de secretos familiares y nuevas oportunidades. La cinta adapta la novela homónima de Lori Nelson Spielman y sabe mezclar con bastante agilidad la ligereza típica de estas comedias con temas más ásperos. Explora el duelo de una manera muy honesta, aborda el crecimiento personal y pone sobre la mesa el deseo humano de reconectar con nuestra verdadera identidad.
Uno de los aspectos más comentados de la película es precisamente el último deseo de esa famosa lista: encontrar el amor verdadero. Para poder tachar este propósito, la protagonista tiene que hacerse varias preguntas difíciles. La propia Sofia Carson señalaba recientemente que muchas espectadoras se han sentido identificadas con este dilema. ¿Mi pareja realmente me hace ser mejor persona? ¿Me la puedo imaginar como el padre de mis hijos o simplemente estoy persiguiendo los sueños de otro? En este viaje de autodescubrimiento la acompaña Kyle Allen, que da vida a su interés romántico y aporta el equilibrio necesario a la evolución del personaje. El reparto lo apuntalan nombres como Connie Britton en el papel de Elizabeth, la madre cuyo legado da sentido a todo el relato, junto a José Zúñiga y Sebastian de Souza en unos papeles secundarios que terminan de enriquecer la historia.
Ahora bien, el catálogo de la plataforma no vive solo de cine y ha preparado un plato fuerte para los amantes de la música. Harry Styles está celebrando el lanzamiento de su cuarto álbum de estudio, titulado ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally.’, y lo va a hacer a lo grande. El artista británico ofrecerá un concierto muy especial en el estadio Co-op Live de Mánchester este mismo viernes 6 de marzo de 2026. La gran noticia es que nadie tendrá que coger un vuelo a Inglaterra para poder disfrutar del espectáculo. Apenas dos días después de su grabación, el 8 de marzo, el especial ‘Harry Styles. One Night in Manchester.’ aterrizará en Netflix para llevar el show directamente al salón de casa.
Lógicamente, muchos seguidores se preguntan qué ocurre si no pueden conectarse en el momento exacto del estreno. No hay de qué preocuparse. Una vez que finalice la emisión en directo, el concierto se quedará guardado en la plataforma para poder verlo bajo demanda. Cualquier suscriptor podrá darle al play y repetir la actuación completa las veces que quiera sin pagar ningún cargo adicional, puesto que el evento está incluido en todos los planes estándar. Para acceder a él, solo hará falta abrir la aplicación en el momento en el que esté disponible y buscarlo en el catálogo. Se podrá reproducir sin problema en cualquier dispositivo compatible, ya sean televisores inteligentes, consolas de videojuegos, móviles, tabletas o directamente desde el navegador del ordenador.
]]>Han tenido que pasar más de seis años para que el director Alberto Rodríguez vuelva a colocar su nombre en la cartelera de las salas de cine. Su última incursión en el largometraje, El hombre de las mil caras (2016), le valió dos premios Goya gracias a una sólida adaptación de la obra de Manuel Cerdán sobre Francisco Paesa, una de las figuras más oscuras y enigmáticas de la política española de finales del siglo pasado. Desde aquel éxito, el cineasta sevolcó en La peste, un proyecto titánico para la televisión que recreó la Sevilla del siglo XVI asolada por la epidemia, convirtiéndose en una de las series más ambiciosas jamás producidas en España. Tras el innegable desgaste que supuso aquella empresa, Rodríguez cumplió su promesa de tomarse un respiro, pero ha vuelto con fuerzas renovadas para presentar Modelo 77.
En esta nueva cinta, el director se sumerge de nuevo en las aguas del pasado para intentar descifrar la identidad española contemporánea. Junto a su guionista habitual, Rafa Cobos, llevan casi dos décadas gestando este thriller carcelario que bebe de miles de historias reales. La trama se centra en los presos que, en 1977, se organizaron bajo las siglas de la COPEL (Coordinadora de Presos en Lucha) para exigir una amnistía general, argumentando que sus condenas eran la herencia de un régimen franquista que teóricamente había desaparecido con la Transición.
Entre la recreación histórica y el cine de industria
Rodada parcialmente en la auténtica cárcel Modelo y en platós que replican las celdas al detalle, la película transmite una sensación de manufactura impecable, propia del cine industrial que busca al gran público y la épica social. Sin embargo, esta perfección en el diseño de producción a veces juega en su contra, haciendo que la cinta se sienta algo antigua, priorizando la recreación sobre el riesgo narrativo. A pesar de ello, en el plano técnico todo funciona con la precisión de un reloj.
Rodríguez vuelve a confiar en Javier Gutiérrez y Jesús Carroza, quienes dotan a sus personajes de una humanidad palpable. El protagonismo recae sobre Miguel Herrán, quien interpreta a Manuel, un joven contable de origen humilde encarcelado por desfalco. Aunque Herrán defiende su papel con solvencia, en ocasiones queda eclipsado por la fuerza interpretativa de los veteranos que lo rodean. La dinámica entre Manuel, con su creciente conciencia de clase, y Pino (Gutiérrez), un recluso veterano y escéptico que se evade leyendo ciencia ficción, vertebra la narración.
La película logra transmitir la asfixia del encierro manteniendo el punto de vista estrictamente dentro de los muros de la prisión. El espectador solo ve lo que ven los reclusos, amplificando la sensación de aislamiento frente a un exterior donde se respiran aires de cambio. No obstante, el afán por honrar la historia real de la COPEL provoca que algunos diálogos sean excesivamente explicativos, y el metraje, que supera las dos horas, adolece de un ritmo menos vibrante que en anteriores trabajos del director. Modelo 77 es una obra sosegada, más preocupada por hacer justicia a sus protagonistas que por el suspense frenético.
El dominio femenino en la taquilla internacional
Mientras el cine español reflexiona sobre su pasado, el mercado internacional vive un presente marcado por cifras vertiginosas. La audaz reinterpretación de Cumbres Borrascosas (Wuthering Heights) firmada por Emerald Fennell ha logrado movilizar masivamente al público femenino este fin de semana. La producción de Warner Bros. se ha coronado en lo más alto de la taquilla norteamericana, logrando el mejor estreno del año con una recaudación de 34,8 millones de dólares en sus primeros tres días.
El drama romántico, protagonizado por Margot Robbie y Jacob Elordi como los desdichados Catherine y Heathcliff, se impuso con claridad a otros estrenos como la cinta animada GOAT y el thriller Crime 101. Su día más fuerte fue el sábado, coincidiendo con la festividad de San Valentín, donde amasó 14 millones. Las previsiones internacionales son aún más optimistas, esperando sumar otros 42 millones de dólares provenientes de 76 territorios. Si las estimaciones se confirman, estaríamos hablando de un debut global de 82 millones de dólares para una producción que costó 80 millones, sin contar los gastos de marketing.
Incertidumbre corporativa y recepción crítica
Este éxito llega en un momento crucial para Warner Bros., cuyo futuro pende de un hilo mientras Paramount mejora su oferta de compra hostil para superar a Netflix. Curiosamente, Cumbres Borrascosas supone el noveno estreno consecutivo del estudio en alcanzar el número uno. Sin embargo, la visión de Fennell, que se toma numerosas licencias respecto a la novela de Emily Brontë, ha dividido a la crítica, obteniendo un tibio 63% en Rotten Tomatoes. La audiencia tampoco se ha mostrado unánimemente entusiasta, otorgándole una calificación de “B” en CinemaScore.
En segunda posición encontramos GOAT, una apuesta de animación de Sony producida por la estrella del baloncesto Stephen Curry, que ha recaudado unos estimados 26 millones de dólares. Se proyecta que alcance los 32 millones tras el lunes festivo, lo que supondría el mejor debut animado desde Elemental en 2023. Por su parte, el thriller Crime 101 de Amazon MGM, con Chris Hemsworth y Mark Ruffalo, debutó en tercer lugar con unos modestos 15,1 millones, una cifra preocupante dado que su presupuesto superó los 90 millones.
Finalmente, cabe destacar el hito alcanzado por Walt Disney Studios, que se ha convertido este fin de semana en el primer estudio en superar los mil millones de dólares en la taquilla global en este 2026. Este logro ha sido impulsado casi en su totalidad por el fenómeno de Avatar: Fuego y Ceniza, con la inestimable ayuda de Zootrópolis 2 (Zootopia 2), que continúa con fuerza en el top 10 tras doce semanas en cartelera.
]]>Un éxito de audiencia con pies de barro
Bajo la dirección de Guy Ritchie, cineasta británico conocido por su ritmo frenético en obras como Snatch o Sherlock Holmes, la nueva película apuesta por una mezcla de aventuras clásicas y acción moderna. La trama sitúa a John Krasinski y Natalie Portman como dos hermanos distanciados que deben colaborar en una búsqueda épica para hallar la mítica fuente de la leyenda. A pesar de contar con un reparto de lujo que incluye a Eiza González, Stanley Tucci y Domhnall Gleeson, la recepción ha sido agridulce.
Si bien las cifras de audiencia son incontestables, la crítica no ha tenido piedad. Los agregadores como Rotten Tomatoes muestran una brecha significativa: apenas un 38% de reseñas positivas por parte de la prensa especializada y un tibio 42% del público. En IMDb, la nota se estanca en un 5,8, y plataformas como Filmaffinity reflejan una indiferencia similar. El consenso general apunta a que, pese al presupuesto y el elenco estelar, el guion peca de previsible y los efectos visuales no terminan de justificar la inversión. No obstante, la estrategia de Apple de renovar su oferta con nombres potentes parece haber funcionado para atraer a las masas, independientemente de la calidad final del producto.
El Monsterverse ruge de nuevo en febrero
Pero Apple TV+ no vive solo de largometrajes. La compañía está a punto de desplegar su artillería pesada en el terreno de las series, recuperando dos de sus mejores baluartes de ciencia ficción. La primera en aterrizar será la segunda temporada de Monarch: El legado de los monstruos, cuyo estreno está fijado para el viernes 27 de febrero.
Esta serie representa una anomalía dentro del ecosistema de Apple, que suele apostar por guiones originales o adaptaciones literarias; aquí, sin embargo, juegan con una propiedad intelectual consolidada: el Monsterverse de Godzilla y Kong. Lejos de ser un producto barato de franquicia, la primera temporada sorprendió por su solidez narrativa, centrada en el drama humano y apoyada en las interpretaciones de Kurt Russell y su hijo, Wyatt Russell. Con una valoración del 87% en Rotten Tomatoes y un spin-off ya confirmado, la serie regresa elevando la apuesta: el tráiler ha desvelado la aparición del ‘Titán X’, una nueva amenaza que promete complicar la supervivencia de los protagonistas.
Marzo devuelve la carrera espacial a las pantallas
Justo un mes después, el viernes 27 de marzo, le tocará el turno a Para toda la humanidad (For All Mankind), que estrena su quinta temporada. Este drama ucrónico sobre la carrera espacial se ha consolidado como una de las joyas de la corona del servicio, ostentando un impresionante 92% de críticas positivas tras cuatro entregas. Aunque sus inicios fueron lentos y la primera temporada suele considerarse la más floja por su ritmo pausado, la ficción supo encontrar su tono y hoy es un referente del género.
Para estos nuevos capítulos, regresan rostros conocidos como Joel Kinnaman, Toby Kebbell y Wrenn Schmidt, pero el elenco sufrirá una importante renovación. La producción ha confirmado fichajes notables, entre los que destacan Mireille Enos, Costa Ronin y Sean Kaufman, quienes se unirán a la tripulación para seguir expandiendo una historia que ha sabido reinventarse año tras año. Con estos movimientos, Apple deja claro que su plan para los próximos meses pasa por alternar “blockbusters” palomiteros con el regreso de sus series de culto más aclamadas.
]]>Al revisitar la obra de 2003 años más tarde, coincidiendo con el lanzamiento en Blu-ray por el aniversario de Funimation, la sorpresa fue mayúscula: la serie había envejecido increíblemente bien y se mantenía por méritos propios como uno de los mejores animes de su generación. Sin embargo, su reputación actual dentro del fandom ha disminuido considerablemente. Gran parte de este fenómeno se debe a su escasa disponibilidad en las plataformas de streaming, ya que Aniplex ha optado por mantenerla en un segundo plano durante la última década. No obstante, la razón de mayor peso es que ahora se percibe como la versión “inferior” por ser una adaptación menos fiel, especialmente tras la llegada de Fullmetal Alchemist: Brotherhood, aclamada por trasladar la historia del manga de forma más directa.
Sobre el papel, el debate parece resuelto, pero plantea una cuestión fundamental: ¿qué define exactamente a una buena adaptación y cómo se traduce eso en un buen anime? Para responder a esto, es conveniente analizar qué entendemos por “calidad” en este contexto. Si preguntásemos a la mayoría de los seguidores, la respuesta probablemente apuntaría a una recreación prácticamente 1:1 del material original acompañada de una animación competente. Es una postura comprensible, pero matizable.
Es imperativo reconocer que ninguna adaptación puede ser una réplica perfecta de su fuente, ni debería esperarse que lo fuera. El anime y el manga son medios distintos, con fortalezas y debilidades propias que no se pueden trasvasar fácilmente. Incluso la adaptación más literal es incapaz de replicar cómo la disposición de las viñetas marca el ritmo de la acción o cómo el sombreado y el trazo del dibujo invocan reacciones emocionales específicas en el lector. Siempre habrá matices que se pierdan o se transformen en el cambio de formato. Además, el equipo de producción está compuesto por creativos cuyas sensibilidades influirán inevitablemente en el resultado final, desde la dirección de escena hasta la banda sonora, elementos que, incluso en las mejores obras, nunca serán un sustituto total del original.
Un ejemplo reciente y aclamado por la crítica es Frieren: Beyond Journey’s End. Aunque tanto el anime como el manga logran transmitir con eficacia el paso del tiempo en las vidas de la protagonista y sus compañeros, las herramientas empleadas difieren notablemente. Mientras que el manga invita al lector a detenerse en paneles breves sobre sus actividades cotidianas, el anime consigue este efecto mediante una cuidadosa dirección visual y la animación de los personajes, creando la ilusión de que transcurren semanas o meses en apenas unos segundos; una sensación potenciada por la magnífica partitura orquestal de Evan Call.
Del mismo modo, aunque las batallas mágicas son uno de los puntos fuertes del anime, gran parte de su impacto visual se debe a que el manga original flaquea comparativamente en la representación de la acción. En el papel, los combates tienden a ser rígidos y los hechizos rara vez pasan de ser simples rayos mágicos, lo que a menudo resulta en secuencias de acción algo monótonas. Estas diferencias, aunque jueguen a favor de la versión animada, generan dos experiencias distintas dependiendo de la versión de la historia que se consuma.
En la misma línea, es posible que una adaptación se sienta radicalmente diferente a su material de origen, incluso si sigue los mismos puntos narrativos. Un caso paradigmático es la primera temporada de The Promised Neverland, que, siendo una narración bastante directa del arco de Grace Field, sustituye la estética de fantasía de cuento del manga por un fotorrealismo que altera por completo la atmósfera visual.
Este panorama de constante evolución narrativa no se limita exclusivamente a las producciones japonesas. El mercado de la animación china ha comenzado a exportar títulos que juegan con los tropos clásicos del género fantástico, aportando su propia visión. Un ejemplo representativo de esta expansión es The Last Summoner (Zuihou De Zhaohuan Shi), una serie que aborda la temática de la invocación desde una perspectiva contemporánea y humorística.
La trama nos presenta el encuentro fortuito que cambia para siempre la vida ordinaria de un joven cocinero con un talento excepcional. Todo comienza cuando una chica hambrienta aparece misteriosamente en su cocina; no es una humana cualquiera, sino Dora, un espíritu invocado y una diosa de apariencia adorable que, para desgracia del protagonista, ahora lo reconoce como su amo. Lejos de sentirse halagado, el joven no muestra el más mínimo interés en esta situación y hace todo lo posible por distanciarse de la figura fantasmal. Sin embargo, como suele dictar el destino en estas historias, al convertirse en invocador por accidente ya no hay vuelta atrás.
Esta producción, emitida originalmente en China entre el 26 de abril y el 5 de julio de 2022, cuenta con una temporada de 12 episodios. Al igual que ocurre con los grandes debates sobre la fidelidad en las adaptaciones japonesas, obras como The Last Summoner demuestran que, independientemente del país de origen o el estilo de animación, el núcleo de la industria sigue siendo la capacidad de contar historias que conecten con el espectador, ya sea a través del drama épico o de la comedia sobrenatural.
]]>La confirmación oficial llegó en septiembre de 2024: Electronic Arts ratificó que Respawn Entertainment se encuentra trabajando en el próximo capítulo de la saga Star Wars Jedi, una entrega diseñada para ser el broche final a la historia del jedi superviviente Cal Kestis. Aunque la compañía no ofreció ninguna ventana de lanzamiento, el silencio ha sido roto recientemente por nuevas especulaciones provenientes del podcast Kinda Funny Gamescast.
Tim Gettys, conocido insider de la industria, ha puesto sobre la mesa información que apunta a 2026 como el año clave. Según sus fuentes, no sería descabellado esperar tanto una presentación oficial como el lanzamiento del juego ese mismo año. Gettys sugiere que la revelación podría coincidir con el Día de Star Wars, el próximo 4 de mayo, o justo antes del Summer Game Fest, programado para el 5 de junio de 2026. Si los plazos se cumplen, septiembre de 2026 se perfila como el mes elegido para que el título llegue a las estanterías.
Esta fecha cobra sentido si analizamos el ritmo de producción previo del estudio. Entre el estreno de Fallen Order en noviembre de 2019 y la llegada de Survivor en abril de 2023 pasaron aproximadamente tres años y medio. Un lanzamiento a finales de 2026 encajaría perfectamente en este esquema temporal, siempre y cuando el desarrollo no sufra contratiempos mayores.
No obstante, conviene tomar estos datos con cierta prudencia. El equipo de desarrollo ha sufrido cambios estructurales significativos que podrían alterar la hoja de ruta. Stig Asmussen, el director creativo y artífice del éxito de las dos primeras entregas, abandonó Respawn Entertainment en 2023 para fundar su propio estudio, Giant Skull. A esto se suman los despidos que sacudieron a Electronic Arts en 2025, los cuales, según admitió la propia empresa, conllevaron ajustes en el equipo dedicado a Star Wars Jedi. Lo único seguro a día de hoy es que el juego está en el horno, pero EA tendrá la última palabra sobre cuándo veremos el resultado final.
Mientras el futuro galáctico sigue en expansión, en las oficinas de Lucasfilm se hace balance de una despedida agridulce. Kathleen Kennedy, la presidenta saliente de la compañía, ha abordado en una entrevista reciente con Deadline la situación de la franquicia del arqueólogo más famoso del cine, cerrando la puerta a futuras continuaciones tras el desempeño comercial de la última entrega.
El recorrido de la saga ha sido una montaña rusa. Para muchos, Indiana Jones y la última cruzada debió ser el final perfecto de una trilogía que redefinió el cine de aventuras y recaudó 1.200 millones de dólares. Sin embargo, 19 años después llegó El reino de la calavera de cristal, que pese a ser la más taquillera con 786 millones, dejó un sabor amargo entre los fans. Pero Harrison Ford, quien a sus 83 años sigue siendo el alma del personaje, no quería que ese fuera el epílogo de su héroe.
Kennedy ha sido tajante respecto a El dial del destino, la cinta dirigida por James Mangold que supuso un descalabro financiero para Disney, recaudando apenas 383 millones de dólares frente a un presupuesto que rondaba los 419 millones. A pesar de las pérdidas millonarias y del daño a la imagen de la marca, la ejecutiva asegura no arrepentirse de la decisión.
“No me arrepiento de nada, porque Harrison Ford quería hacer esta película más que cualquier otra cosa”, confesó Kennedy. La motivación principal fue puramente emocional: Ford se negaba a que Indy terminase con la cuarta película y deseaba una última oportunidad para colgar el sombrero con dignidad. “Creo que fue la decisión correcta; se lo facilitamos porque él quería hacerlo”, añadió.
Sobre el futuro, la postura es clara. Aunque Kennedy reconoce que un icono como Indiana Jones nunca desaparece del todo, admite con franqueza que no existe interés actual en continuar la saga. Harrison Ford es Indiana Jones, y sin él, parece que Lucasfilm prefiere dejar descansar el látigo indefinidamente, centrando sus esfuerzos en cerrar otras historias, como la de Cal Kestis, que aún tienen mucho que decir.
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