Русский музей

Шорт-лист номинантов XIII Премии The Art Newspaper Russia

artuzel.com — Mon, 31 Mar 2025 16:01:42 +0000

Победители в номинациях «Музей года», «Выставка года», «Реставрация года», «Книга года» станут известны на церемонии в Москве 23 апреля. Тогда же вручат награду Василию Бычкову, лауреату в номинации «Личный вклад».

«Музей года»

Государственный Владимиро-Суздальский музей-заповедник

За новое дыхание, яркие выставки и проекты, отметившие 1000-летие Суздаля

Третьяковка в Самаре. Фабрика-кухня

За современный музей, созданный командой, для которой одинаково важно и глобальное, и локальное

Центр «Зотов»

За впечатляющее и плодотворное культурное производство, открывающее все новые грани конструктивизма

«Выставка года»

«Весть» в Русском музее

За постановку глобальной и оригинальной темы, позволившей связать прошлое и современную актуальную повестку

«Москвичка. Женщины советской столицы 1920-х — 1930-х» в Музее Москвы

За открытие публике нового пласта советской художественной культуры, связанного с женским вопросом

«Ars vivendi. Франс Снейдерс и фламандский натюрморт XVII века» в Эрмитаже

За яркую зрелищность и смелую фантазию, которые превратили академическую выставку в увлекательный спектакль

«Реставрация года»

Зубовский флигель Екатерининского дворца. 1779–1785, 1850-е. Государственный музей-заповедник «Царское Село», Санкт-Петербург, город Пушкин

За последовательные усилия по воссозданию исторических дворцовых интерьеров и связанную с этим научно-исследовательскую работу

Картина Тобиаса Верхахта при участии Яна Брейгеля Старшего, Хендрика де Клерка, Абеля Гриммера «Вавилонская башня» из коллекции Государственного Эрмитажа. Около 1606–1620. Санкт-Петербург

За творческий подход к реставрации, приведший к научному открытию

Успенский собор на Городке. XIV век. Звенигород

За восстановление важнейших деталей и возвращение подлинного облика уникального памятника древнерусской архитектуры

«Книга года»

«Работать и жить. Архитектура конструктивизма. 1917–1937»

М.: Центр Зотов конструктивное пространство, 2024
За погружение в воображение тех, кто после революции строил новый мир, новый быт, новую семью и новый досуг, и выявление неожиданных граней конструктивизма

«Война и мир в русском фарфоре. Из собрания Е.Н.Батуриной»

М.: Государственный институт искусствознания, 2022
За фундаментальное научное исследование на материале уникального частного собрания русского фарфора

Леонид Талочкин. «Завтра — см. вчера. Дневники»

М.: Музей современного искусства «Гараж», 2024
За кропотливый труд по подготовке и комментированию уникального документа и бесценного свидетельства неофициальной художественной жизни 1960-х

«Личный вклад»

Василий Бычков

Основатель компании «Экспо-парк Выставочные проекты», организатор ярмарок в области культуры.
За вклад в развитие художественного процесса и рынка искусства.

Новая волна

artuzel.com — Wed, 18 Oct 2017 14:12:50 +0000

Текст и фото: Евгения Чернышова

100-летию революции 1917 года Русский музей посвятил большую выставку «Мечты о мировом расцвете» в корпусе Бенуа.

Выставка о революционных идеях начинается неожиданно – картиной Ильи Репина «Какой простор!». На мгновение кажется, что эти порхающие в морской пене люди оказались в самом «партере» экспозиции по ошибке.

«В живописи я моложусь, написал пару молодых людей, гуляющих на берегу Финского залива. Зрители видят в картине, что «тут кроется аллегория». И меня за эту аллегорию то бранят, то порицают, то презирают», – писал про работу сам Репин. Действительно современники увидели в образах юноши и девушки, восхищенных стихией, тех, кому предстоит совершить революцию. Критик Стасов охарактеризовал их как «русскую молодежь, не потерявшую смелости надежд и радостных упований среди одолевавших ее бед».

Волна, захлестывающая большую часть картины, – мутно-желтая, собравшая щепки и грязный песок. Лишь позади виднеется кусочек чистого синего моря. Кажется, что бурный грязный поток вот-вот выплеснется наружу, за пределы полотна и серая вода ударится о пол и зальет все пространство зала. Несмотря на оптимистичное название работы, от нее веет тревогой и дурными предчувствиями. Выдержат ли еще один удар волны разудалые влюбленные или же ледяной поток смоет их и утянет на глубину?

Зрителя же в глубину зала затягивает накал эмоций и противоречивых настроений, которые транслируют работы выставки. Совсем рядом, за стеной – другая картина Репина, «Демонстрация 17 октября 1905 года» и кажется, что молодые люди с прошлого полотна все-таки выбрались на сушу и отправились на демонстрацию. Дмитрий и Софья, назовем их так, вскидывают к небу головные уборы и кричат, кричат «ура!». Но совсем напротив висит полотно «Солдатушки, бравы ребятушки!» Валентина Серова: «Мрачно отразились в сердцах наших события 9 января. Некоторые из нас были свидетелями, как на улицах Петербурга войска убивали беззащитных людей, и в памяти нашей запечатлелась картина этого кровавого ужаса…» Дмитрий и Софья, свидетели и этих событий, потрясены, обескуражены, но верят, что справедливый, разумный исход революции возможен.

Год сменяется годом, шквалом обрушивается на мир Первая Мировая война (сбоку – «На линии огня» Кузьмы Петрова-Водкина), зал делает крутой поворот влево и наступает 17-й год. Дмитрий и Софья участвуют уже в других манифестациях, и их побледневшие лица виднеются в толпе рабочих, матросов и красноармейцев (Борис Кустодиев «Праздник в честь 2-го конгресса Коминтерна на площади Урицкого»), ужинают скудными селедками и морковным чаем, читают при свете коптящей керосиновой лампы старые письма (Давид Штеренберг «Селедки», «Лампа»). Время скачет, как взбесившийся мерин, и Дмитрий и Софья едва успевают за ним, – все мелькает, рябит и рассыпается, летят и гремят самолеты, подрагивают дирижабли, маршируют солдаты. «Образы нашего времени – солдат, красноармеец, комиссар», – декларирует Петров-Водкин.

Мир ужимается и требует простых формул и решений, которые находятся и красят все вокруг в безжалостно открытые цвета – синий, желтый, красный, зеленый, черный. Здесь, в зале с крестьянами Малевича следы Дмитрия и Софьи теряются – то ли исчезли в эмиграции, то ли навсегда и намертво захлебнулись в мутно-желтой, холодной и беспощадной воде Финского залива.

Где-то в соседнем районе в нетопленной квартире день за днем создает собственную революционную вселенную человек, который видел революцию так, как не видел ее никто. Формулы этой революции выплескиваются им на холст сотней маленьких частиц, каждая из которых, попадая на полотно, разбивается еще на сотню мерцающих, синих, сизых деталей. Он рисует революцию, которая бесконечно, как Сатурн, пожирает своих детей, оставляет их покалеченными и босыми, но дети любят ее и готовы отправлять ей на заклание все новые, и новые жертвы. Ведь впереди обязательно наступит светлое время, грянет другая жизнь, накатит свежая и чистая новая волна, бликующая на весеннем ясном солнце. Такой видел мечту о мировом расцвете художник Павел Филонов, чьи работы и идеи сформировали основную канву выставки.

Илья Репин утверждал, что к созданию картины «Какой простор!» его подтолкнуло лишь живое впечатление, полученное в Куоккала на берегу залива.

Евгения Чернышова (10),
Русский музей (10)

Русский музей открыл Культурно-выставочный центр в Ярославле

.artuzel — Tue, 05 Sep 2017 10:21:15 +0000

29 августа в Ярославском художественном музее открылся Культурно-выставочный центр Русского музея. Помимо выставочного пространства, куда будут привозить произведения из Санкт-Петербурга, в новом многофункциональном центре Русского музея на базе Ярославского художественного музея будет работать информационно-образовательный центр и центр творческого развития для детей.

Культурно-выставочный центр начал свою деятельность с выставки «Николай Рерих», на которой представлены 50 работ из собрания Русского музея, одна предоставлена местным музеем. Культурно-выставочный центр размещен в главном здании Ярославского художественного музея — Губернаторском доме.В дальнейшем предполагается осуществление выставочных проектов, работа информационно-образовательного центра «Русский музей: виртуальный филиал». В КВЦ школьникам и студентам станут доступны более 500 образовательных программ в мультимедийном формате.

Русский музей (10)

ИНТЕРЕСНОЕ НА САЙТЕ:

Одна особенная квартира

.artuzel — Fri, 07 Oct 2016 17:22:49 +0000

В Мраморном дворце Русского музея проходит выставка «Квартира №5», посвященная истории русского авангарда. Около 150 живописных и графических произведений из собрания Русского музея, Третьяковской галереи, Музея имени Бахрушина, НИМ РАХ, московских и петербургских частных собраний представляют один из самых значимых эпизодов истории художественно жизни Петрограда первой четверти XX века.

«Если на белом листе бумаги поставить точку, пространственный мир листа локализуется, стягивается вокруг этой точки. Точно так же в жизни – место собирает пространство, стягивает вокруг себя жизнь. Давайте считать, что новой жизнью мы обязаны месту, тому, где мы тогда собирались, где мы узнали друг друга, где я угадал в сам будущее искусства, а вы научили меня новым мерам, новому смыслу и новым качествам… Для меня, друзья, это уже давно не адрес. Всякий раз, когда я слышу слова «Квартира №5» - я чувствую огонь в сердце и становлюсь серьезным», - писал в начале 30-х годов в своих мемуарах Николай Пунин. Один из самых авторитетных историков русского авангарда, Пунин тоже был участником встреч в квартире № 5 на Университетской набережной в доме 17. Здесь, в здании Академии художеств, находилась служебная квартира Сергея Исакова, скульптора, искусствоведа, заведующего кафедрой истории искусств и декана факультета в Академии художеств. Он был отчимом братьев Николая и Льва Бруни.

В гости к братьям приходили художники, музыканты, поэты, критики. В мастерскую к Льву Бруни, у которого «вместо крови течет акварель», приходили художники от Филонова до Митурича и Альтмана, постоянным гостями были Николай Тырса, Петр Львов, Николай Пунин. Здесь бывали художник Шагал и композитор Лурье, свои стихи читали поэты Бальмонт, Мандельштам, Маяковский, Хлебников, музыкальные произведения исполнял Артур Лурье. Позже расширился круг имен гостей квартиры № 5, в который вошли Владимир Лебедев, Николай Лапшин, Алексей Успенский, Николай Купреянов.

Выставка в Мраморном дворце позволяет восстановить художественную ситуацию столетней давности и представить это явление как значимую страницу русского авангарда, без которой его история не будет полной. «…Мы собирались там обычно раз в неделю по вечерам: пили чай, ели картофель с солью; к концу шестнадцатого года приносили свой сахар и хлеб. В квартире было почему-то три этажа, окно в столовой было на уровне человеческого роста; стол, за которым сидели, был длинным; лампа освещала только середину стола; свет от лампы был желтый и теплый, как в детстве, когда его вспоминают…», - пишет в своих мемуарах Николай Пунин.

Близким другом Льва Бруни в годы «квартиры №5», был художник Петр Митурич. Они подружились в 1915 году, и Бруни сразу привел нового знакомого к себе домой. Они работали вместе: иллюстрировали журналы «Вершины», «Новый журнал для всех», «Голос жизни». Как позже признавал Митурич, именно в этот период своего творчества он «стал давать зрелые в художественном отношении вещи». И этому во много способствовала творческая обстановка мастерской Льва Бруни в квартире № 5. Здесь же Митурич познакомился со своей будущей женой, сестрой Велимира Хлебникова, Верой.

Одним из самых заметных художественных явлений этого времени был Павел Филонов. «…Филонова легко привести в исступление; тогда голос его гремит, как труба; он был бы пророком, если бы верил во что-нибудь, кроме своей живописи; своей живописью он мог бы потрясти Германию в годы войны и поражения.

В 16-м году с Филоновым шел к нам экспрессионизм и футуризм. Мы же шли тогда, отмежевываясь от того и от другого…», - писал Николай Пунин.

Зародившееся в квартире №5 содружество вышло за рамки конкретного места и времени и стало обозначением тенденции в искусстве Петрограда, отчетливо различимой вплоть до середины 1920-х годов. Расширился и круг имен, в него вошли Владимир Лебедев, Николай Лапшин, Алексей Успенский, Николай Купреянов.

Вокруг большого стола, освещенного одной лампой, постепенно собралось сообщество молодых представителей художественной жизни Петрограда. Это стихийное собрание нельзя было назвать группировкой или объединением в точном смысле слова: скорее, это был дискуссионный клуб, в который приходили молодые люди со сходными мировоззрением. Художественные идеи этого кружка постепенно стали самостоятельным явлением в искусстве Петрограда, существовавшим до середины 20-х годов. А, благодаря запискам Николая Пунина оно стало заметным в истории русского авангарда.

К середине 20-х годов этот творческий кружок начал распадаться. Умер Велимир Хлебников, покинул Россию выдающийся композитор, музыкальный писатель, теоретик, критик, один из крупнейших деятелей музыкального футуризма и русского музыкального авангарда XX столетия Артур Лурье. Уехал в Москву Митурич. Большевики уже перекрывали кислород независимому авангарду, загоняя все художественное творчество в жесткие идеологические тиски.

Выставка в Русском музее предоставляет возможность представить масштаб и силу влияния «Квартиры №5» на всю историю русского искусства XX века. Экспозиция в Мраморном дворце открыта до 14 ноября 2016 года.

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)

Василий Кандинский и Россия

.artuzel — Tue, 04 Oct 2016 12:15:29 +0000

В Петербурге, в корпусе Бенуа Государственного Русского музея проходит выставка Василия Кандинского, приуроченная к 150-летию со дня рождения художника.

Это первая персональная выставка Кандинского в Русском музее: до юбилейного года масштабное преставление его творчества для российского зрителя произошло лишь в 1988 году на большой выставке, посвященной искусству русского авангарда. Сейчас в залах корпуса Бенуа представлено свыше ста работ мастера – живопись, графика, авторские эскизы для росписи по фарфору. Рядом с работами Кандинского представлены и полотна его современников – Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Давида Бурлюка, Алексея Явленского, Франка Марка, Елены Поленовой и других. А также предметы русского народного прикладного искусства, образцы иконописи северного письма – все это позволит зрителю самому проследить и понять истоки творческого вдохновения Кандинского, основы его художественного мировоззрения. На выставке представлены экспонаты из 14 российских музеев и ряда частных коллекций.

-Сейчас мы делаем акцент на корнях художника, - сказала на открытии выставки Евгения Петрова, заместитель директора ГРМ. – Акцент на раннем творчестве, когда он путешествовал по Северу России, когда он еще не был художником официально, а был юристом, но увлекся изучением народного искусства зырян. Он писал о том, как вошел в избу, и его окружила живопись, и он понял, как можно увлечь живописью любого зрителя. Кандинскому очень важно было понять, как народные художники чувствуют и выражают искусство, он считал, что самое главное для творца – уметь выпазить внутренний мир. Василий Васильевич очень увлекался лубком, собирал народное искусство, и через него, через иконопись пришел к своей концепции беспредметного искусства.

Экспозиция в залах корпуса Бенуа начинается с первых, совершенно реалистических работ Кандинского, который он создавал на раннем этапе своего творческого пути, когда почти в 30-летнем возрасте он, молодой юрист, выпускник Московского университета, решил кардинально изменить свою жизнь.

Василий Кандинский родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, куда семья переехала в 1871 году. Затем – юридический факультет Московского университета, перспективы занять кафедру в Дерптском университете в Тарту, где ему предложили место профессора. Но в 1895 году, под влиянием выставки импрессионистов в Москве и картины «Стога сена» Клода Моне, он оставляет карьеру юриста и выбирает путь художника. Через год он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами и полностью посвящает себя живописи. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но в 1921 году вновь уезжает в Германию, где становится одним из ведущих теоретиков современного искусства, преподает в Баухаузе. Именно в то время Кандинский получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. Когда к власти приходят нацисты, они закрывают Баухауз, а Кандинский переезжает во Францию, получает французское гражданство, и остается там до конца жизни.

На выставке в ГРМ представлены все этапы становления Василия Кандинского как художника. Один из залов посвящен его увлечению сказкой, мифологией, и кураторы выставки показывают его сказочный мир в контексте других художников – Поленовой, Веревкиной, Рериха, других. Здесь представлены редкие и мало знакомые зрителю его работы маслом на стекле из собраний государственных музеев и частных коллекций. Здесь же, в окружении работ Явленского, Франца Марка представлен и тот период в творчестве Кандинского, когда он ездит между Россией и Мюнхеном, в Мюнхене он организует «Синий всадник», приглашая туда русских художников.

Следующий зал – переход Кандинского от сказки и мифа, от увлечения лубком и иконой к созданию первых абстрактных композиций. Здесь появляются его импровизации, а на сравнении реальной иконы Святой Георгий и картины Кандинского на эту тему любой интересующийся искусством зритель отчетливо понимает, как художник пришел к своему пониманию принципов беспредметного искусства, и в чем разница между фигуративностью иконы и условной живописью Кандинского. Последний зал выставки полностью посвящен фарфору и поискам Кандинского в области декоративно-прикладного искусства эпохи первых лет революции. Здесь же можно посмотреть фильм о Василии Кандинском, созданный сотрудниками ГРМ.

-Мы уверены, что эта выставка введет зрителей в творчество Кандинского больше, чем это удавалось сделать до сих пор, - считает Евгения Петрова. – Здесь зрители смогут преодолеть то непонимание растерянность, которые нередко возникают при знакомстве с абстрактной живописью. Особенно, с помощью цитат из теоретических трудов Кандинского, его писем и воспоминаний. Это поможет любому человеку, хотя бы мало-мальски интересующемуся творческой кухней художника, самому осознать и оценить, что Василий Кандинский принес в живопись, в чем состоит его неоценимый вклад в мировое искусство.

Выставка «Василий Кандинский и Россия» в корпусе Бенуа ГРМ продлится до 4 декабря 2016 года.

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)

Остроумова-Лебедева - художник и коллекционер

.artuzel — Tue, 30 Aug 2016 12:40:11 +0000

В Михайловском замке Русского музея открылась очередная выставка из серии, посвященной частным коллекциям, поступившим в музей в разное время.

Почти 200 предметов из наследия Анны Остроумовой-Лебедевой – картины, рисунки, фотографии, документы, архивные материалы – показаны в залах музея. Впервые Русский музей представляет весь творческий путь знаменитого мастера – от живописных портретов, мало известных широкой публике, до работ ее учеников и последователей.

-Этой выставке не нужен гламурный шум, здесь не нужны толпы при входе, потому что искусству Остроумовой-Лебедевой шум противопоказан, - сказал на открытии выставки Владимир Гусев, директор ГРМ. – Но, в то же время, мне хочется, чтобы здесь было много людей – тех, кто способен чувствовать и созерцать тонкую красоту Петербурга.

Открывшаяся в Русском выставка, по словам заведующей отделом гравюры Екатерины Климово, – первый опыт демонстрации гравюр Остроумовой-Лебедевой в такой полноте и объеме. Еще при жизни художница завещала Русскому музею не только всю свою коллекцию, но и все свое очень разнообразное наследие – картины, и рисунки, гравюры (вплоть до последних работ, на которых запечатлен блокадный Ленинград), набор досок для офортов, фотографии, документы, и даже мебель. Фактически, в ГРМ сохранился реальный срез жизни выдающегося мастера художественной гравюры. На выставке можно увидеть весь ее творческий путь, все поиски и результаты, работы ее последователей, для которых она стала наставником. В экспозицию включены два живописных портрета Анны Петровны работы ее товарищей по Академии художеств – Константина Сомова и Филиппа Малявина.

Первые уроки гравирования она получила в мастерской Василия Матэ в училище барона Штиглица. Но тогда она буквально сбежала от разочарований в этом виде художественного творчества: в то время гравюра на дереве сделалась фактически служебным жанром, обслуживающим полиграфию. В Петербургской Академии художеств Анна Остроумова-Лебедева начинала учиться как живописец, ее учителем и наставником был Илья Репин.

Но закончила Академию художеств она с дипломом гравера. О своих творческих поисках Анна Петровна рассказывала в письмах и воспоминаниях: она пишет, что в 1896 году пережила кризис – именно тогда она окончательно поняла, что передвижники, которые как раз в это время пришли преподавать в Академию, не могут дать ей то, что ищет ее душа. Она искала других путей, и именно в 1896 году впервые увидела в залах академии коллекцию японской гравюры, собранной Китаевым. Это и стало переломным моментом в ее творчестве, и она снова вернулась в мастерскую Василия Матэ, который преподавал в Академии: Матэ предоставил ей полную свободу творчества, позволил гравировать так, как она сама считала нужным. Остроумова-Лебедева закончила Академию с дипломом гравера.

Через два года она едет в Париж, где учится в мастерской Уистлера, близко знакомится с художниками «Мира искусства», начинает собирать свою собственную коллекцию японской гравюры. Вернувшись в Петербург, начинает самостоятельную художественную деятельность, возродив свободную, авторскую художественную гравюру на дереве, сделав ее главным делом всей жизни.

В первом зале показаны немногочисленные работы Остроумовой-Лебедевой, выполненные маслом. Среди них – портреты Максимилиана Волошина и мужа художницы Сергея Лебедева, выдающегося химика-органика, основоположника способа получения синтетического каучука. Здесь же представлены ее живописные полотна и акварели: сама художница считала акварель одним их видов живописи. Большая часть выставки – гравюры.

Тонкие, пронзительные, наполненные светом работы Остроумовой-Лебедевой, на которых она запечатлела Петербург во все времена года, стали настоящей визитной карточкой города. На выставке можно увидеть не только самые известные виды Петербурга и пригородных дворцовых комплексов, но и собственно творческую кухню мастера. В витринах представлены инструменты гравера, доски, с которых она делала оттиски. Одна из самых замечательных вещей – «Летний сад зимой» - гравюра, сделанная с четырех досок, на каждую из которых наносился свой цвет.

-Максимальное количество досок, которые использовала Остроумова-Лебедева – пять, потому что она считала искусство гравюры строгим, ее язык должен быть немногословным и сдержанным, - говорит Галина Попова, куратор выставки. – Последователи художницы нередко использовали до 28 досок, но она считала это подражанием живописи, неуместным для гравюры.

В отдельном зале представлена коллекция японской гравюры в жанре укиё-э – «картины изменчивого мира». Первые японские гравюры Остроумова-Лебедева приобрела в Париже в 1898 году. Она даже пробовала подражать японцам, но поняла, что ей это не подходит. Кроме того, японские мастера гравюры использовали другие материалы и иную технику.

Отдельная часть экспозиции – работы современников Анна Петровны. В конце XIX века репродукционную гравюру вытесняет фотография, и многие художники-граверы ищут другие способы заработать. Один из таких мастеров – Иван Павлов, чьи работы тоже представлены в залах Михайловского дворца. Он был ровесником Анны Петровны, но держался традиционной тоновой ксилографии, воспроизводящей оригиналы, выполнял гравюры с фотографий, копируя их. Позже, когда такой вид гравюры перестал пользоваться спросом на рынке, Павлов обращается к технике Остроумовой-Лебедевой, но в его работах сохраняется протокольность и подражательность. Что резко контрастирует с одухотворенными и выразительными гравюрами художницы, создавшей классический образ вечно прекрасного Петербурга.

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)

Петров-Водкин и окрестности

.artuzel — Tue, 07 Jun 2016 15:32:06 +0000

В Корпусе Бенуа Государственного Русского музея открылась выставка «Круг Петрова-Водкина».

На экспозиции представлено более 200 живописных и графических работ из собраний разных музеев – ГРМ, Нижнетагильского музея изобразительных искусств, Московского музея современного искусства, Научно-исследовательского музея РАХ, Государственного музея изобразительных искусств Татарстана, частных коллекций.

В «круг Петрова-Водкина» входили в разные годы Павел Голубятников, Израиль Лизак, Алексей Пахомов, Александр Самохвалов, Леонид Чупятов, многие другие мастера – его ученики, единомышленники, последователи, подражатели. Все они оставили значительный след в истории российского искусства, хотя творческие судьбы у многих из них сложились трагически, и долгие десятилетия их работы не были известны широкому кругу зрителей, нередко о них знали только отдельные специалисты. На выставке в Корпусе Бенуа можно увидеть десятки работ, впервые представленных любителям искусства. Среди имен художников есть малознакомые или и совершенно неизвестные публике имена.

-Наконец пришло время обратиться к Петрову-Водкину, с которого начиналось такое искусство XX столетия, которое в разное время называли формализмом, - сказала на открытии выставки Евгения Петрова, заместитель директора ГРМ по научной работе. – Трудами многих людей – в первую очередь, собирателей, коллекционеров, проявивших свою любовь к искусству не только привязанностью к нескольким громким именам, здесь собраны работы художников, имена которых вы впервые услышите на этой выставке, произведения, которые вы наверняка не видели и увидите впервые.

С начала XX века Кузьма Петров-Водкин стал активно заниматься преподаванием: в 1910 году лев Бакст привел его в качестве педагога на замену себе в школу Елизаветы Званцевой. Новый преподаватель быстро завоевал симпатии и популярность среди молодых художников, оброс широким кругом последователей и, фактически, создал собственную школу живописи, отличавшуюся выразительной и оригинальной стилистикой.

«Званцевцы» составили основной, самый близкий и обширный круг единомышленников Петрова-Водкина, они и сами оказывали немалое влияние на творческое развитие мастера. На выставке в ГРМ представлены работы Фавсты Шихмановой, Магды Нахман, Владимира Дмитриева, Бориса Эрбштейна, Леонида Чупятова, Надежды Лермонтовой, Раисы Котович-Борисяк – большую часть этих работ зрители увидят впервые. С 1918 года Петров-Водкин преподавал в Петроградских государственных свободных художественно-учебных мастерских (ПГСХУУМ), и здесь вокруг него тоже собрался круг учеников и последователей – Александр Лаппо-Данилевский, Петр Акиншин, Павел Голубятников, Бенита Эссен, Александр Самохвалов, Николай Ионин, Лев Британишский и многие другие. Система обучения, разработанная Петровым-Водкиным была в начале 20-х годов фактически единственной отработанной и отрефлексированной учебной системой, ее влияние на свое творчество отмечали даже те студенты, будущие художники, которые не входили в число его официальных учеников.

-Все любят Петрова-Водкина, что такое его школа – всем более-менее понятно – это трехцветная гамма, работа в монохроме и прочие детали, - говорит Александр Боровский, заведующий Отделом новейших течений ГРМ. – А вот круг – нам самим надо было отрефлексировать это понятие. Это даже гораздо интереснее – переклички, диалог, обращение к каким-то серьезным тематическим аспектам, взаимное влияние художников друг на друга.

Организаторы и кураторы постарались отразить на выставке основные аспекты этого понятия – круг Петрова-Водкина. Во-первых, здесь широко представлены работы первого круга учеников мастера, тех самых званцевцев, которые оказались самыми творчески вольными и независимыми, но очень близкими по духу, колориту и философии своего учителя. Впервые зрители увидят работы Магды Нахман, как и некоторые из картин Надежды Лермонтовой – она не была непосредственной ученицей Петрова-Водкина, но много работала рядом с ним. Холодный, даже жесткий колорит работ Фавсты Шихмановой, сомнамбулические фигуры Евгении Благовещенской, фантасмагорические работы Леонида Чупятова, наполненные трагическим смыслом картины Алексея Зернова. Его работы, как и натюрморты Михаила Вербова, художника, упоминаемого во многих мемуарах, но почти не оставившего материальных следов своей творческой жизни, впервые представлены широкой публике.

-Круг, на мой взгляд, это определенные общие для мастеров художественные ходы, цветопонимание, мифология, - говорит Александр Боровский. – Это особенно видно в работах Зернова, Чупятова, Благовещенской: сомнамбулическая погруженность персонажей в свой мир, полное отсутствие контакта с советской реальностью, простые процессы типа ловли рыбы – это библейские мотивы, уход от назойливых идеологических штампов того времени. Поэтому их работы никуда не брали, поэтому часть из них сломалась, поэтому эти имена до сих пор остаются в неизвестности.

На выставке в ГРМ представлены и работы самого Петрова-Водкина. Который и сам, несмотря на присвоенное ему в 1930 году звание заслуженного деятеля искусств РСФСР, не был избалован персональными выставками. Первая состоялась в 1936 году в Москве и Ленинграде, и была посвящена 30-летию его творческой деятельности. Но на ней, к сожалению, не были показаны многие этапные работы мастера – эскизы к спектаклям, полотна разных периодов творчества, такие, как «Купанье красного коня», «У гроба В. И. Ленина», «Работница» и «Материнство». В 1966 году Русский музей открыл вторую персональную выставку Петрова-Водкина, которая представила все периоды его творчества.

Выставка «Круг Петрова-Водкина» продлится до 22 октября 2016 года.

Назад Далее

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)

От Индианы с любовью

.artuzel — Mon, 18 Apr 2016 12:46:33 +0000

В Мраморном дворце Русского музея открыта выставка классика американского поп-арта Роберта Индианы.

Выставка, названная совершенно предсказуемо и понятно – «В Россию с любовью» - открыта в четырех залах Мраморного дворца. Но начинается экспозиция буквально от дверей: на входе посетителей встречает LOVE-стена – вариант самой знаменитой композиции Роберта Индианы «LOVE». Именно она принесла поп-художнику всемирную известность и финансовое благополучие. Все работы приехали в Петербург из галереи Гмуржинской, где в 2007 году проходила большая ретроспективная выставка Индианы. Как рассказала на открытии Евгения Петрова, заместитель директора Русского музея, галерея Гмуржинской и познакомила сотрудников музея лично с художником. Что позволило им побывать в гостях у Роберта Индианы, живущего затворником на одном из островов в штате Мен. И в результате был создан документальный фильм о художнике и его нынешней жизни, который также демонстрируется на выставке в Петербурге.

-Мраморный дворец выбран для этого показа совсем не случайно, - говорит Иосиф Киблицкий, руководитель выставочного и издательского отделов РМ. – Это первая площадка для современного искусства, отвоеванная музеем у времени и города, здесь был открыт Музей Людвига, который передал нам свою коллекцию. Это и сегодня единственное музейное место не только в Петербурге, но в целом в стране, где в таком масштабе встречаются российское и мировое искусство.

На экспозиции в Мраморном дворце представлено 30 работ американского художника, созданных с 1959 по 2000 год. Это графика, живопись, а также две скульптурные работы – «ART» и «LOVE». Роберт Кларк (это его настоящее имя), один из патриархов современного американского искусства, родился в 1928 году в штате Индиана (по имени штата он потом и взял себе псевдоним). В 1954 году начинающий художник перебрался в Нью-Йорк, где присоединился к авангардному в те годы поп-арт движению, работает как художник-абстракционист. Но довольно быстро Кларк отходит от абстракции, которая занимала самую большую нишу в американском искусстве того времени. И обращается к минимализму, к эстетике графического знака, буквы, слова. Свою самую известную работу – изображение английского слова LOVE, напечатанное антиквой и шрифтом Times Roman с курсивной буквой «O», он создал в 1964 году по заказу Музея современного искусства (МоМА) в Нью-Йорке заказал художнику Роберту Индиана рождественскую открытку. На ней слово LOVE, набранное брусковой антиквой, шрифтом «Times» и разделенное на слоги, было собрано в виде двухэтажной комбинации. Открытка вышла огромным тиражом, а вскоре и само изображение слова «LOVE» было буквально растиражировано и превратилось в настоящую эмблему любви – появились многочисленные скульптурные изображения этого слова, его начертание вошло в состав многих знаков. В 1973 году почтовое ведомство США выпустило марку с его изображением. Сегодня LOVE можно купить в любой сувенирной лавке мира.

Кроме скульптуры LOVE в Русском музее выставлены графические и живописные работы Роберта Индианы разных лет и из различных серий – Бруклинский мост, работы из коллекции шелкографий Виналхейвен. В режиме нон-стоп в залах идет показ трех фильмов о жизни и творчестве Роберта Индианы.

-Это чудесный художник, и очень хорошо, когда во время всяких межгосударственных трений и недопониманий в Питере открываются такие замечательные выставки – в Эрмитаже Крэгг, у нас Индиана, - рассказал ArtУзлу искусствовед Александр Боровский, заведующий Отделом новейших течений РМ. – Выставка достойная: Индиана как бы и икона поп-арта, и не совсем, он крепко связан с движением кубореализма, возникшего в Америке еще в 20-е годы. Там тоже было много художников, которые делали буквы, наклейки, и тому подобное. Это кардинально отличалось от того, что делал Уорхолл и ему подобные художники. Индиана не стал, в отличие от Уорхолла и других, публичной фигурой поп-арта, он творит у себя на острове, независимо от всех. В его творчестве лигвосоставляющая оказалась сильной. И я рад, что российский зритель наконец-то увидит этого настоящего мастера поп-арта – ведь многие десятилетия у нас к этому художественному течению относились с юмором и иронией, а это одно из интереснейших направлений в современном искусстве.

По замыслу организаторов выставки Роберта Индианы, во дворе Мраморного дворца к концу выставки в начале июня может появиться очередная скульптура LOVE – только теперь уже на русском языке. Как рассказала Евгения Петрова, сейчас художник работает над тем, как скомпоновать пять букв русского слова «ЛЮБОВЬ» в скульптурный образ.

Назад Далее

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)

Цирк да и только

.artuzel — Tue, 22 Mar 2016 14:38:20 +0000

В Корпусе Бенуа Русского музея открылась выставка «Цирк» - самое масштабное воплощение этой темы в российском изобразительном искусстве XIX-XXI веков.

Более 400 произведений живописи, графики, скульптуры, предметов прикладного искусства, современных инсталляций из собрания Русского музея, Музея цирка Чинизелли, из частных коллекций и мастерских художников увидят посетители Корпуса Бенуа. Цирковое искусство во все времена вдохновляло художников всех эпох, и на выставке в Корпусе Бенуа можно увидеть работы, выполненные во всех стилях и направлениях, которые пережило изобразительное искусство за последние полтора века.

Выставку «Цирк» Русский музей готовил не один год, ее открытие, по разным обстоятельствам, откладывалось несколько раз. Но сейчас, как считают организаторы, все совпало наилучшим образом: после реконструкции и капитального ремонта вновь открылся цирк на Фонтанке (находящийся, кстати, на одной улице с Русским музеем – только цирк ближе к Фонтанке, а музей – с выходом на канал Грибоедова). Кроме того, недавно исполнилось 200 лет со дня рождения Гаэтано Чинизелли, основателя первого в России стационарного цирка, а сейчас, именно в эти дни в цирке гастролирует знаменитый клоун Олег Попов. И, конечно, очень важно, что в эти дни начинаются школьные каникулы.

На открытии выставки Евгения Петрова, заместитель директора Русского музея по научной работе, рассказала, что выставка, посвященная цирку, впервые открыта в залах музея. Это связано с обширностью темы, колоссальным разнообразием предметов искусства, посвященных цирку.

-Для нас главное целью было – передать тот искренний, неуемный восторг, который испытывают в цирке и дети, и взрослые, восторг, который переживают художники, обращаясь к теме цирка, - рассказала Евгения Петрова ArtУзлу. – Мы специально не выстраивали экспозицию по хронологии, можно сказать, что здесь все перемешано – старое, новое искусства, жанры, стили. И не выделяли шедевры, хотя есть и замечательные вещи, и выдающиеся имена.

Основной принцип построение экспозиции – жанры циркового искусства. Первый зал представляет собой нечто вроде циркового аванзала: в нем показаны работы, посвященные выступлениям бродячих жонглеров и акробатов, народному уличному театру, ярмарочным балаганам. Открывает выставку одна из старейших работ Русского музея, посвященных этой теме – «Акробаты (На празднике в окрестностях Парижа)» Виктора Васнецова, выполненная им с натуры в 1877 году. И, конечно, знаменитый шедевр Александра Яковлева и Василия Шухаева – их двойной автопортрет, на котором они изображены в костюмах Пьеро и Арлекина. Здесь же представлены работы Александра Бенуа и Сергея Судейкина на тему масленичных гуляний и уличных балаганов, картины Александра Шевченко и Ивана Пуни, посвященные уличным цирковым артистам. А чтобы попасть в следующий зал, нужно пройти через цирковой шатер-шапито, в котором выставлены предметы циркового реквизита – чемоданчики с секретами, котелки, в которых фокусники прятали зайцев и голубей, костюмы, головные уборы.

Один из залов посвящен клоунам, и здесь представлены работы мало известного у нас художника из Ташкента Романа Левицкого: он еще в советское время сделал целую серию рисунков с натуры всех выдающихся советских клоунов – от Юрия Никулина и Олега Попова до Генриха Ротмана и Анатолия Векшина. По ним были выпущены открытки, быстро ставшие редкостью среди филокартистов, но сами работы все эти десятилетия хранились в запасниках ведомственного музея – в Музее циркового искусства (в цирке на Фонтанке), попасть в который может далеко не любой человек с улицы. И выставка в Русском музее позволила впервые показать всю серию широкой публике.

Вообще эту выставку можно назвать настоящим открытием Музея циркового искусства для массового зрителя, из собрания которого в Корпусе Бенуа выставлено 124 работы. И не только для публики: открытием для искусствоведов стали работы Екатерины Звонцовой – большая серия графики – 300 работ – была сделана художницей на тему цирка и непосредственно в самом цирке. Она запечатлела репетиции акробатов, выступления дрессировщиков и гимнастов, и их никогда не выставляли в других музеях и на других выставках. Или работы Александра Семенова, который в 1925 году закончил курс в Академии художеств. Его дипломной работой стало полотно «За кулисами», представленное в Корпусе Бенуа. А еще зрители смогут увидеть уникальную его работу – «Люди морского дна» 1936 года. В этом году на арене Ленинградского цирка знаменитый ЭПРОН (экспедиция подводных работ особого назначения) демонстрировала советским гражданам работы водолазов. Прямо на арене каждый вечер устанавливался гигантский аквариум, в который погружалась небольшая подводная лодка. На дно спускались самые настоящие водолазы, а не артисты цирка, и в течение часа, на глазах публики, то есть, в режиме он-лайн, они исправляли неполадки в работе машины. Как рассказывают очевидцы, очереди из желающих попасть на такое необычное представление, растягивались до Манежной площади. Александр Семенов и запечатлел на своей картине это исторические цирковое представление.

-Мы как будто отправили свои экспонаты на гастроли, - говорит Екатерина Шаина, директор Музея циркового искусства. – Ведь у нас специфический посетитель – либо школьники, которых приводят классами, либо сами артисты. Здесь мы показываем то, что широкий зритель не видит в нашем музее, и очень надеемся, что специалисты-искусствоведы заинтересуются работами художников, которых они до сих пор знали очень мало, и чье творчество может стать предметов серьезных исследований.

Отдельные залы посвящены искусству воздушных акробатов и вольтижеров, эту тему великолепно раскрывают работы Константина Симуна (70-е годы), скульптура Владимира Издебского, известного художника, скульптора, журналиста и художественного критика, открывшего миру творчество Василия Кандинского.

И, конечно, какой же цирк без зверей! Работы Артура Фонвизина «В цирке», «Наездница» (30-е годы) рассказывают об искусстве вольтижировки, Орест Верейский с большой любовью изобразил слониху Ляльку на арене Ленинградского цирка («Юрий Дуров и слониха Лялька»). Галерею портретов животных представил Игорь Скоробогатов: на его портретах улыбаются не только знаменитые дрессировщики, но и их четвероногие коллеги – животные-артисты. А художник Сергей Бородкин представил в зале слона – правда, зрителю видна только половина белоснежного гиганта, но зато – практически в натуральную величину.

В оформлении последних залов приняли активное участие дизайнеры Вячеслава Полунина, художественного руководителя цирка на Фонтанке. Здесь можно увидеть документальные фильмы об артистах театра «Лицедеи» и о художниках, чьи работы представлены на выставке. Кстати, и сами артисты собираются в дни школьных каникул приходить в музейные залы, чтобы пообщаться с публикой – пошалить, поиграть и ответить на все вопросы о цирке.

Выставка открыта до 9 июня.

Текст и фото: Наталья Шкуренок

Русский музей (10),
Наталья Шкуренок (30)

Реализм живее всех живых

.artuzel — Mon, 23 Nov 2015 13:08:46 +0000

В корпусе Бенуа Русского музея открылась выставка «Россия. Реализм. XXI век».

Более 90 произведений в основном из собрания Русского музея, Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина, галерей Марины Гисич, «Триумф», «Таврическая 45», «Моховая 18», ART re.FLEX и частных коллекций представляют в аллах Русского музея различные пути развития реалистической традиции в творчестве современных российских художников. Работы, выполненные на грани академизма, фотореализма и других вариаций этого направления, появившихся в последние десятилетия представляют в основном молодые живописцы Петербурга и Москвы. Среди них – Алексей Беляев-Гинтовт, Илья Гапонов, Дмитрий Грецкий, Вадим Григорьев-Башун, Александр Дашевский, Фрол Иванов, Денис Ичитовкин, Таисия Короткова, Кирилл Котешов, Ольга Оснач, Павел Отдельнов, Екатерина и Игорь Пестовы, Владимир Потапов, Виталий Пушницкий, Керим Рагимов, Хамид Савкуев, Виктор Сафонкин, Мария Сафронова, Михаил Хазин, Петр Швецов и многие другие. Выставка организована при поддержке ОАО «НОВАТЭК».

Понятие «реализм» в сознании россиян надолго и прочно сплавлен с определением «социалистический», а соцреализм для большинства – это официально признанное, идеологически выверенное искусство советского времени. В противовес официозу во внеидеологическом секторе советской жизни, в котором многие десятилетия существовало и развивалось новое искусство, выработалось стойкое неприятие не только соцреализма, но и реализма вообще. Существовавшие в «подполье» художники-неформалы на свой манер осваивали все направления и достижения мировой художественной жизни, предпочитая фигуративной живописи абстракцию. Советский, российский зритель современному искусству предпочитал старых мастеров, публика гуляла по залам традиционных художественных музеев, не испытывая интереса к творчеству современников. Называвшие себя гиперреалистами молодые художники 1970-80-х годов пытались повернуть изобразительное искусство к современной жизни, создавая работы с использованием фотостилистики, но массовый интерес зрителей не вернули даже чудеса и достижения фото-техники. А в годы перестройки идеи соцреализма растаяли, как снеговик под весенним солнцем.

Но реализм, его разновидности, непрожитый и неотрефлексированный «социалистический комплекс» создали плодотворную почву для развития новых направлений в современном искусстве. Что широко представлено на выставке в Корпусе Бенуа. Художники, чьи работы можно увидеть в залах, не принадлежат к какому-либо одному объединению, они не все даже знакомы друг с другом, но именно обращение к реализму как к средству выражения их объединяет. И оказывается, что и сегодня реализм чрезвычайно актуален и для современных живописцев, и для мастеров советского прошлого. Социалистический реализм, над которым еще недавно смеялись представители соц-арта, становится предметом серьезного художественного диалога, например, для Ильи Гапонова и Кирилла Котешова. Их шахтеры написаны с размахом и монументальностью советского времени, когда рабочего, героя труда, возводили на пьедестал и делали главным персонажем произведений соцреализма. В своей живописи эти художники используют необычный материал – кузбасслак: каменноугольная смола, которую применяют для защиты металлов от коррозии, и которая на полотне вступает в диалог с сюжетом и его героями.

Переосмыслением советского периода в своих работах занимается и Таисия Короткова в серии картин «Нулевые люди», «Прощание», «Закрытая Россия»: интерьеры Института теоретической и экспериментальной физики завалены сложными конструкциями, опутаны проводами, там нет места человеку. Невозможно представить, что люди могут жить в спальных районах, ездить в машинах по дорогам, изображенным на картинах Павла Отдельнова, Александра Дашевского. Как будто мир предметов, созданных человеком, существует отдельно, параллельно, этот мир живет своей жизнью, и сам разрушается, без участия людей.

Реалистичен, но пуст мир в работах Дениса Ичитовкина («На кухне», «Место для курения (Старый пионер)». Это до боли знакомые кухни и коридоры старых квартир, «места для курения». Но жизнь смотрится как бы со стороны, обитатели этих квартир – зрители в кинотеатре, рассматривающие свое жилье на холодном экране. Полотно картины заполнено реалистически выписанными, точно переданными и знакомыми деталями быта, но живой человек там немыслим, не представим.

Художник Керим Рагимов уже несколько лет работает над масштабным циклом «Человеческий проект»: он создает новые и новые многократно увеличенные живописные реплики фотографий из популярной прессы, в которых знаменитые и безвестные герои получают шанс продлить минуту славы. Но при этом они – не реальные люди, а лишь «винтики», порядковые номера – «Эпизод 48», «Эпизод 49». Лишены индивидуальности – хотя и имеют личные имена – персонажи картин проекта «Terracotta Warriors» Дмитрия Грецкого и Евгении Кац. На огромных, более 4 метров в высоту полотна, фигуры как будто исчезают из поля зрения, превращаясь в невидимых солдат, чье предназначение в одном – в службе своему императору.

Нет жизни и на наполненных светом, красками и… жизнью полотнах семейного и творческого дуэта Екатерины и Игоря Пестовых. Работы выполнены в безупречной традиционной технике масляной живописи, напоминают о богатейшей живописной традиции, знакомой нам по работам фламандцев, по картинам художников «Бубнового валета» - мясные и рыбные лавки, натюрморты с дичью и фруктами… Но эта квази-жизнь мертвее натюрморта, она пугает мертвечиной, выписанной ярко, рельефно, реалистично.

А люди? Люди превратились в человечков на картинах Марии Сафоновой, в неразборчивые буковки авторского алфавита Виктора Сафонкина, они артеры, «винтики» этой жизни – как и полагается по канонам реализма.

Текст: Наталья Шкуренок

Фото: предоставлены музеем и Натальей Шкуренок

Назад Далее

Наталья Шкуренок (30),
Русский музей (10)