Stuttgart/Abuja// Essay// Refinery29 + heartxwork, 2019
Mein ganzes Leben lang hat mich die Frage begleitet, woher ich denn nun komme. „Aus einem Dorf in der Nähe von Stuttgart“ hat für mein Gegenüber als Antwort selten ausgereicht. Meine Haare sind zu kraus, die Lippen zu dick, das Diastema zu breit. Es wird viel spekuliert: Ich sähe aus, als käme ich aus Südafrika oder Brasilien, oder New York, haben sie gesagt. Die Aufmerksamkeit war mir sicher, schon immer. Ob ich sie wollte? Noch nie.
Ich bin hier geboren und spreche folglich fließend deutsch. Wenn gefragt wird
„Woher kommst du?“, ist eigentlich immer gemeint: „Woher kommen deine Eltern?“
Mein Vater ist Nigerianer. Er kam Ende der 1970er Jahre nach Deutschland, um Maschinenbau und Elektrotechnik zu studieren und von den – aus seiner Sicht – Besten zu lernen. Zu dieser Zeit sorgte der Ölboom in Nigeria für den wirtschaftlichen Aufstieg des Landes. Für viele gab es also keinen Grund das Land zu verlassen. Ganz im Gegenteil: Es kamen rund eine Million Ghanaer nach Nigeria, um am Wachstum teilzuhaben. Auch für meinen Vater war klar, dass er nur für die Dauer des Studiums in Deutschland bleibt. Anfang der 80er Jahre, nach seinem Abschluss und kurz vor der Abreise, hat er in Süddeutschland an einem Programm teilgenommen, das ihn auf die künftige Tätigkeit im Herkunftsland vorbereiten sollte. Der Kurs fand in einem Hotel statt, in dem meine Mutter arbeitete. Sie und mein Vater haben sich dort mindestens neun Monate vor meiner Geburt kennen gelernt. Die beiden hatten eine Affäre und ich war das Ergebnis.
Meine Mutter wollte das Kind behalten. Mein Vater wollte schnellstmöglich ohne Anhang zurück nach Lagos. Beide haben ihre Interessen erfolgreich durchgesetzt. Jahre später hat er meine Mutter mal gefragt, ob sie mit ihm nach Nigeria gekommen wäre. Sie meinte: auf keinen Fall. Er erwiderte, er wäre auf keinen Fall in Deutschland geblieben. Die Möglichkeit einer Ikea-Katalog-Familie wurde von beiden nicht in Betracht gezogen. Wenn spezifischere Fragen zu meinem Vater kamen, habe ich wahrheitsgetreu geantwortet: „Ich bin ohne meinen Vater aufgewachsen und habe ihn nie gesehen“.
Meist wird die mir im Laufe der Zeit sehr lästig gewordene Unterhaltung in etwa so fortgeführt: „Wie, du hast deinen Vater noch nie gesehen? Hast du nicht das Bedürfnis ihn kennenzulernen?“. Lange Zeit habe ich geantwortet, dass ich jemanden, den ich nicht kenne, nicht vermissen kann. Für mich gab es keinen Grund am Status quo etwas zu ändern. Meine Mutter hat mich mit Liebe überschüttet und an männlichen Bezugspersonen hat es mir auch nie gefehlt. In den letzten Jahren bin ich in immer größere, multikulturellere Städte gezogen und gereist. Die Fragen wurden spezifischer: „Was magst du lieber Fufu oder Yam“? „Ist dein Vater Yoruba oder Igbo?“ Ich wusste es nicht. Wenn jemand die Igbo-oder-Yoruba-Frage einwerfen kann, weiß er oder sie meist auch, wie wichtig für die Nigerianer die Zugehörigkeit zu ihrer Ethnie ist. Igbos und Yorubas haben unterschiedliche Kulturen und Sprachen. Stell dir vor, du kannst nicht beantworten, ob dein Vater aus Deutschland oder den Niederlanden kommt. Was für ein Fauxpas – wie soll man sich dann nur in Sachen Fußball positionieren?
Unabhängig davon ob mein Verhältnis zu männlichen Bezugspersonen gut war. Ob das Unbewusste, das uns laut Freud leitet, dazu geführt hat, dass meine wichtigsten Beziehungen Männer waren – und es bis heute zu einem großen Teil sind –, die früh Vater wurden. Unabhängig von den Gedanken darüber, ob die Abwesenheit meines Vaters nun Auswirkungen auf meine Psyche und damit auf mein Leben hatte, fühlte ich, dass die Antwort „Ich weiß nicht, ob mein Vater Igbo oder Yoruba ist“ für mich nicht mehr ausreichte. Ich fühlte mich ignorant, stumpf, desinteressiert – wie jemand, der alle Asiaten Chinesen nennt.
Die Abneigung gegen meine eigene Ignoranz war nicht der einzige Grund, warum ich mich entschieden habe Anfang letzten Jahres meinen Vater in Nigeria zu besuchen. Da reihten sich noch einige, stetig wiederkehrende Gedanken mit ein:
1) Ich war nie der größte Fan davon Einzelkind zu sein und wusste, dass mein Vater in Nigeria noch eine Familie gegründet hat.
2) Mein Vater ist mittlerweile um die 70 Jahre alt. Er wird nicht ewig leben. Ich habe mich gefragt, ob ich damit klar kommen würde, ihn nie kennen zu lernen – und habe das Gedankenspiel verneint.
3) Wie viel von der Persönlichkeit meines Vater hat sich auf mich übertragen? Die Reise sollte als soziologischer Versuch dienen, um herauszufinden, ob Sozialisation oder Genetik mehr Einfluss auf die Charaktereigenschaften hat.
4) Der Vater-Tochter Film-Dialog zwischen Nicole Kidman und James Caan in Dogville. Die Passage über Arroganz? Mindblowing! Vielleicht hat mein Vater ähnlich interessante Kenntnisse in peto?
5) Das Wetter ist in Abuja – in dieser Stadt wohnt mein Vater mittlerweile – im Januar sehr viel besser als in Berlin.
6) Meine generelle Abenteuerlust.
Nach stundenlangem Warten in der nigerianischen Botschaft, einem 100 Euro leichteren Portemonnaie aufgrund der Visa-Kosten, einem achtstündigem Flug und darauf folgendem Gepäckverlust, war es soweit. Ich traf zum ersten Mal auf meine nigerianische Familie. Auf dem Kieselweg eines Parkplatzes am Rande des Flughafens von Abuja kam mein Vater mir entgegen. Ruhig, gelassen, mit strahlendem Gesicht. Feierlich gekleidet in edlem Kaftan und mit rotem Hut, der, wie er mir kurzer Zeit später stolz erzählte, bei den Igbo-Männern für Tradition und Autorität steht. (Aufmerksamen Leser*innen wird an dieser Stelle nicht entgangen sein, dass diese Information die Antwort auf die Yoruba-Igbo-Frage beinhaltet). Wir umarmten uns herzlich. Niemand hat geweint, geschrien oder ist zusammengebrochen. Kai Pflaume wäre enttäuscht gewesen. Meine 19-jährige Schwester Cynthia hat das im Vorfeld mit Pathos aufgeladene Szenario auf den Punkt gebracht: „Zum Glück bist du lustig, sonst hätte es echt peinlich werden können.“
In den nächsten Tagen fiel mir auf, dass in Abuja nicht nur meine Familie mit Diastemas beglückt wurde. Der Flughafenmitarbeiter an der Gepäckausgabe hatte eins. Die Frau an der Rezeption hatte eins. Alle drei Frauen auf dem Rücksitz beim Car-Sharing hatten eins. Der Popcornverkäufer im Kino hatte eins. Mein Diastema, das jeder deutsche Zahnarzt als sofort zu berichtigenden Störfaktor angesehen hatte, ist in Nigeria die Norm. Kein Schönheitsfehler, sondern ein Schönheitsideal, vererbt von meinem Vater. Und das ist nicht das einzige Merkmal, das uns verbindet. Ich konnte mithören, wie die Zwillingsschwester meines Vaters ihm lachend entgegen ruft, wie offensichtlich es wäre, dass ich seine Tochter sei. Mich irritierte die biologische Ähnlichkeit zu meinem Vater einerseits und die tiefgreifenden Unterschiede in unseren Gespächen über Religion, Flüchtlingspolitik und Homosexualität andererseits. Ich saß wieder zwischen zwei Stühlen. Dieses Mal trennten mich die kulturellen Unterschiede davon, mich auf den Igbo-Stuhl zu setzen.
Ich bin nach Abuja geflogen, um meinen Vater und meine Geschwister kennenzulernen. Wir sahen uns sehr viel ähnlicher als meine deutsche Familie und ich. Mein Vater hat mir erzählt, dass in seiner Tradition die nationale Identität des Kindes von der Nationalität des Vaters abhänge, daher wäre ich eindeutig Nigerianerin. Ganz so einfach ist es für mich nicht. Kulturell scheinen Welten zwischen mir und meiner nigerianischen Familie zu liegen. Ich bin in Deutschland geboren und aufgewachsen. In einer deutschen Familie. Der Familie meiner Mutter. Dennoch habe ich andere Haare. Ein anderes Gesicht. Einen anderen Po. Ich kann mich äußerlich nicht mit meinen deutschen Verwandten identifizieren. Aber ich wurde deutsch sozialisiert. Woher komme ich nun? Ich fühle mich weder deutsch noch nigerianisch. Ich kann sagen, dass meine Mutter aus Deutschland kommt und mein Vater ein stolzer Igbo-Mann ist. Aber was sagt das über mich aus?
Die Schriftstellerin Taiye Selasi sieht den Ursprung dieser Verwirrung in der Frage „Wo kommst du her?“ In ihrem TED Talk „Don’t ask where I’m from, ask where I’m a local“ (2014), stellt sie zur Diskussion, ob die Frage umgewandelt werden soll:
What if we asked, instead of „Where are you from?“ – „Where are you a local?“ This would tell us so much more about who and how similar we are. Tell me you’re from France, and I see what, a set of clichés? Adichie’s Dangerous Single Story: the myth of the nation of France? Tell me you’re a local of Fez and Paris, better yet, Goutte d’Or, and I see a set of experiences. Our experience is where we’re from.
Ich kann ihre Argumentation sehr gut nach vollziehen und auch meine Antwort auf die Frage, woher ich komme, wird immer sein: „Aus einem Dorf in der Nähe von Stuttgart“. Wenn die Frage im Ausland gestellt wird, könnte die Antwort auch „Berlin“ lauten, da das die Stadt ist, in der ich momentan wohne. Ich möchte und muss nicht innerhalb eines Smalltalks meine Familiengeschichte und meine Identitätsfragen auf den Tisch legen. Wäre gut, wenn sich die Bilder in den Köpfen der Allgemeinheit langsam erweitern. Nicht alle Deutschen sehen aus wie einem Leni-Riefenstahl-Film entsprungen. Woher meine Eltern kommen, wo ich jetzt bin und wohin ich möchte, können wir dann gerne bei einem dritten oder vierten Treffen besprechen.
]]>Tunesien. Das frühere Traumziel vieler Pauschalurlauber ist schwer gezeichnet von Revolution und Anschlägen. Die jungen Kreativen des Landes sehen den Nullpunkt als Chance, für eine neue, moderne Identität und Außenwirkung zu kämpfen, die mehr zu bieten haben soll als Clubhotels und Cocktailschrirmchen. Kein leichter Weg.
Tunis// Reportage// Blonde Magazine #38/2016 // F/ Joanna Legid
Die Touristentrauben quetschen sich durch die engen und steilen Gassen der Medina von Tunis. Mini-Shops liegen dicht beieinander. Der Duft von Safran, türkischem Honig und frischem Minztee vermischt sich mit dem Gestank von schweißtriefenden Menschenmassen und dem Kot umherstreunender Katzen. Händler überschlagen sich mit Angeboten und enthusiastischem Gestikulieren. Eine orientalische Version der Winkelgasse aus Harry Potter. Der Souk lebt.
Der Souk lebte. Dieses Szenario ist Geschichte. Geht man heute durch die Märkte der Hauptstadt von Tunesien, überwiegt der Katzenkot gegenüber Menschenschweiß. Die Ware ist da, ja, aber niemand, der sie kauft. Die früher so leidenschaftlichen Händler sehen nicht mal mehr auf, wenn Kunden vorbeigehen. Es ist jetzt das sechste Jahr nach der Revolution. Und immer noch: keine Reisebusse, kein Geldregen, keine Zukunftsmusik. Die Pauschalurlauber tragen ihre Fischerhüte und Trekking-Sandalen lieber wieder im altbewährten Mallorca zur Schau. Das All-inclusive-Paket soll schließlich die Spaghetti Bolo, das Feierabendbier und auf keinen Fall unvorhersehbare Überraschungen beinhalten.
Beim Entlangschlendern über Tunis’ Paradestraße Avenue Habib Bourguiba in Richtung Place de I’Indépendance hat man ständig das Gefühl, es werde gleich demonstriert, es finde ein Festival statt oder Obama komme zu Besuch. Immer ist irgendein Teil der Straße abgesperrt oder eine Hundertschaft Polizisten erschwert das Vorankommen. In den großen Hotels wird man nicht vom Concierge, sondern vom Sicherheitsdienst begrüßt. Kein Wunder. Der Diktator Ben Ali ist zwar weg – toll! – und in Tunesien herrscht jetzt Demokratie – toll! –, aber seit den Unruhen während der Revolution und den beiden Anschlägen im letzten Jahr bleiben die Urlauber weg. Fürein Land, dessen wirtschaftliche Basis der Tourismus ist, nicht so toll. Der Jubel über die neu gewonnene Freiheit ist vielen Tunesiern im Halse stecken geblieben. Existenzängste und Fluchtgedanken machen sich breit. Bei vielen, aber nicht bei allen.
Sofiane Ben Chabaane ist einer der Kreativen Tunesiens. Er ist der Meinung, dass dieser Nullpunkt die Chance sei, um die Identität des Landes neu zu definieren. Sofiane ist in Tunis aufgewachsen und im Alter von 18 Jahren nach Paris
ausgewandert. Er hat dort studiert und danach zehn Jahre lang in einer Werbeagentur gearbeitet. Nach der Revolution ist er mit seiner französischen Frau Claire und seinen Kindern zurück nach Tunis gezogen, um dort das Label Lyoum zu gründen. Sofiane besitzt einen Shop in La Marsa, einem noblen Vorort von Tunis. Das Interieur ist gut sortiert, fast schon minimalistisch, sehr gegensätzlich zum Souk der Medina. Und auch die Kleider kommen ganz ohne Glitzer und Tüll aus. „Ich hatte schon vor der Revolution die Idee, irgendwann zurückzukommen, um dieses Label zu gründen“, sagt Sofiane. Tunesische Mode sei sehr haute couture. Es gäbe kein Label, das Casual-Kleidung in Premiumqualität anböte.
2010/11 ist dann in Tunesien das passiert, was für die Menschen dort etwa so überraschend, hoffnungsvoll und toll zugleich war wie in Deutschland der Mauerfall. Das Volk hat sich gegen die bestehenden Verhältnisse aufgelehnt, die Diktatur wurde durch eine Demokratie ersetzt. „Als ich in Paris davon gehört habe, hat es mich wie einen Schlag getroffen. Wenn du es von außen betrachtest, siehst du das ganze Bild. Ich konnte spüren, dass sich etwas verändern wird. Es gab diese Energie, diese Kreativität unter den jungen Leuten und sie war kurz vorm Explodieren. Und wir wollten so gerne ein Teil davon sein. Von Anfang an. Also entschieden wir uns: Jetzt ist die richtige Zeit für den Launch von Lyoum. Wir wollten eine Marke gründen, die das Tunesien, an das wir glauben, repräsentiert“, erzählt er.
Mit dem Gefühl, eine neue, moderne Identität für Tunesien schaffen zu wollen, ist Sofiane nicht allein. Die junge Medizinerin Fethia Sabrina Farhani zeigt in ihrem Blog vitalunaspirit.com, wie sich die kreative Szene kleidet, wie sie lebt, wo sie isst und wie sie feiert. Seyf Dean, Absolvent der ESMOD Tunesien, hat ein Modemagazin („FFDesigner“) gegründet, das fast ausschließlich tunesische Labels zeigt. Im angesagten Café „Carpe Diem“ in Tunis trifft sich monatlich die neue Gründerszene. Es werden Creative Spaces eröffnet. Sie wollen nicht nur die Wirtschaft im Lande ankurbeln, sondern auch ihre Außenwirkung um 180 Grad drehen. Sie möchten sich gemeinsam für ein Tunesien einsetzen, das mehr zu bieten haben soll als Palmen, Strand und Kamele.
Die Aufbruchstimmung ist auch bei einem kurzen Ausflug zur kleinen Insel Djerba an der Ostküste Tunesiens zu spüren. Ganz besonders in der kleinen Stadt Erriadh, die in dieser wüstenartigen Umgebung, der grellen Sonne und ohne Pauschaltouristen wirkt wie eine Geisterstadt im Wilden Westen. Es fehlt nur noch das Tumbleweed, das sphärisch vorbei rollt. Wir entdecken in der traumartigen Szenerie zwischen den kleinen Gassen und Menzelhöfen in Weiß-Blau eines der größten Open-Air-Street-Art-Museen der Welt. Letztes Jahr hat der Besitzer der Pariser Galerie „Itinerrance“ Mehdi Ben Cheikh 100 namhafte Street-Art-Künstler nach Erriadh eingeladen, damit sie sich an den Häuserwänden verewigen. Natürlich mit Einverständnis der Dorfbewohner. Jetzt können vom Tintenfisch über ein surrealistisches Kamel mit Spray-Kopf bis hin zu Kalligrafien die unterschiedlichsten Street-Art-Kunstwerke betrachtet werden. Mehdi Ben Cheikh hat „Djerbahood“, wie sich das Projekt nennt, initiiert, um das Bild eines neuen, jungen, demokratischen Tunesiens zu schaffen. Ein Tunesien, das attraktiv ist für junge, urbane Reisende.
Vor der Revolution waren Aktionen wie diese nicht denkbar. Die Strategie der Regierung war es, Touristen in Hotelkomplexe zu stecken. Auch Ausflüge sollten ausschließlich vom Hotel geplant werden. Der Urlauber hatte nur Kontakt zum Tunesier als Poolboy, zum Tunesier als Kamelführer, zum Tunesier als Händler. Sofiane erzählt euphorisch, dass jetzt endlich die Möglichkeit bestehe, das Land richtig kennenzulernen, fernab der Touristenplätze. Es gäbe so viele Clubs, Bars, Restaurants hier. Er empfiehlt auszugehen, um die Tunesier richtig kennenzulernen. „Das Land sind die Menschen. Wir haben große wirtschaftliche Probleme. Aber ich denke nicht, dass wir Touristen nur des Geldes wegen brauchen. Wir brauchen auch den Dialog mit Menschen aus anderen Ländern. Der kreative Diskurs und die Annäherung sind der Schlüssel zum Erfolg.“
Einer der von Sofiane genannten Clubs ist der „Le Club les Jasmins“. Der Besitzer erzählt, dass hier auch DJs aus der Berliner „Panorama Bar“ auflegen. Das Interieur ist sehr europäisch. Eine Lounge, Terrasse mit Meerblick, die Partygäste tanzen ausgelassen zu „Work“ von Rihanna. Es wird Alkohol ausgeschenkt, ebenfalls zu europäischen Preisen. Nur wenige in Tunesien können sich einen Abend im „Les Jasmins“ leisten. Es prallen zwei Welten aufeinander. Sofiane hat in Paris studiert und gearbeitet, Fethia hat Medizin studiert und Seyf an der ESMOD Modedesign. Im Gegensatz zur Mehrheit der Bevölkerung, die teilweise traditionellere Ansichten haben oder wirtschaftlich am Ende sind, gehören sie zu den Privilegierten, die die Möglichkeit und die Bildung haben, für ein modernes Tunesien zu kämpfen, das Brücken zur westlichen Welt baut.
Momentan leben die Kreativen noch in einer kleinen Blase. Sie unterstützen sich gegenseitig und sehen die Revolution als Chance, um endlich gemeinsam an einer konkurrenzfähigen Identität arbeiten zu können. Mit dem Ziel, dass Tunesien für Individualreisende und Kreative aus aller Welt interessant wird. Es bleibt spannend, wie sich die Auswirkungen der Revolution weiterentwickeln werden.
Berlin// Protokoll// F// Joanna Legid// heartxwork
Man muss nicht den Springerstiefel im Gesicht spüren, um von Rassismus betroffen zu sein. Es gibt subtilere Arten von Rassismus. Es gibt subtilere – nicht immer beabsichtigte – Arten, einer Person das Gefühl zu geben nicht dazu zu gehören. Die Vermieterin, die dir bei der Wohnungsübergabe sagt, dass es dir gefallen werde, in Neukölln zu leben, weil hier viele Migranten wohnen würden. Die ältere Frau im Bus, die dich auf Englisch mit stark deutschem Akzent anspricht: „It’s very good that you are here in Germany!“. Der Arzt, der versucht, zu erraten aus welchem Land du kommst – ungefragt. Am Ende bleibt häufig ein „die“ und ein „wir“. Eine Studie der Friedrich-Ebert-Stiftung zeigt: Über die Hälfte der Bevölkerung ist der Meinung, dass Deutschland ein Einwanderungsland sei und Einwanderung das Land wirtschaftlich, gesellschaftlich und kulturell bereichern würde. Doch wie kann die Bereicherung wechselseitig stattfinden? Welche Reaktionen, Erlebnisse und Umgangsweisen stärken den Gemeinschaftsgedanken?
Folgend berichten vier BIPOC* von einer inklusiven Erfahrung in ihrer Heimat/Wahlheimat.
*Black, Indigenous and People of Color
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]]>Berlin// Interview// Blonde Magazine Online, 2016// F/ Joanna Legid
Berlin, Kreuzberg. St. Georg. Noch drei Stunden bis die Releaseparty zur Blonde Basic Issue beginnt. Im verwinkelten Kellerclub werden gerade bunte Lichterketten aufgehängt. Believe the Hype: Die beliebte Deko der 1980er Jahre ist seit Stranger Things wieder hoch im Kurs. Es riecht nach dem kalten Rauch der letzten Nacht. Die Überreste werden zusammengekehrt. Die Band SHI, die am Abend die Partygäste begeistern soll, kommt zum Soundcheck. Die kurzen Haare, der neugierige Blick: Passend zur Deko erinnert Sängerin Ada an Eleven, eine der Protagonistinnen der oben genannten Serie. Ada wirkt zerbrechlich und stark zugleich. In ihren Liedern singt die 27-jährige über das Lieben und Leiden. Sie ist das Herz des Duos. Der 29-jährige Gordian komponiert die Musik am Computer. Er kennt sich aus. Mit Genres. Mit Klängen. Mit Technik. Er ist der Kopf. Zusammen haben sie gerade ihre Debüt-EP „</3“ veröffentlicht. Darauf zu hören sind fünf Songs mit Adas sanfter Stimme und Gordians mal sphärischen, mal treibenden Beats.
Ada, einer der Songtitel ist „Finally Russian“. Du bist in Rußland geboren. Inwiefern spielen deine Wurzeln beim Texten eine Rolle?
Mich interessiert in wie weit Menschen in bestimmten Familienkonstellationen funktionieren können: Müssen sie etwas repräsentieren mit dem sie sich vielleicht gar nicht gut fühlen? Die Tochter die so und so sein sollte, vor allem in Russland – lange blonde Haare, geschminkt, lackierte Fingernägel, mit 19 Jahren verheiratet. Das sind Thematiken, bei denen ich das Gefühl habe, die Familie zu enttäuschen, weil ich genau dagegen agiere und mich so schwer gewissen Zwängen fügen kann. Auch in meinen Beziehungen war das immer ein Problem.
Probleme in Beziehungen, die du dann in Songs verarbeitest?
Ich bin ein sehr gefühlsgeladener Mensch. Ich liebe es zu lieben und dazu gehört auch Leid. Dementsprechend ist es ein psychologisches Motiv, das mich beschäftigt. Ich studiere ja Kunst. Ich habe immer das Gefühl Pathos ist darin verboten und eine gewisse Coolness muss dabei sein. Für mich war immer Musik die wahre Kunst, weil sie Pathos erlaubt. Wir dürfen über die Liebe singen. Wir dürfen wegen ihr sterben wollen.
Die Band gibt es erst seit knapp einem Jahr. Habt ihr beide eine musikalische Vorgeschichte?
Gordian: Ich habe früher aufgelegt, hauptsächlich Techno. Ich habe so eine Art Live-Set-up auf der Bühne gespielt wie ich es bei SHI auch mache.
Ada: Musik habe ich vor SHI immer nur für mich gemacht – mit Garage Band, aber eigentlich nie professionell.
Ab wann ist SHI für euch erfolgreich?
Ada: Ich erkläre das wieder mit einem Vergleich zur Kunst: Wenn wir eine Ausstellung machen, zeigen wir unsere Werke an denen wir monatelang gearbeitet haben. Interesse daran zeigen dann entweder die Kommilitonen oder ein paar elitäre Schnösel, die eigentlich nur eine Dekoration für ihre Wohnung suchen. Bei Musik ist es anders. Musik kann ein 13-jähriges Mädchen oder Junge fühlen und nachsingen und das auch noch 20 Jahre später. Je mehr Menschen wir erreichen und emotional treffen, desto besser. Wenn es eine gemeinsame Masse wird mit der man gemeinsam leiden, lieben und sein kann. Das wäre großartig. Da wollen wir hin.
Auf eurer Instagram Seite @shioffline bekommt man viel nackte Haut zu sehen, vor allem von dir Ada. Hast du dich schon immer so wohl in deinem Körper gefühlt?
Ich war früher sehr schüchtern und hab mich nie nackt gezeigt.
Zuhause bei meiner Familie habe ich immer das Badezimmer abgeschlossen.
Das positive Körpergefühl habe ich mir erst später beigebracht. So mit
20 Jahren habe ich gemerkt, dass die Konfrontation mit den Ängsten meist
alles besser macht. Meine Vorbilder waren Frauen aus den Medien, die
dazu beitragen oder dafür kämpfen. Als ich mit dem Kunststudium
angefangen habe, lernte ich neue Leute kennen, die ein bisschen
exhibitionistisch veranlagt waren. Innerhalb des Freundeskreises war es
so normal und so egal nackt zu sein.
Warum ist es dir so wichtig Körper zu zeigen?
Der weibliche Körper wird zu stark sexualisiert. Ich möchte wie
ein Mann oben ohne herumlaufen können ohne dass meine Brust erotisiert
wird. Die Tabuisierung, die Verbote, getrennte Saunen – dadurch wird
erst alles komisch. Wir müssen darum kämpfen, dass der weibliche Körper
entmystifiziert wird. Der Körper ist nur Körper. Jeder ist
unterschiedlich auf seine Art und Weise und dennoch gleich. „Auf die
inneren Werte kommt es an“ ist ein blöder Spruch, aber er bringt es ganz
gut auf den Punkt. Ich wollte mit gutem Beispiel voran gehen.
Du hast sehr viele Tattoos. Dein Körper ist ein Kunstwerk für sich. Die Madonna auf dem rechten Oberarm fällt besonders ins Auge. Welche Bedeutung hat sie für dich?
Das Tattoo habe ich mir selbst gestochen. Vor drei oder vier Jahren. Da war ich noch Anfänger. Ich habe bestimmt fünf Stunden dafür gebraucht. Die Madonna ist das Sinnbild der Frau als Mutter. Für mich steht sie für das Schöpferische der Frau. Ich sammle auch viele Marien, aber ich bin nicht gläubig.
Hast du noch mehr Tattoos, die das Frau oder Mutter sein thematisieren?
Auf dem rechten Arm weiter unten steht „Ich reiß mir eine Wimper aus und stech dich mit ihr tot“. Die Zeile habe ich in Wien entdeckt. Es gibt ein Buch des österreichischen Autors Joseph Winkler das so ähnlich heißt („Ich reiß mir eine Wimper aus und stech dich damit tot“, 2008, Anm.d.Red). Im Buch verbietet eine Mutter ihren Kindern, untereinander das Brot zu schneiden, weil sie damit dem Hergott die Fersen abtrennen würden. Der Junge antwortet dann jedes Mal mit dem Wimpern-Spruch. Nach weitere Recherche habe ich herausgefunden, dass die Zeile eigentlich aus einem Nonsense-Schlager von 1928 stammt. Ich habe mir die Zeile stechen lassen, weil ich sie witzig fand. Mit unverarbeitetem Mutter-Komplex oder ähnlichem hatte das nichts zu tun.
Ist das ein russischer Schriftzug auf der Außenseite deines rechten Oberarms?
Ja, übersetzt heißt der Spruch: dosierte Kurzzeitliebe. Ich habe das Tattoo seit ich 20 Jahre alt bin. Damals war das unser Motto. So oft wie möglich verlieben, weil Liebe schön ist. Aber man wird ja oft nach drei Monaten wieder enttäuscht und dann fängt alles von vorne an. Aber man muss trotzdem dankbar sein über diese dosierten Momente, weil sie ja konzentriert und deshalb etwas besonderes waren. Keine Reue, kein ‚Oh Gott, ich habe mich schon wieder auf jemanden eingelassen‘. Manchmal ist es besser gute Stunden zu haben und trotzdem danach ins offene Messer zu rennen.
Um dann zu leiden und sich „Sad Girl Forever“ auf den rechten Oberschenkel zu tätowieren?
Ja genau [lacht]. Ich verwende den Slogan sehr gerne.
Das hat etwas mit meiner Herkunft zu tun. Den Russen wird ja nachgesagt,
dass sie immer sehr melancholisch und schwermütig sind. Das habe ich
auf jeden Fall mitbekommen. Die zweite Inspiration für das Tattoo war
die Band Sad Boys von Young Lean. Ich fand es cool, dass sie zu ihrer
Trauer stehen und das so feiern.
Tunis// Bericht// F/ Joanna Legid // Refinery29 Germany, 2018
Die High-Society Tunesiens nimmt Platz – auf den Stuhlreihen innerhalb der Arena des Amphitheaters von Kathargo. Wo sich vor über 2.000 Jahren vor den Augen des Volkes stählerne Russell Crows die Köpfe eingeschlagen haben, blicken die Zuschauer heute auf einen eigens konstruierten Catwalk und eifern einem weit weniger blutigen Ereignis entgegen: Der zehnten Edition der Tunis Fashion Week. Die Schauen sind hier ausschließlich Abendveranstaltungen, Scheinwerfer beleuchten das geschichtsträchtige Ambiente. Unsere Game of Thrones-infiltrierten Gehirne erwarten feuerspeiende Drachen oder mindestens königliche Roben.
Die ersten Models, die den Laufsteg entlang stolzieren, lassen jedoch die Bilder im Kopf schnell zerplatzen. Kurze moderne Hemdkleider mit der Aufschrift „Strong Women“, eine knallenge rote Schlaghose mit bunten Glitterherzen auf dem Galon-Streifen, bauchfreie Blüschen mit Puffärmeln in Neonpink und im Hintergrund die popkulturelle Hymne des Women Empowerment, Beyonces „Run the World“: Die Kollektion von Fatma Ben Soltane schreit nach sexueller Befreiung ohne den Glamour dabei zu vernachlässigen.
Die Tunesierin zeigt ihre Entwürfe unter dem Namen Soltana seit 2015 auf der Fashion Week Tunis. Ihre Mission dabei sei es, dem Slut Shaming mir einer Symbiose aus figurbetonter Kleidung und politischem Manifest entgegenzuwirken.
Fatmas Kollektion ist keine Ausnahme. Knappe 70er Jahre Disco-Kleider bei Amin Hajri, customized Jeans mit tiefen Einblicken bei Blue Twins und nackte Haut bei Designerin Mouna Ben Braham, die, obwohl sie sich an der Brautmode orientiert, Tradition und Moderne vereint. „Unsere Mütter würden meine Entwürfe niemals tragen, aber die jüngere Generation mag es modern und freizügig“, berichtet sie. Trotzdem sei es ihnen wichtig, ihre Tradition in den Kleidungsstücken zu erkennen. Crop Tops mit typisch tunesischen Stickereien wären für die viertägigen Hochzeitszeremonien sehr beliebt.
Feministische Slogans und freizügige Kleidung bei einem öffentlichen Ereignis zur Schau gestellt: Wie passt das zu unserem Bild eines arabisch-muslimischen Landes? Funktioniert die Freiheit der tunesischen Frau nur im abgetrennten Raum der Modewelt oder kann sie auch in knappen Glitzer-Shorts durch die Medina schlendern? Selbst Touristinnen wird geraten sich außerhalb der Hotels angemessen zu bedecken. Sade, eines der Catwalk-Models, erklärt uns, dass man in Tunis eigentlich alles anziehen könne, es käme nur darauf an, in welchem Viertel man unterwegs sei. „In den reicheren Vierteln La Marsa, Carthage und Sidi Bou Said sind die Menschen offener und freizügiger. In der Medina, auf dem Souk und in den ländlicheren Gegenden Tunesiens ist es verpönt als Frau knappe Kleidung zu tragen.“ Außerdem müsse man natürlich auch darauf achten, ob gerade Ramadan sei. Während dieser Zeit würden Tunesier*innen empfindlich auf freizügige Kleidung reagieren, fügt die 24-Jährige noch hinzu.
Inmitten des Publikums der Tunis Fashion Week fällt uns Rahma positiv auf. Sie trägt ihren Hijab in Kombination mit einem karierten Anzug, den sie selbst geschneidert hat. Die 27-jährige Designstudentin erzählt, dass sie oft „Männerkleidung“ trage und das in Tunis niemanden interessieren würde. „Die Frauen hier sind modern!“
Ihre Aussage stimmt überein mit dem Fakt, dass Frauen in keinem anderen Land im arabischen Sprachraum so viele Rechte haben wie in Tunesien. 2017 wurde ein Gesetz verabschiedet, das Frauen vor häuslicher Gewalt schützen soll. Ein weiteres Gesetz, das Frauen verbietet nicht muslimische Männer zu heiraten, wurde abgeschafft und eine Debatte über die Gleichberechtigung von Frau und Mann im Erbrecht ist eröffnet worden. Außerdem gibt es in keinem anderen arabischen Land so viele Frauen in den Universitäten und auf dem Arbeitsmarkt wie in Tunesien.
Mit Frauenrechten und einer Demokratie, die seit dem arabischen Frühling vor sieben Jahren immer noch besteht, beginnen die Tunesier an einem neuen Image zu arbeiten. Seyf Dean, Chefredakteur des tunesischen Modemagazins FFDesigner, fragt: „An was denkt ihr als erstes, wenn ihr an Tunesien denkt? Nervige Händler, Bettenburgen, Kamele?“ Seit der Revolution arbeiten er und andere Kreative in den unterschiedlichsten Bereichen daran, eine neue tunesische Identität zu kreieren und zu vermitteln. Zwischen Moderne und Tradition. Zwischen West und Ost.
Das Enfant Terrible der Tunis Fashion Week, Braim Klei, hat kein Interesse daran am neuen Image Tunesiens mitzuwirken. Der 27-jährige Designer ist genervt davon, dass die Fashion Week aufgrund von Stromausfällen, über nicht kommunizierte Änderungen im Schedule, bis zu unpassenden Veranstaltungen von Sponsoren nicht sehr professionell wirke. Außerdem würden die tunesischen Designer*innen Jahr für Jahr die gleichen Kollektionen präsentieren. Sie würden in ihrer Blase bleiben und alles ignorieren, was außerhalb passiere. Braim ist inspiriert von Designern wie Rick Owens und fällt mit seiner minimalistischen Kollektion in schwarz-weiß aus dem Rahmen.
Er möchte raus aus der verstaubten Arena vergangener Herrscher und Gladiatoren. „Ich bekomme hier keine Luft mehr, ich ersticke. Solange ich in Tunesien bleibe, komme ich nicht voran. Ich muss irgendwo anders hin, ganz weit weg“, erzählt Braim aufgebracht. Vielleicht nach Paris, um in die Fußstapfen der tunesischen Designerlegende Azzedine Alaïa zu treten?
Bei den jüngeren Gästen der Fashion Week sind ähnliche Meinungen vertreten. Die Jugendarbeitslosigkeit in Tunesien sei sehr hoch und die Teenager des Landes desillusioniert. Die 15-jährige Cyrine sei zwar interessiert an Mode und Design, wisse aber, dass es in Tunis immer schwerer würde seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Mit BWL hätte man wenigstens noch eine Chance. Mit einem Designstudium sähe sie keine Zukunft für sich. Auch der 18-jährige Houceem ist nicht gut auf seine Chancen im Land zu sprechen. Er will nach Europa, um Schauspieler zu werden. Die 21-jährige Designstudentin Wiem sieht ihre Möglichkeiten auf dem Arbeitsmarkt nach dem Studium in Italien oder im Libanon.
Es bleibt zu hoffen, dass Tunesien eine Möglichkeit findet, die Jugend zu fördern und Perspektiven aufzuzeigen, denn sie sind es, die die Zukunft des Landes verändern können.
]]>Rudna// Reportage// F// Joanna Legid// heartxwork, 2019
Im August 2018 sitzt Alice Francis auf einem weißen Plastikstuhl, an einem weißen Plastiktisch, im Garten von Schloss Rudna. Mit am Tisch sitzen ihre Mutter Maria und Victor, der Landarbeiter, der immer anfängt zu weinen, wenn er ein bestimmtes rumänisches Lied hört und dabei an seine Jugend zurückdenkt. Es dämmert, das Abendessen ist verschlungen und der, grob geschätzt, fünfte Pálinka wird gerade ausgeschenkt. Pálinka ist ein Obstbrand und in den ländlichen Gegenden Rumäniens unumgänglich, damit der Alltag in Gang kommt, damit der Alltag ausklingt, damit der Alltag überhaupt stattfindet. „Ohne Pálinka wird hier gar nicht erst gearbeitet“, erzählt Maria schmunzelnd. Der Schnaps gehört zum Frühstück wie die Eier der freilaufenden Hühner, zum Mittagessen wie das Schweinesteak aus den Nacken der gemästeten Hängebauchschweine und zum Abendessen wie der Käse aus der Milch der Schafe, der – vermischt mit Maisbrei – zum Nationalgericht Mămăligă wird.
Alice wurde 36 km südwestlich von Rudna, in Timisoara geboren. Ihre Mutter ist Rumänin. Ihr Vater ist Tansanier. Als Alice fünf Jahre alt war, wanderten sie aus. Nach Köln. Ihr Vater lebte in den letzten Jahren vor seinem Tod 2014 in Leverkusen. Ihre Mutter ist vor einigen Jahren wieder nach Rumänien zurückgekehrt. Sie ist in Rudna in eine Schlossruine gezogen, die sie als Selbstversorger Hof nutzt. Und Alice… Alice pendelt, wenn sie gerade keine Gigs hat, zwischen Köln, Berlin und Rudna.
„Ich wollte damals nur noch weg aus Rumänien“, erinnert sich Maria und kümmert sich um die sechste Runde Pálinka. Mittlerweile ist es stockdunkel. Die in der leichten Sommerbrise flackernden Flammen der Kerzen zeichnen sich als Schatten in den Gesichtern ab. In der Ferne wiehern die Pferde. Dana und Steluta. Mutter und Tochter. Nach der Sicherstellung des Schnapsnachschubs überlagern ernste Themen die lustige Runde. Vorgetragen von einer immer fröhlichen, nie verbitterten, rosige Wangen tragenden Maria. Sie erzählt davon, wie sie Anfang der 1980er Jahre in Rumänien aufgrund ihrer Beziehung mit einem Ausländer, Alices Vater, ständig von der Polizei verhört worden sei. Sie erzählt von einem Antrag, den sie immer hätte mit sich tragen müssen, um zu beweisen, dass Mann und Kind zu ihr gehören. Sie erzählt von jahrelangem Warten auf eine Heiratsgenehmigung. Drei Jahre.
Alices Vater war nicht illegal in Rumänien. Ganz im Gegenteil. Er kam Ende der 1970er-Jahre nach Timisoara, um Medizin zu studieren. Nicolae Ceaușescu, der Diktator, der Rumänien von 1965 bis 1989 regierte, hatte zu dieser Zeit einige Stipendien an Studenten aus Sub-Sahara-Afrika vergeben. Westeuropa verlor das Interesse an den industriellen Gütern Rumäniens. Ceaușescu wollte Afrika als Handelspartner gewinnen und die Bildungsförderung war eine vieler Maßnahmen, die zum gewünschten Ziel führen sollten. Das große Willkommen auf dem Papier, hätten Alices Eltern im täglichen Leben allerdings vermisst.
Abrupt wechselt Maria von der Vergangenheit in die Gegenwart. Sie möchte die Eulen-Teenager frei lassen, die sie vor einigen Wochen hilflos auf dem Boden liegend gefunden hat. Sie seien jetzt flügge. Maria springt vom weißen Plastikstuhl auf und bewegt sich in Richtung der Ställe. Alice stapft in blauer Glanz-Trainingshose, bauchfreiem Top und Gummilatschen hinterher – ein Look, der in Berlin-Kreuzberg als en vogue gilt, ist für Alice ein Nicht-Look, der gerade mal zum Ausmisten der Schweineställe taugt, oder eben zum Freilassen von pubertären Eulen. Kurz: Käfig auf. Eulen raus. Eulen fliegen. Eulen weg. Eine Sache von fünf Minuten. Wieder an der weißen Plastikgarnitur angekommen, den siebten Pálinka im Glas, bemerkt Alice: „Als Kind war ich in Rumänien die Attraktion.“ In Timisoara hätte es nicht viele Kinder mit afrikanischen Wurzeln gegeben. Alle hätten sie süß gefunden und geliebt. Ausgegrenzt oder anders hätte sie sich nicht gefühlt.
Maria:“Erinnerst du dich nicht, dass du mir immer deine Handinnenflächen gezeigt hast…“
Alice: „…und dann habe ich gesagt: ‚Ich bin doch auch weiß`. Stimmt.“
Maria: „Das hat mir damals das Herz gebrochen.“
Alice: „Ich habe nicht verstanden warum ich anders sein soll. Warum das so wichtig ist. Ich habe dann angefangen die Hautfarbe zu ignorieren. Nicht schwarz zu sein. Nicht weiß zu sein. Einfach ich zu sein. Alice Francis zu sein.“
Heute trifft Alice Aussagen wie „Nein, Josephine Baker inspiriert mich nicht, weil sie schwarz war, sondern weil sie so aussieht wie ich.“ oder „Ich habe mit Schwarz-Sein nichts am Hut.“ Wenn sie gefragt wird, woher sie komme, antwortet Alice meist: „aus Rumänien.“ In einem Telefonat vor der Reise nach Rudna erzählt sie, dass sie genau das geantwortet hätte, als sie kürzlich in einer Bar gewesen sei und ein Mann und eine Frau mit afrikanischen Wurzeln die „Woher kommst du“-Frage stellten. Die beiden hätten sich mit der Antwort nicht zufrieden gegeben.
Die beiden: „Woher kommst du wirklich?“
Alice: „Mein Vater ist Tansanier.“
Die beiden: „Warum sagst du das nicht gleich? Du verleugnest deine afrikanische Identität!“
Alice erwidert, dass sie nichts verleugne. „Ich bin in Rumänien geboren und habe die ersten fünf Jahre dort gelebt. Ich bin mehrmals im Jahr in Timisoara, spreche die Sprache, identifiziere mich mit der Kultur, warum soll es nicht richtig sein, wenn ich sage: „Ich bin Rumänin?“ Alice war erst zweimal in Tansania. Ihr Vater hatte ihr die Sprache, Sitten und Gebräuche des Landes nicht näher gebracht. „In Tansania lachen sich die Leute kaputt, wenn ich sage, dass ich Tansanierin bin. Aus ihrer Sicht bin ich eindeutig aus der weißen Welt, obwohl meine Hautfarbe relativ dunkel ist.“ Sie fühle sich dort ausgegrenzt und werde von ihren Verwandten „Mzungu“ (Begriff aus der Bantusprache für Menschen europäischer Abstammung, Anm .d. Red.) genannt. Was würde zwei Fremde in einer Bar schon darüber wissen. Nur weil die beiden und Alice sichtbare optische Merkmale einer afrikanischen Herkunft hätten, würde das nicht bedeuten, dass sie obligatorisch Verbündete seien.
Nach dem achten Pálinka wechselt Alice von der auf dem weißen Plastikstuhl sitzenden Position in die auf dem Sofa liegende im Wohnzimmer. Sie kommt auf ihre frühen Erfahrungen als Tochter eines tansanischen Vaters in Rumänien zurück. Sie erzählt nachdenklich, dass sie es schon damals gut gefunden hätte im Mittelpunkt zu stehen. Von den Leuten als besonders angesehen zu werden. Nur finde sie es nicht ausreichend wenn die Besonderheit auf das Aussehen, auf die Hautfarbe reduziert werde. „Ich habe vor langer Zeit angefangen, mich als Individuum zu stärken, die Identifikation in mir selbst zu suchen.“ Es sei um einiges angenehmer, die Aufmerksamkeit als Sängerin auf sich zu ziehen, stellt Alice fest, während sie ein verirrtes Huhn entdeckt, das sich hinter der Staffelei schlafen gelegt hat. Sie nimmt es auf den Arm und trägt es nach draußen.
[…] I was trying to pin point my own wish to believe it at it is extremely tempting sometimes and very comforting the feel that I am in some deep spiritual way a black woman connecting to all these black woman. […] I love her but that’s the kind of relationship I am interested in – between individuals and between people. It has to be love not just a claiming for the sake of the claim. […]- Zadie Smith on Culture vs. Race, Bernard College
Es ist dr 26. August. Der Tag nach der Nacht auf den weißen Plastikstühlen, der freigelassenen Eulen, dem Schwelgen in Erinnerungen an ein Rumänien der 1980er Jahre. Alice hat Geburtstag. Livio, ein Freund der Familie schlägt vor, an die nahe gelegene Temesch zu fahren. Die Nacht am Ufer des Flusses zu verbringen. Zu Fischen. Ein Lagerfeuer zu machen. Es werden Zelte und Angelruten eingepackt. Die auserwählte Stelle ist umgeben von hohen Gräsern. Nur ein entfernter Feldweg lässt an der Unberührtheit der Natur zweifeln. Die Angelruten sind ausgeworfen. Die Zelte stehen. Das Lagerfeuer lodert. Fische werden in dieser Nacht keine gefangen. Dafür erzählt Liviu Geschichten. Liviu war als Jugendlicher Haus- und Hoffotograf von Nicolae Ceaușescu und später Kriegsjournalist im Balkankrieg. Er erzählt vom Krieg. Von Dracula. Vom Diktator. In der Ferne durchbrechen zwei kleine gelbe Punkte die Nacht. Scheinwerfer eines Autos, das einsam und verlassen den Feldweg entlang schleicht. Livio erklärt, dass die serbische Grenze nicht weit sei und die Polizei hier regelmäßig nach Geflüchteten suche.
Seit Bulgarien und Ungarn ihre Grenzen mit Stacheldraht gesichert haben, führen die Schlepper die Menschen über Rumänien nach Westeuropa. Die Kontrollen an der Temesch hätten zugenommen. Liviu guckt um sich. Er stellt fest, dass alle in der Runde von außen betrachtet in das Beuteschema der Grenzpolizei passen würden. Drei Frauen mit afrikanischen Wurzeln. Sie könnten vor Klimawandel, Armut oder Krieg fliehen. Er könnte der Schlepper sein. Liviu denkt laut darüber nach wie er reagieren würde, wenn die Polizisten hier her kämen. Er würde sagen: „Das sind meine Kinder.“ Das wäre die Rettung. Gelächter. Nichts passiert. Das Auto verschwindet in der Dunkelheit. Auf dem Rückweg zu Maria – die die kleine Geburtstagsgesellschaft um drei Uhr nachts mit Pálinka und einer ordentlichen Mahlzeit erwartet – wird Livius Auto am Ende des Feldweges von Polizisten angehalten. Die beiden Beamten leuchten mit der Taschenlampe in die Gesichter der Insassen. Erst in Livius Gesicht. Am Ende in Alices Gesicht. Ein Schlagabtausch auf Rumänisch. Bedrohlich. Dann fallen die Namen „Alice Francis“ und „Castel Rudna“. Die Grenzpolizisten lächeln beschämt wie zwei Teenager, die gerade ihr Idol getroffen haben. Sie geben Livio das Zeichen zur Weiterfahrt. Ohne das Vorzeigen von Papieren. Ohne Verhör.
Berlin// Protokoll// F// Joanna Legid// heartxwork
Ebow ist nicht das Mädchen, das versucht, sich aus den Zwängen einer streng religiösen Familie frei zu rappen. Sie studiert Architektur, nicht die Straße. Sie redet wie sie rappt. Sie ist vorlaut, ist überlegt, ist sanft, ist stark, ist schüchtern. Die Abwesenheit von Stereotypen spiegelt sich auch in ihrer Musik wider. Für HipHop-Festivals sei sie nicht HipHop genug, für andere Sparten zu experimentell oder zu hiphoplastig. Im Interview erzählt sie, dass es aus diesem Grund sehr lange gedauert hätte, eine Booking-Agentur zu finden. „Ich glaube, dass die Industrie keine Schublade für mich hat.“
Ebow rappt seit sie 13 Jahre alt ist. Mal hieß sie „Queen Size“. Mal „Caramel“. Erst mit 18 Jahren legte sie sich sich auf Ebow fest. „Ebow“ sei eigentlich die dörfliche Aussprache ihres Namens „Ebru“. Ihre Oma und ihr Papa hätten sie immer so gennant, erzählt sie. Ebow ist mit ihrer kurdisch-alevitischen Familie in München aufgewachsen. Ihre Mutter war im Alevitischen Verein für Europa tätig. „Ich habe gesehen, wie sie vor 10.000 Menschen Reden hielt. Das hat meine Musik geprägt. Für mich ist es immer wichtig gewesen, Musik zu machen, die politisch ist.“ Auf ihrem letzten Album „Komplexität“ (2017) rappt Ebow ihre Meinung zu Migration, Waffenpolitik, Feminismus, soziale Ungerechtigkeit, aber auch zu Social Media und Dating. Roh. Ungeschönt. Ehrlich? Zum Teil. „Ich habe lange versucht, zu verheimlichen, dass es in meinen Songs über Dating, um Girls ging.“ Bis jetzt.
Ebow über ihre neue EP „EBOW 400“ (1.August 2019):
„’EBOW 400′ ist das erste musikalische Werk, das ich unter meinem eigenen Label ‚ALVOZAY‘ release. Ich glaube, dass viele Frauen in der Musikindustrie mit den alten Strukturen zu kämpfen haben. Man sitzt mit Männern an einem Tisch, die für einen reden wollen, aber die eigene Perspektive nicht nachvollziehen können. Mich davon zu befreien, hat lange gedauert. Bei der Umsetzung dieser EP hatte ich endlich alle Freiheiten.
Ich habe mich für Love Songs entschieden, weil ich denke, dass wir sie brauchen. Wenn wir verliebt sind oder Liebeskummer haben, sind unsere Gefühle und Gedanken im Ausnahmezustand. In dieser Situation einen Love Song zu hören, der genau erklärt, was man empfindet und denkt, hilft dabei, die innere Ruhe wiederzufinden, die Gedanken und Gefühle zu ordnen.
Ich schreibe Love Songs über queere Liebe, weil ich finde, dass es davon zu wenig gibt. Auch ich habe lange versucht, zu verheimlichen, dass es in meinen Songs um Girls geht, weil ich Angst vor Ausgrenzungen hatte. Ich habe immer alles so umgeschrieben, dass die Lyrics am Ende an einen Typen gerichtet waren. Jetzt bin ich 29 Jahre alt und an einem Punkt, an dem ich niemandem mehr etwas vormachen möchte. Bei meinem letzten Album habe ich es relativ offen gelassen. Kein Gender benannt. Jetzt dachte ich: ‚Go for it‘. Die EP bedeutet mir sehr viel, weil ich mich getraut habe.“
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]]>Berlin// Interview// Refinery29 Germany, 2018// F/ Joanna Legid
Nach der Parade ist vor der Parade. Der internationale Pride Monat Juni ist vorüber. Für Berlin kein Grund die Feierlichkeiten einzustellen. Am Wochenende fand zum 40. Mal der Christopher Street Day statt. Die Parade, die in jedem anderen Land Pride oder Gay Pride genannt wird, heißt bei uns wie eine Straße im Greenwich Village in New York City. Nicht ohne Grund: In dieser Straße befand sich das Stonewall Inn, eine Schwulenbar, in der regelmäßig Polizeirazzien durchgeführt, Gäste aufgeschrieben und sogar festgenommen wurden. Im Juni 1969 stießen die überraschten Polizisten zum ersten Mal auf Gegenwehr. Schwule, Lesben und trans Personen versammelten sich, allen voran trans* Personen of Color wie Marsha P. Johnson und Sylvia Rivera, und standen drei Tage lang für ihre Rechte ein. Das war der Auftakt zur „homosexuellen Befreiung“. Die Community wollte sich nicht mehr verstecken, sondern für ihre Gleichberechtigung kämpfen. Seither findet jedes Jahr ein Gedenkmarsch statt – in Deutschland seit 1979.Egal, ob wir die Demonstration Pride oder CSD nennen und ob im Juni oder Juli protestiert wird – wichtig ist, dass es darum geht, das Schamgefühl, das häufig von der Gesellschaft auferlegt wird, abzuschütteln, die eigene sexuelle Identität mit Stolz nach außen zu tragen und sich für gleiche Rechte einzusetzen. Oder viel mehr: Es ging darum. Seit 1994 sind die Richtlinien für homosexuelle und heterosexuelle Beziehungen vor dem Gesetz einheitlich. Seit 2017 dürfen gleichgeschlechtliche Paare in Deutschland heiraten. Ist es 2018 überhaupt noch nötig auf die Straße zu gehen oder ist schon alles erreicht und die einstige Demonstration ist „nur“ noch eine farbenfrohe Party in Love-Parade-Manier? Wir haben die Berliner LGBTQ+-Community befragt.
Interviews: siehe Refinery29 Germany
Anna K. Baur wurde als Tochter einer deutschen Mutter und eines nigerianischen Vaters in Tübingen geboren. Nach Abschluss ihres Studiums der Soziologie, Germanistik und Geschichte an der Universität Köln war Anna K. Baur acht Jahre lang für das Blonde Magazin in Hamburg tätig, von 2011 bis 2017 auch als Chefredakteurin. Seit 2017 wohnt sie in Berlin und arbeitet als freie Redakteurin und Content Creator/ Creative Director. Anna K. Baur ist Mitgründerin von heartxwork und heartxproductions.
Langjährige Erfahrung in: Text, Konzeption, Redaktion, Produktion, Creative Direction, Casting, Styling, Native Advertising
Kontakt: annaxbaur@gmail.com
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