Notre groupe de 31 provençaux a profité d’un temps radieux pendant toute notre semaine à Venise. Malgré les trajets en Vaporetto, souvent bondé, nos jambes ont été mises à contribution avec une moyenne de 11 km par jour. Mais quelles récompenses!
Notre conférence de la rentrée nous permettra de revenir sur certaines démarches et surtout de partager nos découvertes avec ceux qui n’étaient pas avec nous.

Intervenante : Agnès Ghenassia

La soixante-et-unième Biennale de Venise devait être placée sous le commissariat de Koyo Kouoh (1967-2025), directrice du plus grand musée d’art contemporain d’Afrique, le Zeitz MOCAA au Cap.

Née à Douala, au Cameroun, elle avait grandi à Zurich avec ses parents, mais c’est en Afrique qu’elle s’est imposée dans le domaine de l’art en organisant de nombreuses rencontres artistiques. Décédée à 57 ans en mai 2025, elle avait désigné une équipe qui a pu mettre en œuvre ses intentions et ses choix autour du titre In Minor Keys (En tonalités mineures). Ce terme désigne en musique la structure d’un morceau et ses effets émotionnels. Son idée, loin des ténors de la scène artistique, était d’écouter ce que le monde murmure plutôt que ce qui hurle, afin de proposer une expérience sensorielle, méditative et humaine.
Elle citait volontiers James Baldwin : « Certains souhaitent coloniser la Lune, d’autres dansent devant elle comme devant une amie ancestrale. » De même, pour Toni Morrison, «  c’est dans les mythes que se trouvent nos germes  » : il n’est pas possible de se focaliser constamment sur la crise, il faut de l’amour, il faut de la magie, car c’est aussi cela, la vie. Cette recherche d’apaisement n’a pourtant pas empêché les tensions géopolitiques lors des journées d’ouverture à la presse.

Manifestation des Pussy Riot devant le pavillon russe
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Des manifestations, notamment portées par le collectif Pussy Riot devant le pavillon russe et d’autres rassemblements devant le pavillon israélien, se sont opposées aux contextes de conflits internationaux.
Ces querelles ont pris fin dès l’ouverture au grand public, entraînant cependant quelques conséquences. Le jury, qui décerne traditionnellement les prix pendant les premiers jours, a démissionné ; il a donc été décidé que les prix du public seraient attribués à la fin de la Biennale, le 22 novembre. Autre conséquence : la Commission européenne, par le biais de l’Agence exécutive européenne pour l’éducation et la culture, a suspendu sa subvention de deux millions d’euros jusque-là versée à la fondation qui gère l’événement. Pour autant, le ministre de la Culture italien a finalement obtenu la fermeture au public du pavillon russe.
L’entrée dans les Giardini comme dans l’Arsenal permettait de méditer sur l’actualité politique.

À l’entrée des Giardini, on découvrait le cerf en origami (Origami Deer) de Zhanna Kadyrova, une sculpture réalisée en 2019 en béton.

Zhanna Kadyrova cerf en origami
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Elle était initialement installée comme une œuvre permanente dans un parc de Pokrovsk, une ville de la région de Donetsk dans l’est de l’Ukraine, sur le piedestal qui soutenait un ancien avion soviétique (à capacité nucléaire) démantelé. En août 2024, lorsque la population civile a évacué Pokrovsk, l’artiste et son équipe ont démonté l’œuvre pour la mettre en lieu sûr. En prévision de la Biennale, le cerf a ensuite entamé un grand déplacement vers Venise en traversant Varsovie, Vienne, Prague, Berlin, Bruxelles et Paris : une invitation à réfléchir à la fragilité de la paix et à la résilience du peuple ukrainien.
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À l’entrée de l’Arsenal, sur une bande de tissu, était imprimé le poème de Refaat Alareer : « Si je dois mourir, vous devez vivre pour raconter mon histoire … », composé quelques semaines avant que le poète palestinien et sa famille ne soient tués par une frappe aérienne en 2023.

Poéme de Refaat Alareer Conference of one’s self 2026 40 × 2,8 mètres
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Au-dessus est suspendue une peinture d’Issa Samb, artiste sénégalais emblématique pour qui l’art se veut un moyen de transmission entre les générations.

Aussitôt après, le visiteur est enveloppé dans une toile de 40 mètres de long installée en cercle, sur laquelle sont projetées des images en négatif de visages au sein d’une foule. C’est une œuvre de Khaled Sabsabi (né en 1965 au Liban, qui vit en Australie), qui suggère la puissance du groupe et du collectif.

Khaled Sabsabi Conference of one’s self 40 × 2,8 mètres Matériaux utilisés : Installation multimédia immersive combinant une peinture acrylique sur toile, une structure en acier, une installation vidéo HD à 8 canaux avec audio (durée de 64 minutes)
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Pour guider la visite, le choix s’est porté sur une sélection d’œuvres et de démarches présentées par domaines d’objectifs : Documenter le présent, perpétuer les croyances ancestrales, ou encore se souvenir de la nature etc.

1 – Documenter le présent

L’œuvre la plus radicale s’intitule The End of the World (La Fin du monde).

L’artiste derrière cette installation n’est autre qu’Alfredo Jaar (né en 1956 au Chili, qui vit et travaille à New York). Il a réalisé une oeuvre parmi les plus radicales de clles représentées.

Alfredo Jaar The End of the World 2026
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Nous pénétrons dans une longue salle entièrement rouge jusqu’à une table (un autel) sur laquelle est posé un cube de 4 cm de côté. À l’intérieur sont comprimés du cobalt, du cuivre, de l’étain, du nickel, du lithium, du manganèse, du coltan, du germanium et du platine, tous essentiels aux technologies au cœur de la transition écologique et des conflits armés. Chaque couche de ce cube se trouve au centre de tensions géopolitiques exacerbées dont les conséquences environnementales et humaines sont vertigineuses.
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Dans une salle sombre équipée de plusieurs écrans, une autre œuvre s’intitule Death Passed My Way and Stuck This Flower in My Mouth. C’est une installation vidéo à cinq canaux signée Éric Baudelaire (né en 1973 aux États-Unis, qui vit à Paris). L’artiste a emprunté son titre à un dialogue de Pirandello dans sa pièce L’Homme à la fleur à la bouche.
Le film se déroule dans l’immense entrepôt de fleurs d’Aalsmeer aux Pays-Bas, où transitent chaque matin des tonnes de fleurs d’Afrique et d’Amérique du Sud.

Eric Baudelaire Death Passed My Way and Stuck This Flower in My Mouth
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Évaluées et calibrées en vue de leur vente aux enchères, elles sont ensuite expédiées à travers le monde.

Eric Baudelaire Death Passed My Way and Stuck This Flower in My Mouth
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À l’écran, on voit des machines, des fleurs, des visages ; on ressent à quel point l’économie informatisée est une interface désincarnée. Et pourtant, l’humain résiste, incarné dans les portraits sensibles des employés.
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Joana Hadjithomas et Khalil Joreige (nés en 1969 au Liban) ont réalisé une vaste installation pour mettre en scène le récit de toutes les destructions et des ruines, reliant l’Antiquité à nos jours, de l’histoire du Liban au chantier de Notre-Dame de Paris. L’installation présente des carottages de fouilles et des débris de l’histoire, autant d’échantillons scientifiques tous référencés avec précision.

Joana Hadjithomas et Khalil Joreige Unconformities: What Lies Beneath Our Feet 2026
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Cette version inédite et immersive combine des tapisseries, des sculptures, des vidéos, ainsi que des dispositifs optiques comparables à des loupes permettant d’observer la matérialité de pièces archéologiques et les sédiments terrestres.

Joana Hadjithomas et Khalil Joreige Unconformities: What Lies Beneath Our Feet 2026
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À travers ces échantillons, Hadjithomas et Joreige s’opposent à la vision linéaire et lisse de l’Histoire. Une ville ne se construit pas simplement en empilant sagement des couches successives. Au contraire, le sol révèle des actions violentes, des ruptures, des déplacements de matière, des incendies et des reconstructions

Joana Hadjithomas et Khalil Joreige Unconformities: What Lies Beneath Our Feet 2026
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Joana Hadjithomas et Khalil Joreige Unconformities: What Lies Beneath Our Feet 2026
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En transformant la matière brute du sous-sol en une installation artistique monumentale et poétique, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige nous rappellent que les villes contemporaines marchent sur les fantômes de leur propre passé.
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C’est un propos analogue qu’exprime Dawn DeDeaux (née en 1961 à Liberty, dans l’État de New York). Elle présente notamment un fragment de météorite posé sur un bureau. Ce qui l’a inspiré c’est la catastrophe causée par l’ouragan Katrina en 2005.

Dawn DeDeaux Meteor Study Desk (2024-2026)
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Dans sa série Dust Bowl Table, des échantillons de sol provenant du monde entier sont présentés dans de simples bols en bois.

Dawn DeDeaux Dust Bowl Table
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Dans Watermark for Venice and New Orleans, les niveaux d’inondation (à Venise et à la Nouvelle Orléans) sont indiqués par des images numériques incrustées dans de hautes plaques acryliques.

Dawn DeDeaux Watermarkers for Venice and New Orleans (2006/2026)
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À côté, des silhouettes représentent les vaincus : ces hommes en combinaison de protection, sur le point de disparaître, se dématérialisent peu à peu à l’image.

Dawn DeDeaux Les témoins 243 x 365 cm dessin numérique de haute qualité (tirage jet d’encre d’archive) imprimé et contrecollé sur un panneau de Dibond
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Les quatre artistes que nous venons d’évoquer amènent à réfléchir au présent à l’échelle mondiale. D’autres nous font partager un présent plus singulier.

Par exemple, Yo-E-Ryou, artiste coréenne, a observé sur l’île de Jeju les Haenyeo, ces femmes qui plongent à dix mètres de profondeur sans assistance respiratoire pour pêcher.

Yo-E-Ryou Les femmes plongeuses se reposent
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Pour sa performance Breath Orchestra, elle a filmé de jeunes filles qui s’entraînent à retenir leur respiration.

Yo-E-Ryou Breath Orchestra
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L’œuvre invite ainsi les visiteurs à s’immerger dans une perception sensorielle et profonde, axée sur l’écoute du souffle et du silence.
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Kambui Olujimi (né en 1976 à New York) est fasciné par le cosmos et les étoiles. En 2022, grâce à une bourse, il a offert à sept créatifs issus comme lui de la diaspora africaine une expérience de vol en apesanteur de 8 mn. L’expérience vécue de ces corps libérés de la gravité a donné naissance à sa série de peintures North Star, réalisées à l’encre de couleur, à l’aquarelle et à l’or sur papier. C’est pour lui le souvenir d’une expérience vécue. Métaphoriquement, ce sont des corps sans pesanteur, affranchis de toutes les oppressions.

Kambui Olujimi aquarelle, encre et graphite sur papier
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Kambui Olujimi aquarelle, encre et graphite sur papier
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Kambui Olujimi aquarelle, encre et graphite sur papier
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Kambui Olujimi aquarelle, encre et graphite sur papier
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Yohannes Phokela (né en Afrique du Sud) détourne l’histoire de l’art européen avec une palette de bleus et de blancs. Ces teintes évoquent la porcelaine chinoise et japonaise jadis importée par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, pour parler des désordres et de la violence en Afrique. Dans une série de peintures, il ironise sur les vertus vantées par la chrétienté occidentale, à la manière de Bosch et Brueghel en leur temps.

Yohannes Phokela série
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Yohannes Phokela Prudentia (2024) 80 x 100 cm huile sur toile
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Il interroge qui définit la moralité, qui la performe et qui en tire profit. La « prudence » devient ici une forme de stratégie de survie ou d’hypocrisie

Yohannes Phokela Fortitudo (La Force) (2024) 80 x 100 cm huile sur toile
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À travers cette scène chaotique, l’artiste commente la façon dont les puissances impériales et coloniales ont historiquement déguisé l’agression militaire, la guerre et la domination sous les traits de la « vertu » et du devoir moral.
Dans une œuvre de grand format, il reprend la composition de Rubens dans La Chute des damnés et, à la place du Christ, met en évidence une femme noire enceinte qui incarne l’avenir.

Yohannes Phokela Mela Caramellata appiccicosa assediata dallo scioglimento del Gelato (Pomme d’amour collante assiégée par la fonte de la glace) 220 × 160 cm
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La femme noire enceinte sur le globe incarne ici le commencement, la résilience et la perpétuation de la vie. Elle est la seule à se tenir droite et souveraine.
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Kaloki Nyamai (né en 1985 au Kenya) est un peintre qui puise son inspiration dans le quotidien de Nairobi, la capitale où il a grandi et où il vit. Élevé au son des récits de sa grand-mère sur le peuple Kamba, l’artiste représente ses sujets dans des situations triviales mais sur de très grands formats. Le support hybride mêle de la corde de sisal, des transferts photographiques et des fils de caoutchouc brûlés, de sorte que les figures peintes à l’acrylique apparaissent comme des images de mémoire émergeant d’un contexte violent. Entre beauté et brutalité.

Kaloki Nyamai Kana Kakwa 400 x 250 cm toile de lin peintures végétales acrylique matériaux divers
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Détail de la peinture

Kaloki Nyamai Kwata Kau, Ithyonze nitwavika vaa 400 x 250 cm toile de lin peintures végétales acrylique matériaux divers
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Voir les oeuvres dans leur contexte>

Billie Zangewa (née en 1973 au Malawi, elle vit en Afrique du Sud et à Londres) qualifie son travail de « féminisme quotidien ». Elle réalise de complexes collages texturés, cousus et brodés à partir de fragments de soie brute. Les scènes quotidiennes qu’elle donne à voir évoquent ainsi à la fois la beauté domestique et une certaine vulnérabilité des corps.

Billie Zangewa A Matter of Perspective (Une question de perspective) 2026 110 x 170 cm La soie brute de récupération fil à coudre colorants textiles

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Billie Zangewa A Stable Hand (Une main stable) 2026 110 x 140 cm assemblage minutieux de chutes de soie brute de récupération (raw silk offcuts) teintes et imprimées, entièrement assemblées, superposées et brodées à la main avec du fil à coudre
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Biennale Arte 2026 – Billie Zangewa

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Leonilda González (1923-2017) avait fondé en Uruguay le Club de Grabado de Montevideo (Club de gravure) pour diffuser des milliers d’estampes auprès du peuple. Sa célèbre série Novias revolucionarias (Les Fiancées/Épouses révolutionnaires) mêle ironie et colère à travers des visages d’inspiration byzantine. Plus tard, ces gravures sur bois (xylographies) ont été lues comme de puissantes images d’opposition à la dictature militaire qui a sévi en Uruguay de 1973 à 1985.

Leonilda González Novia revolucionaria XI 1969, 88 x 43 cm Xilographie (gravure sur bois) imprimée sur papier
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Elles ont toutes des visages d’inspiration byzantine avec des yeux allongés.

Leonilda González Novias revolucionarias I 1968, 61 x 71 cm Xilographie (gravure sur bois) imprimée sur papier
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Leonilda González Novias revolucionarias III 1969 50 x 70 cm Xilographie (gravure sur bois) imprimée sur papier
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Autres oeuvres de la série Novias revolucionarias
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Kader Attia (né en 1970 à Dugny vit entre Paris et Berlin) sillonne le monde depuis plusieurs années à la rencontre de cultures différentes. Il prend le temps d’écouter et de filmer ceux qui appréhendent le réel autrement pour tenter de les comprendre. Son installation labyrinthique, intitulée Murmure de traces, fait évoluer le visiteur entre des cordes recouvertes de fragments de miroirs. On y découvre notamment les propos d’un chaman vietnamien selon lequel les virus informatiques sont des entités spirituelles cherchant à contrecarrer la domination humaine.

Kader Attia Murmure de traces
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L’intelligence artificielle y est perçue comme un génie potentiellement démoniaque. Des récipients en filet remplis d’herbes sèches semblent indiquer que les esprits de l’Amazonie ont infiltré les technologies audiovisuelles.

Kader Attia Murmure de traces
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Kader Attia Murmure de traces
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2 – Perpétuer les cultures animistes

Demond Melancon (dit Big Chief), né en 1978 à La Nouvelle-Orléans, a été particulièrement remarqué. Grand chef de la tribu des Young Seminole Hunters, il est une figure centrale de la culture des « Black Masking Indians » de La Nouvelle-Orléans. Il perpétue une tradition issue de pratiques cérémonielles apportées par les Africains réduits en esclavage aux États-Unis. Pour cela, il fabrique lui-même, avec son épouse Alicia, des costumes de cérémonie à base de tissus brodés, de plumes d’autruche et de perles.

Demond Melancon Amistad Takeover
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Lors de l’ouverture de la Biennale, il a défilé en costume au rythme de tambourins, chantant sa prière aux ancêtres. Cette visibilité à la Biennale met fin à des années de vaches maigres : « Couler du béton, cuire des homards… Si vous saviez le nombre de métiers que j’ai exercés pour pouvoir financer mon art ! » La galerie Mariane Ibrahim a désormais décidé de le représenter et de financer son travail.

Demond Melancon Amistad Takeover
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Biennale Arte 2026 – Big Chief Demond Melancon

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Guadalupe Maravilla, né en 1976 au Salvador, vit à New York depuis 1980. Il intitule ses sculptures Disease Throwers (Porteurs de maladies). Ce sont de grands trônes magiques depuis lesquels la guérison peut advenir en s’y asseyant. L’artiste les a imaginés après avoir lui-même traversé l’épreuve d’un cancer.

Guadalupe Maravilla Disease Throwers #2 200 cm de haut
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Guadalupe Maravilla Disease Throwers #3 200 cm de haut
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Ebony G. Patterson, née en 1981 à la Jamaïque, vit aux États-Unis où elle enseigne. Ses assemblages s’inspirent du folklore et des mythes jamaïcains, mais se composent d’objets bien réels issus des déchets de la société de consommation dans les pays du Sud : plumages, tapisseries, dentelles, pompons, perles, plantes en verre, coquillages, feuilles d’or et paillettes.

Ebony G. Patterson when the land is in plumage 2020
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Paon avec des perles blanches qui semble émerger d’un environnement assez kitch.
Voir un détail : Pattes de la poule

Accumulation de 1 000 gants en dentelle rouge sang, moulés dans lesquels étaient logés des éléments noirs un peu inquiétants.

Ebony G. Patterson …fester… (2023)
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Ebony G. Patterson utilise la métaphore du jardin non pas comme un espace de calme, mais comme un témoin de l’histoire. Elle aime répéter que « les mauvaises herbes finissent par nous emporter tous ». Détail des mains.

Ebony G. Patterson …fester… (2023)
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Derrière se trouvait une accumulation dense et compacte de tissus de tapisserie Jacquard chamarrés, de dentelles, de franges et de passementeries. Au milieu de cette profusion textile colorée, on distingue deux colonnes vertébrales d’animaux dorées à la feuille d’or.
Voir d’autres oeuvres de Ebony G. Patterson.
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Daniel Lind-Ramos, né en 1953 à Porto Rico. Il construit, avec des objets trouvés ou donnés dans les rues de Loíza après un ouragan, de grands assemblages qu’il désigne comme des sentinelles veillant sur les terres et les hommes.

Daniel Lind-Ramos Talegas de la memoria (Sacs de la mémoire), 2023-2024
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Daniel Lind-Ramos Talegas de la memoria (Sacs de la mémoire), 2023-2024
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Daniel Lind-Ramos Talegas de la memoria (Sacs de la mémoire), 2023-2024
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Edouard Duval-Carrié, né en 1954 en Haïti, vit à Miami. Après le coup d’État militaire de 1991, des milliers d’Haïtiens ont fui leur pays. L’artiste, témoin de cet exode, s’est dit que ce qu’ils emportaient avec eux, c’étaient les esprits, les « Iwas » au cœur du vaudou haïtien.

Edouard Duval-Carrié
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Un panthéon de divinités Vaudou (Les Iwas) : Au premier plan, la série de trois bustes sculptés en bronze représente un ensemble de divinités du panthéon vaudou haïtien (les Lwas). À travers ces figures aux traits solennels l’artiste cherche à matérialiser la force intérieure, la résilience et la dignité spirituelle de la culture haïtienne

Edouard Duval-Carrié
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Elle montre une divinité (Ezili) en robe rose ornée de crânes, juxtaposée à la silhouette rigide d’un Marine américain armé sur un navire. Ce contraste frappant illustre directement l’histoire moderne d’Haïti : la présence militaire étrangère, le coup d’État de 1991 et l’exode forcé de milliers de réfugiés traversant les Caraïbes.

Edouard Duval-Carrié Poto Mitan
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Le Poto Mitan est considéré comme l’axe cosmique reliant le monde des humains à celui des esprits (les Iwas). C’est par ce canal vertical que les divinités descendent sur Terre pendant les rituels et les cérémonies.
Si, de loin, elle paraissait être en verre, elle était en réalité entièrement gainée de fils électriques bleus auxquels étaient accrochés des symboles vaudous et des bateaux.
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Werewere Liking, née en 1950 au Cameroun, vit en Côte d’Ivoire. Artiste autodidacte, elle est aussi chanteuse, écrivaine et metteuse en scène. Elle s’intéresse aux traditions orales panafricaines et aux rituels de son peuple d’origine, les Bassas. Ses peintures montrent des paysages urbains qui se métamorphosent en prenant des formes animalières, créant des êtres changeants.

Werewere Liking 2008
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Univers onirique et symbolique de l’artiste, mettant en scène des figures rituelles et cosmologiques africaines.

Werewere Liking 2011 100 x 136 cm Technique mixte sur toile
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Voir d’autres peintures de Werewere Liking.

On retrouve la même fantaisie dans ses sculptures-lampes qu’elle réalise en bois peint et qu’elle appelle des « nids de lumière ».

Werewere Liking Généalogies de lumières 2023, 55 x 45 x 30 cm éléments sculptés en bois peint, matériaux de récupération des gaines tubulaires colorées
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Elle intègre le concept de lumière spirituelle dans ses objets rituels

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Werewere Liking Généalogies de lumières 2023, 170 x 70 x 60 éléments sculptés en bois peint, matériaux de récupération des gaines tubulaires colorées
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Rajni Perera et Marigold Santos, nées respectivement au Sri Lanka et à Manille, vivent au Canada. Elles ont créé un étrange humanoïde féminin allongé à plat ventre dans un jardin fleuri, le buste relevé et la tête cachée derrière un masque à la langue fourchue. Ses jambes sont curieusement détachées de son corps et la nature semble vouloir l’envahir. Elle porte une fleur noire au bout des seins. Les deux artistes, déjà exposées au MAC de Lyon, s’inspirent avec fantaisie des cultures matriarcales du Sri Lanka et des Philippines.

Rajni Perera et Marigold Santos Efflorescence / The Way We Wake 2023
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Tabita Rezaire, franco-guyano-danoise, née en 1989 à Paris, vit à Cayenne. Omo Elu se compose de 7 panneaux teints à l’indigo représentant la déesse océanique yoruba Yemaya. C’est une pratique dévotionnelle liée à une relation maternelle avec la planète, (que l’on retrouve au sol au centre).

Tabita Rezaire Omo Elu, 2024 7 Panneaux de coton teints à l’indigo, calebasses, eau. Chaque textile: 140 × 200 cm
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Elle réalise aussi, à la sortie de l’Arsenal, des tapisseries, déjà exposées au MoMA, au Centre Pompidou et à la Whitechapel Gallery, qui montrent la Trinité mère de la forêt sacrée d’Amazonie. L’une bénit le jardin des plantes médicinales (la Terre mère),

Tabita Rezaire Mother sun 2023, 180 cm de diamètre Technique mixte sur textile, broderie de coton et fils de soie
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l’autre bénit le planétarium (la Lune mère)

Tabita Rezaire Mother moon 2023, 180 cm de diamètre Technique mixte sur textile, broderie de coton et fils de soie
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et la troisième bénit l’astronomie ancienne.

Tabita Rezaire Mother earth 2023, 180 cm de diamètre Technique mixte sur textile, broderie de coton et fils de soie
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Ranti Bam, née en 1982 au Nigeria, vit entre Paris et Lagos. Cette sculptrice puise son inspiration dans l’Ifa, un mot yoruba qui signifie à la fois « divination » et « attirer à soi ». Son œuvre montre l’argile animée par les esprits. Ses cinq sculptures sont des sortes de gardiens totémiques, des vases creux, des ventres maternels… C’est de l’argile noire façonnée à la main.

Ranti Bam Ifa Ile Oja – Black Ifa 2022 Chaque sculpture mesure environ 140 à 180 cm de hauteur argile noir façonné à la main
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Seyni Awa Camara (1945-2026), Sénégal. Elle avait participé en 1989 à la mythique exposition Les Magiciens de la terre. Héritière d’une longue lignée de potiers de Basse-Casamance, elle a créé un monde entre animal et humain, inspiré par ses expériences de vie : la maternité, la spiritualité, les croyances animistes et la foi musulmane.

Seyni Awa Camara maternités 2015-2025 terre cuite
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Seyni Awa Camara maternités 2015-2025 terre cuite
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Célia Vásquez Yui, née en 1960 au Pérou. Le Conseil des esprits, mère des animaux est une grande installation de sculptures zoomorphes en céramique, semblable à une réunion rituelle ou à un rassemblement. L’artiste appartient au peuple autochtone des Shipibos de l’Amazonie péruvienne et conçoit son rôle comme celui d’une chamane agissant sur la santé collective et environnementale. Ses créations utilisent des terres provenant de centaines de kilomètres le long du fleuve Ucayali, territoire ancestral revendiqué par son peuple, les Shipibos en tant que nation autochtone.

Célia Vásquez Yui
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L’œuvre fonctionne comme un tribunal ou un conseil spirituel où les esprits des animaux d’Amazonie

Célia Vásquez Yui
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3 – Se soucier de la nature

Otobong Nkanga, née en 1974 au Nigeria, vit à Anvers et au Nigeria. Elle a acquis une réputation internationale depuis quelques années. À l’entrée du pavillon central des Giardini, elle a habillé les colonnes avec des briques locales vénitiennes. Elle y a accroché des pots en céramique accueillant des plantes destinées à s’étendre rapidement, ainsi que des objets en verre de Murano dont les formes s’inspirent d’une courge d’Afrique de l’Ouest, évoquant les cœurs d’un organisme.

Otobong Nkanga Soft Offerings to Silenced Voices and to All Who Have Turned to Dust(Offrandes douces aux voix réduites au silence et à tous ceux qui sont retournés à la poussière)
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Uriel Orlow, né en 1973 en Suisse, vit entre Lisbonne et Londres. Pour Ghost Herbarium Ghost’s, il a photographié les contours laissés par les plantes pressées sur du papier. Cette évocation fantomatique est la trace de la sève, qui renvoient aux anciennes classifications coloniales et, en même temps, l’idée d’une extinction en cours de certaines plantes. Par ailleurs, il s’efforce de démontrer l’utilité du vétiver dans l’Himalaya pour stabiliser les pentes menacées par le réchauffement climatique.

Uriel Orlow Herbarium Ghost’s
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Uriel Orlow Herbarium Ghost’s
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Voir d’autres oeuvres de Herbarium Ghost’s
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Carolina Caycedo, née en 1978 à Londres de parents colombiens, vit entre Los Angeles et Porto Rico. Trois gaines de bois suspendues à des filets de jute font référence aux « trois sœurs », une technique agricole autochtone où le maïs, les haricots et les courges sont cultivés en interdépendance.Les formes volumineuses en bois polychrome insérées dans les filets évoquent de gigantesques graines ou semences végétales, ces graines géantes deviennent des symboles de résistance face à l’agro-industrie extractiviste et à la privatisation du vivant.

Carolina Caycedo Ñañay Kculli ~ S’oam Bawi Wenag ~ Kiik K’úum, 2024
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Par ailleurs, elle présente des tapisseries qui rendent hommage à des femmes préservant un savoir ancestral lié à la terre.

Carolina Caycedo When You Take From Mother Earth You Can Give Back By Sprinkling Tobacco (Ella)(Quand tu prends à la Terre Mère, tu peux donner en retour en parsemant du tabac) 2023 127 x 91 cm Tissage Jacquard, sergé de coton imprimé à l’acrylique
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Cette série de tapisseries rend un hommage vibrant aux femmes qui développent, protègent et transmettent les savoirs ancestraux liés à la terre et à la flore locale face à l’agro-industrie extractiviste.
Le titre fait référence à un rituel de réciprocité écologique et spirituel : lorsqu’on cueille une plante ou qu’on prend une ressource à la Terre, on offre en retour quelques pincées de tabac traditionnel pour la remercier, maintenant ainsi l’équilibre écosystémique.

Carolina Caycedo We Save Our Seed for the Following Season / Cada sorbo de café será una bendición para ti (Tinti)(Chaque gorgée de café sera une bénédiction pour toi) 2023, 101,6 × 152,4 cm Tissage Jacquard, sergé de coton imprimé à l’acrylique
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Le portrait met en lumière cette célèbre activiste environnementale portoricaine, cofondatrice de l’organisation communautaire Casa Pueblo. « Tinti » a mené une lutte historique et victorieuse contre l’exploitation de mines à ciel ouvert dans la région centrale de Porto Rico.

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Vera Tamari, née en 1944 à Jérusalem, vit à Ramallah en Palestine.

Vera Tamari Mantra 2019
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Mantra se compose de centaines de graines en rotation façonnées en argile, qui tournent sous une graine géante gonflable. L’œuvre illustre l’idée de la résilience des spécimens botaniques et de la capacité des graines à voyager à travers le monde.

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Bonnie Devine, née en 1952 au Canada, est membre de la Première Nation autochtone des Anishinaabeg. Dans un ensemble de peintures, elle met en évidence les effets de l’extraction de l’uranium et de la radioactivité sur les paysages.

Bonnie Devine Battle for the Woodlands, 2013-15 550 x 240 cm Peinture acrylique, graphite, fusain directement appliqués sur les murs
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Le point de départ de l’œuvre est une reproduction agrandie d’une carte historique du XIXe siècle du Haut et du Bas-Canada tracée par les colons britanniques. Sur cette grille géopolitique imposée qui effaçait les nations autochtones, l’artiste réimpose une cartographie vivante et spirituelle

Bonnie Devine Land in War (La Terre en guerre) 2024-2025,
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Ces paysages vibrants s’inspirent directement des récits de vétérans autochtones de la Seconde Guerre mondiale, et plus particulièrement des souvenirs du père de l’artiste.

Bonnie Devine Land in War (La Terre en guerre) 2024-2025, 182,9 × 121,9 cm huile sur toile
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Hala Schoukair, née en 1957 à Beyrouth. Enfant, sa mère l’a sensibilisée, pendant des promenades en forêt, au monde des feuilles, des fleurs et des insectes. Elle présente des dessins à l’encre finement rebrodés de perles, évoquant les miracles de la botanique, ainsi que de grandes toiles peintes à l’acrylique dont les formes fluides s’inspirent de la nature.

Hala Schoukair Mindless Thinking (2020-2024)
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Hala Schoukair sans titre 2022, 75 x 75 cm acrylique sur toile
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Elle traduit ici l’expérience de la lumière du soleil filtrant à travers le feuillage d’été, ou encore des gouttes d’eau glissant sur une vitre.
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Annalee Davis, née en 1963 à la Barbade, présente un journal de prière écologique, une série d’œuvres en lin entièrement réalisées à la main. Chaque pièce intègre des techniques d’applique, de broderie, de crochet et de teinture végétale. Les couleurs sont toutes issues de matières naturelles (curcuma, thé, oseille de Guinée) récoltées autour de chez elle, car elle vit et travaille dans une ancienne plantation. Ses broderies mettent en valeur les plantes locales reconnues pour leurs propriétés médicinales à la Barbade. Son carnet de prières est un acte de résistance poétique face aux crises écologiques actuelles. L’artiste est aussi enseignante et militante.

Annalee Davis
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En remplaçant les motifs floraux décoratifs traditionnels des traditions de couture britanniques par des éléments de la flore sauvage, locale et médicinale, Davis transforme un artisanat domestique d’effacement en de véritables « placards de protestation »

Annalee Davis
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Annalee Davis An Unbound Book of Prayer (Un livre de prières sans reliure), 2022-2024, 30,5 cm × 41,3 cm broderies crochet et teintures végétales
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Son carnet de prière est un acte de résistance poétique face aux crises écologiques actuelles.
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4 – Se souvenir du colonialisme

Bernie Searle (née en 1964 au Cap, Afrique du Sud) est une artiste et réalisatrice de renom. Elle présente un film tourné dans le somptueux hôtel de ville de Bruges, où l’on observe une silhouette drapée d’or (l’artiste elle-même) qui troque peu à peu son étoffe étincelante contre un voile de dentelle noire, au rythme d’une partition jouée par le carillon du beffroi.

Bernie Searle Interlaced (2011) Performance
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Ses mains recouvertes d’or évoquent avec force la brutalité de la colonisation belge au Congo, une époque tragique où l’on amputait les mains des travailleurs qui n’atteignaient pas les quotas de récolte de caoutchouc imposés par l’administration coloniale.
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Eustaquio Neves (né en 1956 au Brésil) est un photographe autodidacte qui manipule ses images directement en chambre noire. Sa série Cartas ao Mar (Lettres à la mer) réunit des portraits réalisés à Rio de Janeiro, principal lieu de débarquement des Africains réduits en esclavage. L’artiste y a superposé sept visages à des clichés de pierres tombales, imprimant le tout sur du papier vieilli pour lui donner l’aspect de documents d’archives oubliés.

Eustaquio Neves Boa Noite (Bonne nuit) issue de la série historique « Passaporte » (Passeport) 1997, 34,5 cm × 23,5 cm
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Cette œuvre prend la forme d’une pièce d’identité ou d’un document douanier altéré par le temps.

Eustaquio Neves Boa Noite (Bonne nuit) issue de la série historique « Passaporte » (Passeport) 1997, 34,5 cm × 23,5 cm
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Manuel Mathieu (né en 1986 à Haïti, qui vit entre le Canada et Paris) ravive la mémoire des souffrances historiques de son île natale. Ses œuvres portent des titres sombres et évocateurs comme Abondante sécheresse ou Génocide. Elles prennent la forme de peintures, de céramiques et de mosaïques aux textures torturées.

Manuel Mathieu
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Manuel Mathieu Apparition of a portrait (Apparition d’un portrait) 2024, 152,4 × 137,2 cm
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Il construit ses tableaux par une succession de couches de peinture qu’il vient ensuite gratter, mutiler ou arracher. Dans Apparition of a portrait, les formes biomorphiques aux teintes charnelles (rose, ocre, beige) s’entremêlent pour faire surgir une silhouette organique presque humaine, évoquant la fragilité des corps face aux traumatismes de l’histoire.

Manuel Mathieu Abundance and Drought 2024, 152,4 × 137,2 cm
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Il introduit la mosaïque de verre à grande échelle, voir un détail. Le titre Abundance and Drought résume parfaitement les tensions qui traversent l’histoire contemporaine d’Haïti et les crises mondiales.
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Buhlebezwe Siwani (née en 1987 en Afrique du Sud, qui vit et travaille entre Amsterdam et Le Cap) aborde la condition des femmes noires sous le prisme de l’apartheid et de l’histoire coloniale. Ses sculptures, Zanenkosi et Ilifa lakhe, sont façonnées en savon vert de la marque Sunlight, un produit ménager universellement associé aux foyers sud-africains modestes et un marqueur fort des inégalités sociales.

Buhlebezwe Siwani Zanenkosi et Ilifa lakhe, 2022 savon vert Sunlight Soap
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Dans son installation vidéo à cinq canaux intitulée Amagugu, elle met en scène six femmes noires nues parées de fleurs de protea et de strelitzia, manipulant de l’imphepho, un encens traditionnel utilisé en divination et en médecine rituelle. En jouant sur un clair-obscur prononcé, l’artiste réinvestit un paradigme de la peinture occidentale pour mieux subvertir et déconstruire l’imaginaire colonial et le regard historique posé sur le corps de la femme noire.

Buhlebezwe Siwani Amagugu
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Intervenant : Marc Isch-Wall

Cette conférence fait suite à la conférence du 12 mars 2025 Le classicisme et le modernisme, pluralisme esthétique en Italie (1922-1931).

Introduction : Les portraits du Duce, une illustration du pluralisme esthétique

Rien de tel que de passer en revue les différents portraits du Duce pour illustrer le pluralisme esthétique qu’a su maintenir le régime fasciste.

Le voici peint par Gerardo Dottori, un des maitres de l’aéropeinture futuriste. Dans ce paysage, la chemise noire se transforme en montagne, le visage se confond avec un aéronef dans ses différentes phases de vol. Dottori écrit que l’Aéropeinture a le mérite de « s’éloigner du misérable répertoire figuratif », claire allusion à la peinture d’Ardengo Soffici. Il s’oppose également aux « couleurs terreuses, bitumineuses et funèbres » du Novecento. Dottori prend soin de se rattacher au dynamisme pictural (1911) en réemployant le simultanéisme, une des notions élaborées par Umberto Boccioni.

Gerardo Dottori Portrait de Benito Mussolini, 1933 Milan Civiche Raccolte d’Arte
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La peinture d’histoire la plus académique par Giacomo Balla, l’ancien futuriste : La Marche sur Rome illustre son ralliement au fascisme.

Giacomo Bella La marche sur Rome 1931-33 Pinocotèque Agnelli
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Dans un style fidèle au Novecento, Mario Sironi (1932) conçoit un projet d’affiche pour l’exposition célébrant le dixième anniversaire de la révolution fasciste. Il y place les profils de Mussolini et celui de l’Italie personnifiée et couronnée d’une tour, les deux ne formant presqu’un seul visage.

Mario Sironi affiche pour l’exposition célébrant le dixième anniversaire de la révolution fasciste
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En 1937, Antonio Donghi, le paradigme du réalisme magique peint un portrait équestre du Duce-imperatore, qui rappelle la statue de Marc-Aurèle sur la place du Capitole.

Antonio Donghi Portrait équestre du Duce 1937 Collection particulière
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Le profil continu de Renato Bertelli est approuvé par Mussolini, breveté en juillet 1933 et largement diffusé dans divers matériaux.

Renato Bertelli Le profil continu 1933
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1 – L’ARCHITECTURE

La construction de bâtiments publics sert le régime pour souligner le rôle social qu’il souhaite s’attribuer, valoriser sa modernité face aux pays démocratiques réputés décadents, puis exalter la grandeur retrouvée de la Rome impériale. Les architectes vont s’affronter, parfois se partager un même programme.

Les revues Quadrante, Casabella, Domus.
Ces trois revues permettent de diffuser les idées architecturales et illustrent le pluralisme esthétique :
La revue Domus que dirige Gio Ponti s’intéresse principalement au mobilier et aux arts décoratifs italiens, mais fait connaitre un point de vue architectural proche du classicisme. Les artistes qui s’y raccrochent sont regroupés sous le vocable « Novecento ».

Revue Domus
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Quadrante est une revue d’art et de lettres, qui critique depuis 1931 le classicisme architectural. La revue cherche à concilier l’esprit moderne novateur et la politique du régime fasciste.

Revue Quadrante
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Revue Quadrante
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Elle traite beaucoup d’architecture, mais elle était ouverte aux débats littéraires et artistiques. Dans le domaine pictural, les deux dirigeants renient le réalisme magique du Novecento Italiano. Ils préconisent un rapprochement avec l’expressionisme européen (3).

L’architecte Giuseppe Pagano rejoint la revue Casabella en 1931. Il en fait un défenseur de l’architecture rationnelle. Comme Pietro Maria Bardi de la revue Quadrante, il identifie l’architecture rationnelle au fascisme italien. Tout autre architecture n’est pas fasciste. Vers 1936, sans toutefois renier ses idées, G. Pagano prend ses distances avec le parti et se met à douter de ce postulat.

Revue Casabella
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1.1 – L’architecture futuriste

Les deux principaux architectes n’ont réalisé que des architectures de papier : Sant’Elia meurt à la guerre à 28 ans, et Chiattone, qui s’établit dans le Tessin après la guerre, s’inspire de l’architecture vernaculaire.

Antonio Sant’Elia, Lacittà Nuova 1914
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Les « palazzi » delle poste d’Angiolo Mazzoni, lié personnellement à Marinetti, ne peuvent pas être considérées comme futuristes. C’est le cas de Palerme ;

Angiolo Mazzoni Palerme 1934
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Celui de Sabaudia le rapproche plutôt de l’architecture rationnelle, tandis que la polychromie et la vaste gamme de matériaux utilisés en font un des rares exemples d’architecture futuriste. 

Angiolo Mazzoni Sabaudia
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Aldo Andreani soumet en 1934-35, un projet destiné à la société d’assurances Toro. L’architecte s’inspire des dessins futuristes et des constructivistes russes. Les maîtres d’ouvrage ont préféré simplifier son projet et le confier à d’autres architectes. Cela reste du papier.

Aldo Andreani Palazzo del Toro (1934-35)
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Le futuristes ont réalisé de nombreux pavillons d’exposition qui ont tous disparu. Celui de la triennale de Milan en 1933, réalisé par Enrico Prampolini (2), prend la forme d’un terminal d’aéroport,

Enrico Prampoloni Terminal d’aéroport Tiennale de Milan 1933
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… avec une curieuse horloge à l’intérieur.

Enrico Prampoloni Terminal d’aéroport Tiennale de Milan 1933
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1.2 – L’architecture rationnelle

Sept architectes (Luigi Figini, Gino Pollini, Guido Frette, Sebastiano Larco Silva, Carlo Enrico Rava, Giuseppe Terragni et Ubaldo Castagnoli, remplacé plus tard par Adalberto Libera), décident de promouvoir les idées du Mouvement Moderne, incarné par Le Corbusier et Gropius. Ils tiennent compte également de la tradition classique de la Méditerranée. Ce compromis est le signe d’un engagement ambigu dans la modernité, mais exprime aussi une volonté de recherche et d’innovation. Ce collectif fondé à Milan en 1926 prend le nom de Gruppo 7. Il publie dans un manifeste : « La nouvelle architecture doit procéder d’une adhésion rigoureuse à la logique et la rationalité », d’où son nom.
Gruppo 7 propose des formes pures et simplifiées, correspondant aux exigences fonctionnelles, rejette l’ornement et la décoration. Il cherche à concilier tradition et « esprit nouveau », classicisme et fonctionnalisme. Gruppo 7 reprend à la tradition classique la structure géométrique, le rythme, la proportion, le raffinement des matériaux et certains détails architecturaux. Par-là, il se démarque du futurisme (2). Voici une villa en bord de mer par Ubaldo Castagnoli, un des fondateurs de Gruppo 7.

Ubaldo Castagnoli Villa au bord de la mer
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A noter que des dessins du futuriste Sant’Elia sont montrés à Weissenhof en 1927

Première exposition italienne d’architecture rationnelle

Gruppo 7 présente des plans et des maquettes à l’occasion de la « Première Exposition Italienne d’Architecture Rationnelle ».

Exposition italienne d’architecture rationnelle 1928
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Giuseppe Terragni, conçoit une maquette d’usine à gaz (1)

Giuseppe Terragni Usine à Gaz
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Mario Ridolfi présente un projet pour une Tour du Restaurant. Il essaie à nouveau de proposer son projet 40 ans plus tard.

Mario Ridolfi Projet opour une tour de restaurant
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Luigi Piccinato affiche une étude pour une église.

Luigi Piccinato Etude pour une église
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Aussitôt après cette exposition, Gruppo 7 participe à la fondation du MIAR (Mouvement italien pour l’architecture rationnelle).

Participation du MIAR à la 4ème exposition internationale des arts décoratifs et industriels à Monza en 1930

La Casa Elettrica est conçue par deux architectes de Gruppo 7. Ils reprennent 4 des 5 points de Le Corbusier : le plan libre, la structure en piliers en béton armé, la fenêtre bandeau et la façade libre. Le projet reçoit le soutien financier de la société italienne Edison. Les autres membres du groupe se répartissent l’aménagement des parties intérieures.

Luigi Figini et Gino Pollini Casa Elettrica 1930
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La modernité s’affiche également dans l’équipement électrique de la cuisine .

Casa electrica
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La Casa Elettrica est la 1ère réalisation du rationalisme italien, la seule architecture italienne sélectionnée pour l’exposition « The International Style » au Moma de New York, organisée par Philip Johnson et Henry Russel Hitchcock.

2e exposition Italienne d’architecture rationnelle

La 2ème exposition italienne d’architecture rationnelle est organisée par Pietro Maria Bardi, directeur de la Galleria d’Arte di Roma, où se tient l’exposition, et par ailleurs co-directeur de la revue Quadrante. Mussolini inaugure l’exposition et semble vouloir promouvoir l’architecture rationnelle.Mario Ridolfi expose quatre projets dont un bâtiment de 24 appartements.

Mario Ridolfi bâtiment de 24 appartements
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On le voit deux fois le projet dans le film. La 2ème fois Mussolini contemple le projet en discutant lui.

Mussolini semble promouvoir l’architecture rationnelle, mais les plus grosses commandes iront à l’architecture dite « classique, simplifiée et modernisée », que je vais présenter après l’architecture rationnelle.

La Vème Triennale ouvre ses portes en mai 1933

Vème Triennale 1933
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… dans le nouveau Palazzo dell’Arte, conçu par Giovanni Muzio. C’est un bon exemple de l’architecture novecentiste, « classique, simplifiée et modernisée » toujours à la recherche d’un certain monumentalisme. Cette exposition, qui se tenait jusqu’alors tous les deux ans à Monza, est habituellement dédiée aux arts appliqués. Elle se veut une confrontation de l’architecture européenne moderne au rationalisme italien, reconnu par le régime comme l’avant-garde technique et culturelle du pays.

Giovani Muzio Palazzo dell’arte (1930-1933)
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A cette occasion ont été construites dans le Parco Sempione 40 constructions temporaires à caractère expérimental conçues par des architectes rationalistes ; Giuseppe Terragni expose une maison d’artiste au bord d’un lac.

Giuseppe Terragni maison d’artiste au bord d’un lac
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L’atelier de l’artiste donne directement sur le lac à travers un mur entièrement en verre. Cet artiste pourrait être Mario Radice, qui travaillera avec G. Terragni. Le design du mobilier se rattache au mouvement rationaliste.

Giuseppe Terragni maison d’artiste au bord d’un lac
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Traces de pas dans le sable, empreintes digitales, moulages dentaires, autant de gestes familiers qui sont devenus dans l’art des gestes plus complexes qu’il n’y paraît. Ce savoir-faire immémorial survit dans des pratiques artistiques actuelles très variées qui toutes exploitent ce pouvoir paradoxal de l’empreinte, dire à la fois le contact et la perte, la présence et la disparition, la forme et la contre-forme.

Intervenante : Agnès Ghenassia

Faire une empreinte, c’est produire une marque par la pression d’un corps sur une surface. La ressemblance obtenue par contact est une ressemblance négative. Elle peut être bidimensionnelle ou volumétrique, en creux ou en relief. Ce jeu de contre-forme a fortement inspiré les artistes. Dans le champ lexical ouvert par l’empreinte apparaissent ainsi la trace, la matrice, le patron, le modèle, l’estampage ou encore le frottage.
Faire une empreinte est un geste archaïque, enfantin, ancestral, voire anachronique. L’ichnologie est la discipline qui étudie les traces et les empreintes laissées par les organismes vivants (du grec ikhnos, « empreinte »).

1 – Des images obtenues par contact depuis l’aube de l’humanité

Les premières empreintes connues sont préhistoriques.
Nos ancêtres ont produit des mains négatives par projection de pigments — poudre soufflée à la bouche ou à l’aide de tubes — comme dans la grotte de Gargas (Hautes-Pyrénées),

Mains négatives grotte de Gargas
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puis des mains positives, notamment dans la grotte Chauvet.

Mains positives grotte Chauvet
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On a également retrouvé des empreintes dites de « pieds virgule » dans la caverne de Niaux, en Ariège.

Empreintes de pieds caverne de Niaux
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À Pompéi, les empreintes des corps des victimes de l’éruption du Vésuve, en 79 apr. J.-C., ont été révélées grâce à des coulages de plâtre réalisés dans les cavités laissées par les corps disparus.

Moulages à partir des empreintes de corps, Pompéi, 79
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Au Moyen Âge, les ex-voto étaient fréquemment réalisés par moulage sur le vif du donateur : pieds, jambes ou mains.

Ex-voto obtenus par moulage sur le vif du donateur
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Au XIXᵉ siècle, la main de l’artiste devient elle-même un objet de moulage, comme chez Rodin.

Moulage de la main de Rodin tenant un torse féminin
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Au XXᵉ siècle, Picasso réalise en 1937 le moulage de sa propre main à Boisgeloup.

Moulage en plâtre de la main de Picasso, 1937
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Jusqu’ici, les empreintes témoignent d’une présence passée : un contact qui a eu lieu mais n’existe plus, produisant une émotion liée à l’absence.

Avec Marcel Duchamp et Tortures mortes (1959), l’empreinte bascule dans l’ironie.

Marcel Duchamp, torture morte, 1959
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Le moulage d’un pied criblé de mouches artificielles détourne l’expression « nature morte » et désamorce toute charge pathétique.

Jasper Johns, après avoir découvert le retable d’Issenheim de Matthias Grünewald à Colmar, moule son propre bras à partir du bras du Christ, qu’il macule de peinture et cloue sur la toile en trois exemplaires. (Perilous Night, 1982).

Jasper Johns, Perilous Night, 1982
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L’empreinte devient ici à la fois citation, transfert et appropriation.

Bruce Nauman utilise fréquemment des moulages de fragments de son corps. From Hand to Mouth (1967) matérialise littéralement une expression idiomatique.
From Hand to Mouth (de la main à la bouche), est simplement à la matérialisation de cette expression de langage qui, chez nous, équivaut à vivre au jour le jour.

Bruce Nauman, From Hand to Mouth 1967
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Dans Hand Circle (1996), ses mains moulées forment un cercle : il n’est plus question de perte ou d’absence, mais d’une présence continue.

Bruce Nauman, Hand circle 1996
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Richard Long, land artiste marcheur, emploie également ses empreintes de mains et de pieds dans des œuvres éphémères réalisées avec de la boue ou de la terre (Mud Hand Circle, 1989 ;

Richard Long, Mud Hand Circle, 1989
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Mud Hand Circle est un minutieux assemblage d’empreintes de sa main, imprégnées de boue. Voir un détail.

Mississippi Mud Footprints, 1988).

Richard Long, Mississippi Mud Footprints, 1988
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Ici, les empreintes sont éphémères, de même que les empreintes de pieds de Mississippi mud fost prints.

Javier Pérez, dans Levitas, 1998, capture des empreintes de pieds dans des sphères de verre soufflé. Le souffle du verre entretient un lien direct avec le corps, et ces pieds semblent à la fois ailés et retenus au sol.

Javier Pérez, Levitas, 1998
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Voir d’autres œuvres de Javier Perez.

Enfin, l’installation Adventice de JR (Montpellier, 2025) rassemble plus de 10 000 empreintes de mains envoyées par des participants du monde entier. Chaque visiteur est invité à ajouter sa main à un arbre monumental. En botanique, les plantes adventices sont aujourd’hui reconnues comme essentielles à la biodiversité : l’empreinte devient ici la métaphore du collectif.

2 – Les empreintes digitales : d’une pratique administrative à une pratique artistique

Dès 1859, William James Herschel utilise les empreintes digitales en Inde pour authentifier des contrats.

Empreintes digitales utilisées par William James Herschel, officier anglais en Inde, dès 1859, pour la signature des contrats
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En 1902, Alphonse Bertillon constitue les premiers fichiers judiciaires fondés sur les empreintes. Aujourd’hui, ces dispositifs sont complétés par les empreintes génétiques.

Empreintes de l’identité judiciaire, utilisées pour la première fois par Alphonse Bertillon en 1902
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Piero Manzoni détourne cette fonction identitaire en appliquant son empreinte digitale sur des œufs (1961), transformant la signature en geste ludique.

Piero Manzoni, Empreintes 1961
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Robert Filliou expose en 1974 Un monde de fausses empreintes : trente-trois coffrets contenant de prétendues empreintes de célébrités, de Léonard de Vinci à Laurel et Hardy et leur nom est inscrit sous un petit portrait dessiné, dans le dernier coffret, c’est une petite photo de Filliou qui remplace le dessin.

Robert Filliou, un monde de fausses empreintes, 1974 Boîtes en bois, crayon et encre 16,5 x 16,5 x 6 cm
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L’empreinte devient ici une relique fictive et ironique.

Giuseppe Penone, dans Propagazione (1995), amplifie graphiquement une empreinte digitale jusqu’à la transformer en paysage, évoquant à la fois les cernes de croissance des arbres et les ondes circulaires produites par une pierre jetée dans l’eau.

Giuseppe Penone, Propagazione, 1995
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L’œuvre est présentée à plat dans une cuve remplie d’eau. Le titre de la présentation arrache l’empreinte à l’univers de l’identité judiciaire pour l’entraîner dans un jeu de correspondances avec d’autres formes de la nature, annaux de croissance des arbres, ondes propagées dans l’eau par le jet d’un caillou.
L’empreinte quitte ainsi l’univers policier pour rejoindre celui des correspondances naturelles.

3 – Empreintes du visage : de la pratique funéraire à la pratique artistique

Entre 8000 et 6000 av. J.-C., à Jéricho et en Syrie, les crânes étaient déterrés après putréfaction du visage, puis soigneusement remplis de terre et enfin modelés sur la face antérieure à la ressemblance d’un visage vivant.

Crânes sur-modelés, Syrie, 6000 av. JC
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Certains même étaient peints. Cette pratique survit chez certains peuples d’Océanie à l’époque contemporaine : le crâne servait de matrice afin de redonner un visage au défunt. C’est ce que les archéologues appellent les crânes surmodelés.

C’est le mouvement Dada qui, au début du XX ° siècle,, s’ouvrant aux autres champs que celui de l’esthétique, a fait entrer l’ironie, l’humour, le sarcasme dans l’art. Par la suite, les surréalistes et les artistes des années 60 ont poursuivi cette forme d’esprit ludique.
Nos contemporains pratiquent toutes sortes de formes d’humour, et nous verrons que l’art peut pratiquer l’humour noir, qu’il peut ironiser sur tout ce qui n’est pas drôle…et se moquer de l’art lui-même.

Intervenante : Agnès Ghenassia

Rien de ce qui est humain n’échappe aux artistes ; par conséquent, l’humour a toujours existé dans l’art, mais autrefois, il se cachait dans les détails. Exemple : L’abbatiale de Sainte-Foy-lès-Conques en Aveyron (détails de l’archivolte sculptée au-dessus du portail).

L’abbatiale de Sainte-Foy-lès-Conques en Aveyron (détails de l’archivolte sculptés au-dessus du portail) XIe et XIIe siècles
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Jérôme Bosch Détail du Jugement dernier 1492 huile sur bois Académie des Beaux-Arts de Vienne (Autriche).
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C’est avec Marcel Duchamp (1887-1968) et le mouvement Dada que l’art, renonçant à l’esthétique traditionnelle, intègre des postures négatives et ludiques qui font appel à l’ironie, à l’absurde et au sarcasme.
On se souvient que le mouvement Dada est né en Suisse pendant la Première Guerre mondiale, prenant le nom d’« anti-art » en réaction aux valeurs bourgeoises qui avaient mené à la guerre.

Marcel Duchamp Fontaine (1917)
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La Fontaine de Marcel Duchamp était à l’origine une plaisanterie. L’artiste prétendait vouloir l’exposer à l’Armory Show à New York, les organisateurs ayant annoncé que rien ne serait censuré. Pourtant, l’œuvre ne fut pas acceptée et elle est devenue l’un des ready-mades les plus célèbres du monde.
Duchamp l’avait signée ce qui peut renvoyer à Herr et Mutter ( en allemand Herr= monsieur et Mutter = la mère) (ou plus probablement au fabricant de plomberie J. L. Mott Iron Works) associant le masculin et le féminin, tout comme cet urinoir renversé qui a pris un titre féminin.
Le jeu de mots dadaïste
L’humour dans les activités dadaïstes d’Aragon, Man Ray et Duchamp est souvent fondé sur des jeux de mots, des calembours ou des contre-pèteries, rendant le champ visuel souvent tributaire du verbe.
L.H.O.O.Q. (1919) est un « ready-made aidé » créé pour le plaisir de la transgression (la Joconde avec une moustache). L’acronyme lu à haute voix en français donne : « Elle a chaud au cul !».
Rrose Sélavy
Lorsqu’en 1920, Duchamp, avec la complicité de son ami Man Ray, se métamorphose en Rrose Sélavy, il s’amuse encore. Il affirme que s’il sort en femme dans le monde, il est à New York, et qu’il pourrait aussi bien changer de nom et prendre un « nom juif », les Américains prononçaient c’est Lévy (d’où la consonnance juive)

Marcel Duchamp Rrose Sélavy
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Duchamp écrit : « Rrose et Eros, c’est la vie ». Il imagine ensuite des produits dérivés « Rrose Sélavy » comme Belle Haleine, Eau de Voilette (un jeu de mots entre « eau de toilette » et « eau de voilette »).

Marcel Duchamp Belle Haleine, Eau de Voilette 1920
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L’humour surréaliste
Plus tard, en 1947, lorsque les Surréalistes lui demandent de concevoir la couverture de leur catalogue d’exposition, il crée une œuvre emblématique : un sein souple entouré de fourrure noire avec le titre « Prière de toucher ». C’est une invitation tactile, à la fois sensuelle et ironique.

Marcel Duchamp Prière de toucher, 1947 Sein sur velours, présenté sous-verre. Emboîtage pour l’édition de luxe du catalogue de l’exposition « Le surréalisme en 1947 », galerie Maeght, Paris
Caoutchouc mousse [latex] collé sur velours noir, découpé et collé carton
41,8 x 34,7 x 7,1 cm
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C’est une excellente continuation sur le rôle de l’humour, de l’irrévérence et du jeu dans l’art, en se concentrant sur Francis Picabia et les Surréalistes.

Francis Picabia et le jeu Dada

Francis Picabia (1879-1953) joue lui aussi abondamment avec les mots, les titres et les matériaux pour provoquer et ironiser.
Titres et jeux de mots :

Francis Picabia, M’amenez-y, 1920 huile et émail sur carton 129,2 x 89,8 cm Museum of Modern Art (MoMA) à New York
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M’amenez-y (Maman Ézie ou Amnésie).
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Francis Picabia, Danse de Saint-Guy (Tabac-Rat) 1919 assemblage en trois dimensions 104,4 x 84,7 cm Centre Pompidou
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Danse de St Guy (1919) : L’œuvre était un grand cadre vide qui, idéalement, aurait dû être à l’arrière d’une roue actionnée par deux souris blanches.
Jésus-Christ Rastaquouère,

La Sainte Vierge (1920), et le Portrait de Cézanne :

Francis Picabia, Portrait de Cézanne 1920 Singe en peluche (jouet) et huile sur carton 23,7 x 15,6 cm Centre Pompidou
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Picabia se fait un devoir de profaner toutes les valeurs bourgeoises. Il dénonce la servilité des artistes en déclarant, par exemple, que « les peintres créent pour une société de singes serviles. »

2 – Humour surréaliste association d’idées, rencontres fortuites

Les Surréalistes ont conservé cette posture irrévérencieuse et l’usage de l’humour, mais en renonçant à la notion d’anti-art. Leur humour s’appuie sur la confrontation de deux réalités éloignées (l’objet trouvé), le désir, et le blasphème onirique.

Max Ernst (1891-1976) : La Vierge corrigeant l’Enfant-Jésus devant trois témoins : André Breton, Paul Éluard et le peintre (1926 – et non 1928) : Un acte de blasphème pictural par l’absurdité de la scène.

Max Ernst La Vierge corrigeant l’Enfant-Jésus devant trois témoins 1926 huile sur toile 196 x 130 cm Museum Ludwig à Cologne
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Il détourne l’iconographie chrétienne classique de la Vierge à l’Enfant. Max Ernst humanise (et dégrade) la figure sacrée en montrant la Vierge, avec une auréole décrochée, donnant une fessée à un Enfant-Jésus nu, dont l’auréole est tombée au sol. Ce geste est une critique de l’autorité religieuse et une expression de la rébellion surréaliste contre les valeurs traditionnelles.

Óscar Domínguez La Machine à coudre électro-sexuelle (1935) : Un objet surréaliste, union humoristique et troublante du domestique et de l’érotique.

Óscar Domínguez La Machine à coudre électro-sexuelle 1935 huile sur toile 100,2 x 80,8 cm Henie Onstad Kunstsenter (HOK), à Høvikodden
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L’œuvre présente une machine à coudre qui a été transformée en un organisme hybride. Elle est représentée avec des éléments organiques (formes molles, quasi-viscérales) et des parties mécaniques (la roue, l’aiguille).

Man Ray : Le Cadeau (1921), fer à repasser dont la base est ornée de clous, est un meilleur exemple de l’objet décalé.

Man Ray le cadeau 1921 fer à repasser avec 14 clous 17.6 x 10.4 x 8.9 cm
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En ajoutant des clous, Man Ray rend l’objet non seulement inutilisable pour sa fonction première (repasser des vêtements), mais également destructeur. Il transforme un outil destiné à l’ordre et à la domestication en un instrument de sabotage et de danger. Le titre « Le Cadeau » est profondément ironique : c’est un cadeau à la fois inutile et hostile.

Man Ray la prière 1930
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Le titre « La Prière » est profondément ironique. La pose, avec les mains jointes et croisées et le corps courbé, peut évoquer la position de la dévotion ou de l’humilité. Cependant, le sujet est un nu érotique, un corps exposé de manière sensuelle. L’artiste crée un choc en juxtaposant la spiritualité (la prière) avec la sexualité et la provocation.

René Magritte : Madame Récamier (d’après David). Magritte remplace l’élégante figure classique du tableau de David par… un cercueil, conservant la pose et le divan pour un effet à la fois drôle et macabre.

René Magritte Madame Récamier (d’après David)1951 huile sur toile 60,5 x 80,5 cm Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa
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Salvador Dalí
Téléphone Homard (1936) : Union absurde du froid technologique et du vivant comestible (le titre officiel est Téléphone-homard ou Aphrodisiac Telephone).

Salvador Dali Téléphone homard 1936
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Taxi pluvieux (1938) : Une installation représentant une voiture recouverte d’un système de pluie artificielle, remplie de laitues et habitée par des escargots.

Salvador Dali Taxi pluvieux 1938
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Vénus à la girafe (1937) : La figure féminine à tête de fleur est ornée de tiroirs, typique du vocabulaire onirique de Dalí.

Salvador Dali Vénus à la girafe 1937 bronze 56 x 28 x 9.5 cm
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Jacques Prévert : Il a réalisé de nombreux collages très drôles, comme celui intitulé Tableau de famille. En découpant dans des images pieuses (souvent appelées sulfures) des corps de femmes, il les réassemble pour reconstituer des compositions profanes ou des scènes de genre burlesques Il reconstitue la composition de Jupiter et Thétis d’Ingres.

Jacques Prévert Tableau de famille 1943 collage
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Meret Openheim, ma gouvernante, raccourci amusant sur le plat de service qui dit à la fois le poulet et la tenue de la gouvernante

Meret Oppenheim ma gouvernante 1936 Chaussures blanches à talons, ficelées ensemble, posées sur un plat, et attachées par une manchette en papier blanc 14,5 x 33 x 21 cm Moderna Museet à Stockholm
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Depuis les années 1970 de nombreux artistes se montrent sensibles aux enjeux sociaux et environnementaux. Mais après l’élan néo-romantique du Land Art qui les a poussés à œuvrer dans des territoires vierges, la question de l’utilité s’est posée : quel rôle l’art peut-il jouer dans le combat écologique?
Intervenante : Agnès Ghenassia

Que peut l’art face à la réalité écologique, à la pollution atmosphérique, au pillage des ressources naturelles, à la déforestation à grande échelle, au réchauffement climatique ? Pourtant, des artistes s’impliquent dans ce combat – même symboliquement, même localement, même indirectement.

1 – Des performances naturistes pour célébrer notre appartenance à la terre

Dès les années 1960, des artistes ont exploré la question du lien entre l’humain et la nature. J’ai d’abord réuni des œuvres qui impliquent directement le corps, sous forme de performances.

Kazuo Shiraga, japonais, a réalisé une performance célèbre intitulée « lutter dans la boue » en 1965. Il a d’abord gorgé d’eau un périmètre circulaire de terre de 2 m de diamètre, et une fois la terre ramollie, il s’est jeté au sol pour combattre la boue. La matière englue ses mouvements. Dans le contexte du mouvement artistique Gutaï (incarnation) Shiraga a matérialisé une forme d’union avec la terre.

Kazuo Shiraga Lutter dans la boue 1965
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La Cubaine Ana Mendieta, offrait son corps nu à la nature avec l’idée d’en devenir une composante. Lors de sa performance intitulée « Grass Breathing » en 1974 elle s’est allongée dans une zone herbeuse, sous de grandes dalles souples de forme carrée, recouvertes de la même herbe. L’artiste s’est mise en mouvement comme un poumon qui se gonfle et se dégonfle donnant l’impression que c’est le sol qui respire.

De même qu’elle est devenue herbe, elle deviendra écorce en 1977 avec « arbre de vie », réalisé dans l’Iowa pour rappeler que « l’humain, c’est la nature aussi, la sève ancestrale » » disait-elle.

Voir également Ana Mendieta Silueta series 1973-1978

Elle est décédée à 36 ans après le probable meurtre par son mari Carl Andre.

Dans le même esprit, Prune Nourry a réalisé Mère-terre à Château La Coste, en 2024

Prune Nourry, Mère-terre à Château La Coste, 2024
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C’est un peu la même idée qui anime, en 2008, le jeune artiste néerlandais Levi Van Veluw qui devient paysage en se couvrant d’éléments végétaux et de mousse. Ceci s’intitule en effet « Landscape ».

Dans les années 1970, la prise de conscience environnementale s’accentue : pollution industrielle, marées noires, invasion du plastique, risques nucléaires…

Joseph Beuys, le 16 août 1971 réalise « Aktion im Moor » dans un marais du Zuiderzee au Pays-Bas, pour protester contre la dégradation environnementale qui affecte les marais du fait de l’expansion des cultures et la poldérisation. Beuys, maculé de boue, réaffirme le pouvoir vital et mémoriel des marais, qu’il décrit comme « les lieux les plus vivants d’un paysage ».

Joseph Beuys Aktion im Moor 1971
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De même Barbara Leisgen, artiste allemande, avec « Pink dépression eau mourante » en 1982 s’est laissée couler, tout habillée, dans le lit d’une rivière, restant ainsi en apnée, comme une épave dans un geste de protestation contre la pollution des fleuves et des rivières de son pays avec, métaphoriquement, l’idée que l’humain se noie dans ses propres déchets.

Barbara Leisgen Pink depression 1982
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En 2013, Sarah Trouche, artiste française née en 1983, que son militantisme écologique conduit à voyager à travers le monde, a réalisé une performance spectaculaire dans le lieu désertique de l’ancienne mer d’Aral, où autrefois il y avait de l’eau, des pêcheurs, des bateaux, alors qu’à perte de vue il ne reste aujourd’hui que du sable et des épaves. La surexploitation agricole du coton, et l’irrigation mal maîtrisée ont asséché cette mer intérieure où une épaisse couche de sodium recouvre le sable.

Sarah Trouche Aral Revival -performance au Kazakhstan sur la mer d’Aral 2013
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Sarah Trouche s’est hissée sur la carcasse d’un bateau abandonné, nue, le corps peint en bleu, tenant à bout de bras le drapeau de la République du Kazakhstan.
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Ce n’est pas son propre corps mais celui de performeurs volontaires qu’utilise le photographe Spencer Tunick. En 2011 sous sa direction, 1 200 personnes nues se sont couchées sur la mer Morte pour dénoncer la disparition de la nappe phréatique. L’artiste, juché sur un échafaudage, les photographia d’en haut et leur donna des consignes.

Spencer Tunick 1200 personnes nues sur le mer morte pour dénoncer la disparition de la nappe phréatique, 2011
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En 2021, pour dénoncer l’assèchement de la Mer Morte qui perd un mètre de hauteur par an, 200 personnes nues peintes en blanc se sont disposées sur les collines rocheuses qui surplombent la mer à Arad. Elles apparaissent comme des colonnes de sel en référence aux formations minérales que l’on observe le long de la mer, mais aussi à l’image de la femme de Lot qui, dans la Genèse, a été transformée en statue de sel pour avoir regardé vers Sodome détruite, la colère divine.

L’assèchement de la Mer Morte a commencé dans les années 60 avec l’exploitation des eaux du Jourdain.

En 2007 Spencer Tunick avait répondu à un appel d’offres lancé par Greenpeace sur Internet. Les glaciers des Alpes fondent à une vitesse vertigineuse, celui d’Aletsch en Suisse a perdu 150 m en 2 ans.
Il a mobilisé 600 personnes au pied du glacier.

Spencer Tunick Suisse, Aletsch Glacier 1, (Greenpeace) 2007
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Voir d’autres performances de Spencer Tunich.

D’une toute autre manière, c’est toute seule que Ágnes Dénes, américaine, avait en 1982 réalisé son Wheatfield (champ de blé) à l’extrémité de Manhattan, à Battery Park, dans l’une des zones les plus densément urbanisées du monde. Sur une surface de 8 000 m2 non occupée.

Ágnes Dénes Weatfield, a confrontation 1983 quartier de Battery Park, New-York
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L’artiste a fait livrer par camion plusieurs tonnes de terre qu’elle a enrichi par un compost fait de déchets urbains récupérés ; elle a creusé elle-même 300 sillons et semé du blé. En août 1982, cinq quintaux de blé ont été récoltés, et distribués dans le cadre de la lutte contre la faim dans le monde. Acte symbolique mais exemplaire l’image du blé ondoyant au pied des gratte-ciel est réjouissante et l’engagement politico-social a suscité l’engouement des médias.

Khvay Samnang, artiste cambodgien, il s’est rendu dans les hautes terres du nord-est du Cambodge pour constater l’altération de l’environnement. Il a déversé sur son corps du latex frais puis, comme un fantôme égaré, il a traversé les zones de cultures forestières intensives, là où la forêt disparaît. Il pose la question : « Où vivront alors les esprits ? » Ici il s’agit du legs colonial, en 1884, les terres de la monarchie Khmer sont privatisées par l’Indochine française. Des graines d’hévéa sont importées du Brésil, et les Français introduisent une vision économique de l’exploitation de l’hévéa. La première concession foncière cambodgienne accordée en 1922 pour une plantation d’hévéa en fait la plus vaste du monde jusqu’en 1875, au prix de la déforestation et de la confiscation de terres où vivent une vingtaine de groupes ethniques, et pour lesquels les esprits de la forêt et ceux des ancêtres jouent un rôle essentiel..

Khvay Samnang, l’Homme Caoutchouc, 2014-2015
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Pour terminer avec humour ce paragraphe sur les performances naturistes, incomplet bien sûr, évoquons les performances réalisées par Abraham Poincheval et Laurent Tixador. L’une en 2002 s’intitulait « Total Symbiose ». Pendant une semaine ils ont fait le pari de vivre de la nature sur les îles du Frioul au large de Marseille, selon un mode paléolithique strict. Leur volonté était de s’insérer dans ce biotope inconnu avec pour tout bagage une connaissance théorique de la nature. De l’aveu des artistes, ils ont dormi dehors entourés de moustiques et de rats, inventé des armes de chasse et de pêche avec les moyens trouvés sur place, ils se sont échinés à faire du feu pour dresser le constat que nous ne sommes pas faits pour ce retour aux origines.

Abraham Poincheval et Laurent Tixador Total Symbiose 2002
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Mais en 2008, ils ont tenté avec « Horizon moins 20 » une autre expérience. Ils décident de créer une cellule d’habitat troglodyte nomade, un cocon sous roche. A environ un mètre 50 de profondeur et en se déplaçant de 1 m par jour, ils ont creusé sous terre, 20 m rebouchant la partie arrière du tunnel derrière eux au fur et à mesure de leur avancée. 20 jours sous terre, en avançant comme des taupes. Le projet avait été refusé en France du fait de sa possible dangerosité (si la voûte s’effondrait, ils seraient morts étouffés). Le projet a donc été mis en œuvre à Murcia en Espagne en janvier février 2008.

Abraham Poincheval et Laurent Tixador Horizon moins vingt, 2008
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2 – Témoigner, sensibiliser, dénoncer : des photographes et des plasticiens

L’art, lorsqu’il n’agit pas de façon symbolique, s’exprime plus efficacement lorsqu’il témoigne, sensibilise, dénonce. Ce sont d’abord les photographes.

Ainsi William Eugène Smith, en 1972 fait date avec un reportage pour Life sur les dégâts humains d’une pollution au mercure, à Minamata au Japon petite ville littorale. De 1932 à 1968, l’usine pétrochimique Chisso de Minamata a rejeté directement et sans discontinuier dans la baie des déchets hautement toxiques contenant du méthyle mercure qui a pollué la chaîne alimentaire des pêcheurs et rendu gravement malade des milliers de personnes. Le photojournaliste a séjourné là-bas de 1971 à 1974.

William Eugène Smith Minamata
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Edward Burtynsky Canadien, né en 1955, fils d’un père réfugié ukrainien, documente depuis 30 ans les espaces terrestres profondément perturbés par l’intrusion humaine : eaux polluées des rivières aux États-Unis, extraction des sables bitumineux en Alaska, forêts dévastées par l’industrie de l’uranium. Paradoxalement ses photos accrochent le regard par leur beauté.

Edward Burtynsky Forêt dévastée pour l’extraction de l’uranium, Ontario, 1996
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Edward Burtynsky Résidus de nickel, Ontario, 1995
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Voir d’autres paysages de Edward Burtynsky : Pollutions dues au pétrole, pollution de l’eau, pollution due aux mines etc.

De même le photographe espagnol Daniel Beltra sillonne le monde pour dénoncer les dégâts en mer comme à terre.

Daniel Beltra Déversement d’hydrocarbures
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Daniel Beltra Déversement d’hydrocarbures
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Voir en artique, en Ukraine, en forêts etc.

Gideon Mendel, africain du Sud installé à Londres, choisit de ne pas montrer les inondations en elles-mêmes mais de faire poser, sur place, les victimes de ces inondations (série portraits submergés 2011). De même avec la série portraits incendiés 2020-2022 il fait poser les victimes qui ont tout perdu stoïques au milieu des décombres.

Gideon Mendel Portraits submergés, 2011
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Gideon Mendel Portraits incendiés, 2021
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Voir également : Freedom or death, Fire and flood.

Mitch Epstein, photographe américain, révèle par ses images l’inquiétude quant à la sécurité nucléaire.

Mitch Epstein Série American Power, centrale thermique d’Amos, Virginie, 2004
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Mitch Epstein Lycée de Poca et centrale thermique d’Amos
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Voir d’autres photographies.

3 – Les artistes plasticiens, comment témoigne t-ils ?

Hundertwasser, dont on connaît l’engagement total dans la cause écologique a souvent utilisé ses peintures pour des campagnes d’affichage,

Hundertwasser Contre l’énergie atomique
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Hundertwasser Sauver la mer
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Voir également, pour la reforestation la nature libre est notre liberté contre la pollution des villes pour sauver sauver les baleines..
D’autres affiches de Hundertwasser.

Nicolas Garcia Uriburu (1937 2016), artiste argentin, s’était d’abord fait connaître dans les années 60 comme peintre pop, lorsqu’en 1968 il a été invité à la Biennale de Venise, il a, à la surprise générale, lancé dans le grand canal de la fluoricelline, une substance inoffensive qui a pour effet au contact des bactéries de colorer l’eau en vert. Dans les années qui ont suivi, son geste a été renouvelé dans la Seine, dans la Tamise à Londres etc. révélant que dans toutes les grandes villes l’eau des rivières était polluée.

Nicolas Garcia Uriburu Les trois Grâces, 1967, huile sur toile 130 x 160 cm Museo Nacional de las Bellas Artes, Buenos Aires, Argentine.
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Voir d’autres oeuvres de Nicolas Garcia Uriburu

Cette conférence, réfute l’idée que tous les régimes autoritaires imposent une politique à des fins de propagande. Dans l’Italie de Mussolini, l’intervention de l’Etat est loin d’être contraignante sur la peinture, les arts appliqués (ou décoratifs) ou l’architecture. Elle laisse la place à des débats entre artistes qui sont parfois virulents ; certains souhaitent s’inscrire dans le modernisme européen, tandis que d’autres exaltent le classicisme romain. Le régime ne cherche pas à arbitrer le débat, mais à éviter qu’il ne prête le flanc aux adversaires du régime.
Intervenant : Marc Isch-Wall

1 – Introduction

1.1 – Modernisme et progressisme

Retour sur quelques idées reçues
Modernisme ou classicisme coexistent et se croisent plus qu’ils ne s’affrontent dans l’Italie du Ventennio, qui commence en 1922, année de la Marche sur Rome, et se termine en 1943. J’ai choisi de couper la présentation en deux parties chronologiques afin d’avoir le temps d’aborder en parallèle plusieurs disciplines artistiques, les arts figuratifs avec la peinture, les arts appliqués (on disait à l’époque décoratifs) comme la céramique, le verre soufflé, l’ébénisterie, le textile, le fer forgé, le décor de théâtre et enfin l’architecture, qui sera le parent pauvre de cette première partie, pour des raisons liées à la situation politique et économique de l’Italie pendant ces années.

L’historiographie traditionnelle des arts plastiques, celle qui élabore le concept de modernisme, sous-entend l’idée d’un progrès continu des arts. Chaque génération reprend les acquits de la génération précédente, mais entend la dépasser par des innovations plastiques ou thématiques. En conséquence, il serait bon de faire rimer modernisme dans le domaine des arts et progressisme politique.

Richard Heymann-Schicht, L’écoute 1930-35 huile sur toile Collection particulière
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L’extraordinaire foisonnement des arts dans l’Allemagne démocratique de 1919 à 1933, suivi de la rebutante création qu’aucun musée au monde n’ose aujourd’hui présenter, apporterait la preuve de cette affirmation. Un exemple n’est pas suffisant. Au contraire,

Le Corbusier dans son bureau et atelier à Paris
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Le Corbusier, ici photographié par Brassaï, une des colonnes du Mouvement Moderne, essaie en vain d’être reçu par Mussolini, afin de proposer ses plans d’urbanisme pour les villes nouvelles des marais pontins. Il tente, toujours en vain, de vendre ses idées au régime de Vichy.

Yuri Pimenov La Nouvelle Moscou 1937 huile sur toile 140 x 170 cm Galerie Tretiakov, Moscou
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A l’inverse, le réalisme socialiste imposé par Staline dès 1934 n’appartient vraiment pas au modernisme.
Le modernisme serait-il incompatible avec le totalitarisme ? L’Italie apporte la preuve qu’un régime réactionnaire est ouvert au pluralisme esthétique et même encourage les artistes relevant du modernisme.
Mon propos sera donc de présenter divers mouvements artistiques qui ont droit de cité dans l’Italie fasciste, d’analyser le contrôle qu’exercent les autorités politiques. Tous les arts ne sont pas traités à la même enseigne. Nous verrons comment les peintres et les sculpteurs sont encadrés de façon croissante avec l’affermissement du régime, ce qui n’est pas le cas des arts décoratifs.
Je dois maintenant préciser les termes de modernisme, modernité, avant-garde et classicisme auquel je ne pense rien ajouter de nouveau.

Le modernisme commence au début du XXème siècle. Ce courant artistique est lié à la formation des avant-gardes et concerne tous les arts plastiques.
Le modernisme est un courant des arts émergeant pleinement au début du XXème siècle en Europe. Il est lié à la formation des avant-gardes. Je cite cette définition de Roland Barthes : « Être d’avant-garde, c’est savoir ce qui est mort. Être d’arrière-garde, c’est l’aimer encore ». Une formule trop tranchée à mon sens, puis qu’elle rejette tout compromis, comme celui auquel est parvenu le réalisme allemand de 1925 à 1933 « die neue Sachlichkeit »..

Henri Fantin-Latour Hommage à Delacroix 1864 huile sur toile 160 x 250 cm Musée d’Orsay
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Maurice Denis Hommage à Cézanne 1900 huile sur toile 180 x 240 cm Musée d’Orsay
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Les avant-gardes se nourrissent du foisonnement des arts de Delacroix à Cézanne. Je viens de citer deux peintres français, auxquels la génération suivante rend hommage.

Saint-Simon 1825 « Opinions littéraires, philosophiques et industrielles »
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Que sont les avant-gardes ? Le terme est à l’origine militaire. Saint-Simon l’emploie en 1825 dans ses « Opinions littéraires, philosophiques et industrielles ». Il imagine un dialogue entre un artiste, un industriel et un scientifique ; il fait dire au premier : « C’est nous, artistes, qui vous servirons d’avant-garde ». Ainsi se formalise l’idée d’une émancipation de la société par l’art. Dès le milieu du XIXème siècle apparait une conception antagoniste, comme celle des impressionnistes, qui minorent les questions d’ordre social ou politique, mais manifestent inventivité plastique et originalité thématique.
Dans l’histoire de la pensée, la modernité est une période historique au cours de laquelle se développe une pensée rationnelle qui cherche à s’émanciper de la religion. L’humanisme marque le début de cette période et l’Italie joue un rôle primordial dès le XVème siècle . Le renouvellement des arts est concomitant avec celui de l’humanisme. Par l’étude des textes anciens et les premières recherches archéologiques, la Renaissance italienne cherche à se raccrocher à un glorieux passé romain. Dans le langage courant, « modernité » a un sens plus large, qui peut recouvrir le modernisme.

L’humanisme italien joue un rôle primordial dans la modernité. Il se construit en référence à l’antiquité romaine.

Arc de Trajan Bénévent (Benevento), Italie 114 après J.-C.
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Cette référence aux arts de l’Antiquité, qu’on peut appeler « classicisme » va marquer l’Italie, ses artistes et ses intellectuels, jusqu’au début du XXème siècle. C’est la seule ruine romaine que vous verrez ; nous allons nous rendre en Italie, plus à Milan qu’à Venise, plus à Turin qu’à Florence.

1.2 – L’italie du regorgimento à l’art moderne

L’Italie nostalgique de son passé
De l’héroïsme à la vie moderne », est publié à l’occasion du salon de 1846. Le poète est à la fois curieux et inquiet devant la vie moderne, qu’il considère comme transitoire, fugitive, contingente. L’art moderne n’est que « la moitié de l’art ». La beauté classique, stable et définitive obéit à des lois éternelles.

Charles Baudelaire au salon de 1846
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Cette féconde opposition chez Baudelaire est absente de l’Italie du Risorgimento. Risorgimento est proche du mot résurrection, un passage de la mort à la vie. Elle doit être comprise non comme un passage de la mort vers un vie future, mais comme un retour de la mort vers une vie passée idéalisée, celle de l’Italie, centre de la romanité. Les bouleversements politiques et culturels de l’Italie après 1861 n’impactent que très peu les arts plastiques, comme le prouve ce tableau d’histoire traditionnel.

Telemaco Signorini L’artillerie toscane de Montechiaro accueillie par les blessés français de Solférino 1859 huile sur toile 60 x 117 cm Collection particulière
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Giovanni Boldini peint un portrait de Verdi vieillissant, rempli de nostalgie, image d’une Italie nostalgique de son passé romain.

Giovanni Boldini Portrait de Verdi 1886, huile sur toile 54 × 65 cm Galerie nationale d’art moderne, Rome
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Deux courants artistiques font exception :
Les Macchiaioli, qui se réunissent à Florence au caffé Michelangelo. Giovanni Fattori, [est le plus connu, mais je cite] Raffaelo Sernesi (1838 1866) et ses Toits au soleil.

Raffaelo Sernesi Toits au soleil 1861, huile sur toile 54 × 65 cm Galerie nationale d’art moderne, Rome
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Les rebelles de la Scapigliatura milanaise. L’écrivain et architecte Camillo Boito est le théoricien de ce groupe. Il réactualise le Moyen-Âge lombard, avec une décoration en briques rouges, une sorte d’historicisme raisonné.

Casa Verdi Piazza Michelangelo Buonarroti à Milan
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La plus grande réussite de sa carrière est la Casa Verdi, une maison de repos pour musiciens construite à Milan (1899-1913).

Originalité et créativité du style Liberty</strong>
Les arts décoratifs italiens font preuve d’une grande originalité au début du XXème siècle. En 1888, Carlo Bugatti (1856-1940) est présent à l’exposition d’art italien qui se tient à Londres. Il se fait remarquer par ses « quaint furnitures », des meubles bizarres, qui connaissent un certain succès.

Carlo Bugatti Secrétaire 1895 MET New York
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Voici un secrétaire, légèrement postérieur à l’exposition de Londres.

Leonardo Bistolfi Affiche de l’exposition à Turin 1902
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Carlo Bugatti triomphe à Turin, en 1902.

Carlo Bugatti Le salon Escargot avec ses fameux sièges Cobra de en 1902
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Il y présente quatre chambres dont celle baptisée Escargot ; elle reproduit en effet les différentes parties de la coquille de ce gastéropode. Il s’inscrit dans l’art nouveau international, qui prend le nom de Liberty en Italie.
Ce mobilier est recouvert de parchemin, calligraphié de motifs quelque peu japonisants, les ornements en métal repoussé et nielle restent d’inspiration mauresque.

Le style liberty est rès varié. Les traditions régionales restent vivantes : l’ébénisterie à Milan, le verre à Murano, la céramique à Florence. Parmi ceux qui se font remarquer à l’exposition de Milan :

Eugenio Quarti Chaise en noyer 1898 Musée d’Orsay
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Eugenio Quarti (1867 1929), il a commencé dans l’atelier de Bugatti, puis élabore un style plus personnel. Il crée une chaise en noyer à décor floral stylisé, bois marqueté, incrustations de laiton et nacre.

Alessandro Mazzucotelli Suspension pour éclairage électrique 1903 Musée d’Orsay
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Le forgeron Alessandro Mazzucotelli Il est lui aussi Milanais. Il réalise peu après l’exposition, entre 1903 et 1906, une suspension pour éclairage électrique en fer forgé, découpé.

Galileo Chini Vase en céramique
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A Florence en 1896, Galileo Chini (1873-1956 ) crée la manufacture « Arte de la Ceramica ». Il orne ses vases de fleurs de tous types, de poissons, d’oiseaux, de plumes de paon.

Artisti Barovier Bosco di Betulle vase, 1914-1919
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A Murano, Artisti Barovier réalise des vases à murrines, des baguettes constituées de plusieurs couches de verre de couleur découpées en rondelles et assemblées (en vente publique 707 000 £).

Vittorio Zecchin Murrina del pavone 1913
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Artisiti Barovier fait appel au peintre Vittorio Zecchin pour réaliser la célèbre Murrina del pavone (1913, Christies, 138 000 $). Ils préparent les initiatives novatrices de l’après-guerre.

Architecture de style Liberty

Giuseppe Sommaruga Palazzo Castiglioni à Milan
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Le Palazzo Castiglioni à Milan de Giuseppe Sommaruga mélange réminiscences baroques et Art nouveau.

Ernesto Basile Villa Igiea
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Le sud n’est pas en reste ; l’architecte palermitain Ernesto Basile (1857 1932) appartient pleinement au style Liberty. Il réalise et meuble la Villa Igiea, un hôtel de grand prestige au bord de la mer, à Palerme, livré en 1899.
Les meubles sont réalisés par un industriel d’origine française, Vittorio Ducrot.

Une avant garde italienne. Le dynamisme pictural (1910-1915)

Manifeste futuriste du 20/02/19019
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Coup de théâtre, le 20 février 1909, le poète Marinetti publie dans le Figaro le manifeste futuriste. Umberto Boccioni, Carlo Carrà et Luigi Russolo, qui vivent à Milan au contact de Marinetti, signent le 11 avril 1910 le « manifeste technique de la peinture futuriste », s’alignant ainsi sur les positions esthétiques et politiques du poète.

Les futuristes à Paris en 1912
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Severini puis Balla (qui n’est pas sur la photographie prise à Paris en 1912) se joignent au manifeste. Une avant-garde italienne vient de se constituer, celle du dynamisme pictural, la 1ère expression plastique du futurisme.

Umberto Boccioni Dynamisme d’un joueur de football 1913
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En 1913 Umberto Boccioni peint Dynamisme d’un joueur de football. J’ai choisi ce tableau pour illustrer cette courte période, la plus brillante de la peinture futuriste. Cette avant-garde permet enfin à l’Italie de jouer un rôle majeur dans l’art moderne.
Umberto Boccioni force la syntaxe cubiste et exprime le dynamisme des corps athlétiques placés espace continu grâce aux vibrations de la lumière. Il exprime l’énergie de l’athlète sous tension par des obliques et des diagonales.

La métafisica est-elle une avant garde ?
La Metafisica est née officiellement en 1917, par la rencontre de Giorgio de Chirico et de Carlo Carrà à l’hôpital militaire de Ferrare.

Giorgio de Chirico Le muse inquietanti 1962 huile sur toile 94 × 62 cm
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Giorgio de Chirico n’a pas attendu cette rencontre pour orienter ses recherches vers le classicisme. Il se définit en 1919 comme « pictor classicus ». Selon lui, le classicisme se caractérise par « le démon de la ligne ». Avec les muses inquiétantes et ses mannequins aux têtes vissées, la narrativité traditionnelle n’a plus sa place. La Metafisica annonce autant le surréalisme que « le réalisme magique », qu’adopteront les peintres du Novecento. Ces artistes sont au cœur de ma présentation ; ils reprennent la narrativité traditionnelle avec « cette finesse et cette pureté de la sensation linéaire » qu’affectionne Giorgio de Chirico.

La Metafisica s’oppose au futurisme en ce qu’elle nie la possibilité de refaire le monde de fond en comble.

Retorno all’ordin (Retour à l’ordre)

En 1917 autour de Reims
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A la fin de la 1ère guerre mondiale des artistes renouent avec le classicisme, supposé incarner le « génie » des nations dont l’ordre et les valeurs ont été bouleversés par la guerre. Massimo Bontempelli, dont je vais reparler, fait coïncider la mort des avant-gardes militaires avec celle des avant-gardes artistiques. Cette recherche du classicisme coïncide avec une renonciation aux postulats théoriques et formels des avant-gardes. Ce besoin de stabilité porte un rude coup au Futurisme. Il refuse en effet tout règle établie, il véhicule les valeurs d’un monde moderne dominé par la science et la technique.

Pablo Picasso, Portrait d’Olga dans un fauteuil 1918, huile sur toile, 130 x 88.8 cm, Musée Picasso, Paris.
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En Italie, comme en France les arts plastiques sont affectés : Picasso, Derain, comme un peu plus tard l’architecture avec l’Art déco.

Valori Plastici. Roma (1918-1921). Ediz. illustrata
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En Italie, le « Ritorno all’ordine » est encouragé par le magazine Valori plastici. Carlo Carrà dans l’éditorial du premier numéro publié 12 jours après l’armistice, entend retrouver « la rigueur de la peinture ». La revue réaffirme que l’art est « l’essence spirituelle l’Italie », selon l’expression d’Ardengo Soffici. La revue axée sur les seules « valeurs plastiques » s’oppose à l’idéologie avant-gardiste du futurisme. Elle cesse de paraître avant l’instauration du régime fasciste ; les idées sont reprises par Novecento, un mouvement pictural animé par Margherita Sarfatti.

il Popolo d’Italia
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Quelques jours après la marche sur Rome, le 3 novembre 1922, Carlo Carrà, Achille Funi, Mario Sironi et Marinetti publient dans il Popolo d’Italia : cet évènement souligne « la principale vertu de notre race, la supériorité de son esprit artistique. » Ils applaudissent « le fascisme, chargé des valeurs de l’idéal » et son chef, Benito Mussolini, qui incarne le renouveau des arts.

Le retour à l’ordre commencerait-il plus tôt. Après avoir défini le dynamisme plastique, atteint les limites de l’abstraction, Umberto Boccioni se laisse influencer par le cubisme et par Cézanne : Paysage montagneux (1916, Novecento Milan) ; certains historiens d’art emploient le terme « régression »

2 – De véhéments débats artistiques

2.1 – Stracittà et Novecento

Un homme, une femme et une revue
Deux tendances artistiques, sensées incarner ce renouveau des arts, vont s’opposer. Curzio Malaparte les définit par des néologismes :
Stracittà, Super-ville, s’attache à la figure de l’homme moderne, bâtisseur de la nouvelle civilisation fasciste, qui doit rayonner dans le monde. (Stracittà mérite son nom, puisque ses protagonistes sont établis à Milan et à Rome).

2.2 – Stapaese
Strapaese, Super-bien-de-chez-nous s’attache aux paysages traditionnels de l’Italie rurale. Dans les 2 cas, super est à comprendre comme dans « c’est super », ou « c’est extra ».
Ces deux courants artistiques considèrent le fascisme comme une idéologie totale, où art et politique se confondent. Le premier cherche à promouvoir une mission civilisatrice que s’est donnée le régime. Le second entend se limiter à une exaltation de la terre italienne. De 1926 à 1930, les deux mouvements s’étripent dans leurs journaux respectifs ….

2.3 – Stracielo

Au point de favoriser un retour en grâce du futurisme, avec l’Aéropeinture, auquel par dérision Marinetti donne le surnom de Stracielo.

Stracittà et Novocentro

« 900 » Cahiers D’Italie et D’Europe 2. Cahiers d’hiver 1926-1927
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Stracittà, s’exprime dans la revue littéraire « 900 : Cahiers d’Italie et d’Europe », fondée en 1926 par Massimo Bontempelli.

Massimo Bontempelli
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C’est un écrivain de talent, qui publie sa vie durant des pièces de théâtre et des romans. Il est nommé au « syndicat des auteurs et écrivains », une organisation corporatiste propre à l’Italie fasciste. Sa revue promeut l’architecture rationnelle et la peinture murale. Il exerce une influence considérable sur la culture italienne. Dans ces 4 premiers numéros, la revue est éditée à Rome et à Paris.

Mario Sironi Portrait de Margherita Sarfatti 1917 encre de Chine sur papier 29,8 x 22,9 cm
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Margherita Sarfatti tient la rubrique artistique dans il Popolo d’Italia. Elle crée un rassemblement d’artistes appelé Novecento, et organise les expositions à la galerie Pesaro de Milan, puis dans toute l’Europe. Dès 1923, elle reçoit un soutien financier de Mussolini, dont elle devient la maitresse. Mussolini inaugure la 1ère exposition le 26 mars 1923. Le Duce prononce un discours qui sous-tend toute l’action du régime pendant deux décennies : « On ne peut gouverner en ignorant l’art et les artistes. L’art appartient à la sphère de l’individu. Le seul devoir de l’état est de donner des conditions de vies décentes aux artistes ». Novecento ne donne pas l’apparence d’un groupe cohérent, mais marque le triomphe du retour à l’ordre et d’un nouveau classicisme, déjà annoncés dans Valori Plastici.
Tous deux sont d’accord sur trois points fondamentaux pour définir un « modernisme classicisant (moderna classicista) ».

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