фотография

Реальность нереальности: новая выставка в галерее Ruarts

artuzel.com — Wed, 30 Apr 2025 06:12:10 +0000

До 8 июня 2025 года в галерее Ruarts проходит первая персональная выставка фотохудожника Алексея Партола PRTL в рамках проекта «Дебют». На двух этажах галереи можно увидеть 17 работ автора в очень разных печатных форматах, 2 барельефа и 22 работы как сменяющие кадры фотопленки через проектор. Почему выставку лучше увидеть своими глазами рассказывает редактор АртУзла Ирина Паялина.

Текст и фото: Ирина Паялина

Название выставки PRTL — это ник автора и одновременно «портал», точка перехода из одной реальности в другую, ключевая тема всей экспозиции. Вся выставка — путешествие между порталами, это рассуждения на тему реальности нереальности, о переходах, внутренних и внешних трансформациях жизни.

На фотографиях фрагменты церквей, зданий, мостов, набережных, коллекторов, катакомб, снятые в Москве, Санкт-Петербурге, на Соловецких островах, в Красноярске, Берлине, Париже, Гонконге, Сеуле, Токио и на Бали. На снимках нет людей, но есть следы присутствия человека.

У работ нет экспликаций и каких-либо обозначений, где они были сняты, потому что по словам Алексея, в момент съемки место перестает иметь физические координаты и переходит в метафизический мир, существующий параллельно, и может быть нами встречено где угодно.

На вопрос, как происходит выбор этих мест, Алексей признается, что точного ответа нет, «ты просто начинаешь чувствовать вибрацию пространства вокруг и выбора как такового просто не остается».

Сама архитектура галереи с ее выступающими лестницами в сочетании с неярким освещением, отдельными фотографиями, занимающими целые стены, добавляет экспозиции таинственности, неопределенности и, кажется, меняют саму реальность.

Свой вклад вносит специально созданный звук: фоновый саунд и звук срабатывания затвора фотокамеры, который сопровождает демонстрацию части работ на проекторе.

Ключом к пониманию выставки Алексей назвал работу «You are in the Matrix – Wake up», снятую в Гонконге в одном из коллекторов. «Кажется, реальность с тобой разговаривает», — говорит автор и добавляет «Я только фиксирую и ничего не добавляю в реальность».

Алексей Партола говорит, что не любит медиации и объяснений, ему важно, что откликается у зрителя в момент контакта с работой. Каждый посетитель может пройти свой маршрут и найти для себя портал. А темные залы галереи, отсутствие видимых окон и методичные щелчки старой фотокамеры Nikon усиливают эффект погружения в произведения и помогают забыть о текущем времени и реальности мира за стеной здания. Это именно то, что нужно, чтобы понять нереальность нашей реальности.

You are in the Matrix – Wake up

Дискуссия о фотоискусстве и выставка авангардной советской фотографии

artuzel.com — Mon, 23 Sep 2024 14:18:55 +0000

18 сентября в Еврейском музее и центре толерантности прошла дискуссия «Дело в цифрах: профессиональный взгляд на рынок фотографии». Обсуждение стало частью публичной программы выставки «Истоки советской фотографии 1920-1930-е годы» из коллекции Галереи Люмьер и первого фотофестиваля «Скрытая перспектива», проходящей в музее с 5 июля по 29 сентября 2024 года.

Текст и фото Елизавета Теодорович

В дискуссии приняли участие Наталья Григорьева — основатель и куратор Галереи Люмьер; Николай Дмитриев — сооснователь PENNLAB Gallery; Михаил Краснов — сооснователь PENNLAB Gallery; а также Есфирь Панек — директор Ассоциации галерей.

Спикеры и слушатели, среди которых были начинающие и опытные фотографы, сотрудники музеев и галерей, обсудили актуальные вопросы продвижения на рынке фотографического искусства, ценообразование и процесс подготовки тиражного искусства, авторское право, процесс взаимодействия художника с галереями арт-дилерами. Ключевой темой, как и ожидалось, стали факторы влияния на стоимость фотографических отпечатков. Кроме того, начинающие фотографы смогли из первых уст узнать о том, как самостоятельно и с помощью кураторов галереи продвигать и популяризировать собственное искусство. Итогом прошлогодней дискуссии стал кодекс профессиональной этики участников арт-рынка, сформулированный и представленный Ассоциацией галерей.

Экспозиция выставки «Истоки советской фотографии 1920-1930-е годы» в Еврейском музее и центре толерантности знакомит зрителей с ранними годами советского фотохудожества. Это время характеризуется смелыми поисками и инновациями в таких аспектах, как композиция, выбор ракурсов, кадрирование и фотоколлаж. Новаторские подходы стали основой нового визуального языка, который отвечал различным агитационным задачам советского государства.

В проекте представлены как известные, так и менее знакомые работы таких видных мастеров фоторепортажа, как Аркадий Шайхет, Яков Халип, Марк Марков-Гринберг, Эммануил Евзерихин, Михаил Прехнер и Наум Грановский.

После революции 1917 года интерес к фотографии возрос. Начиная с 1920-х советские фотографы начали экспериментировать с новыми техниками и стилями. В это время возникали движения, такие как конструктивизм, которые оказали значительное влияние на визуальную культуру. Работа мастеров, творивших в то время, стали поистине символом расцвета советского периода.

Фотографии метров эпохи погружают зрителя в динамичную и не всегда предсказуемую советскую повседневность. Монохромность и строгость форм на едва ли не документальных снимках не отменяет фокус на человеческих эмоциях и взаимодействиях людей с окружающим миром.

Директор центра Кристина Краснянская призналась, что авангардное искусство 1920-х - 1930-х является важнейшим этапом в становлении еврейского искусства и бессменным интересом музея.

Коллекция, представленная на выставке, стала итогом сотрудничества с наследниками, архивами и фондами классиков фотографии советского периода. Галерея Люмьер вот уже более двадцати лет знакомит зрителя с классиками советской школы фотографии, заново открывает забытые имена и продвигает культовое фотоискусство на своих площадках и за их пределами.

Про жизнь: в «Béton» представлены два проекта Алмонда Чу «Парад / В будущем»

artuzel.com — Tue, 11 Jun 2024 13:09:29 +0000

С 11 июня в центре визуальной культуры «Béton» проходит персональная выставка фотохудожника из Гонконга Алмонда Чу. Два проекта «Парад» и «В будущем», несмотря на свою непохожесть и использование разных технологий, взаимосвязаны между собой и объединены в одном пространстве. Арт-директор центра Алексей Логинов рассказал о проектах на открытии выставки.

Текст и фото: Паялина Ирина

Алмонд Чу (1962, Гонконг) в юности переехал получать образование в Токио, обучался в Токийском Колледже Фотографии. Затем вернулся в родной город, где в 1993 открыл собственную студию. Художник наиболее известен своими концептуальными сериями работ большого формата, создаваемыми с использованием цифровых технологий.

Рассказывая о выставке, арт-директор центра Алексей Логинов выделил три важных составляющих проектов: первая — идейная, вторая — визуальное решение и воплощение в работах, третья, важная для коллекционеров — музейное исполнение.

«Парад» — это одна из ключевых тем в советской фотографии 20-х - 30-х годов, близкая нашему зрителю. Алмонд Чу решает эту тему по-своему. Парад – большое количество организованных людей, это символ единения, общности, взаимодействия. Однако есть и другой взгляд: люди при такой организации теряют свою идентичность, перестают быть личностями. На фотографиях художника все люди одинаковые, как под копирку. Так показан актуальный вопрос для современного мира: все похожи и неразличимы?

С визуальной точки зрения в работах художника заложена композиция, разработанная еще Марком Ротко. На работах архитектура, природа, люди выстраиваются в цветовые композиции. Художник даже подбирал свою одежду под каждую локацию.

С технической точки зрения хочется объяснить, что это не copy past. Фотограф выбирал локацию, снимал ее, а потом ассистент фотографировал самого художника в выбранном месте большое количество раз в разных положениях. В дальнейшем фотографии объединялись на компьютере. Так на каждой фотографии серии сам Алмонд Чу, запечатленный множество раз.

Часть произведений серии «Парад» была отснята в Москве и Санкт-Петербурге. А в общем над этим проектом Алмонд Чу работал более 20 лет.

Второй проект «В будущем» — это разговор о том, что какой-то катаклизм убивает человечество и нашу цивилизацию. Проект навеян Covid 19. Но жизнь продолжается — это поиск нового будущего. Художник закладывает в качестве решения — рождение новой жизни через женский образ. Да, все работы в серых тонах, но в них есть яркие проблески. Акриловые пятна, золотые и серебряные фигуры разбавляют серую реальность.

Проект сделан по технологии платинотипии, каждая работа в единственном экземпляре. Технология платиновой печати была распространенная на рубеже XIX – XX веков, но из-за высокой стоимости платины была забыта. В этом проекте новая жизнь начинается с начала, но со старых технологий. И несмотря на трагическую основу проект оптимистичный, краски заполняют пространство и жизнь постепенно становится цветной.

ЦВК «Béton»: Москва, Якиманская набережная 2 к1.

Андрей Белков о красоте утилитарных городских объектов

artuzel.com — Sun, 02 Jul 2023 11:31:39 +0000

На Южном речном вокзале продолжает работу выставка Андрея Белкова «Вне поля зрения». Художник рассказал нашему корреспонденту об особенностях восприятия городской среды, о новом подходе к съёмкам и о месте искусственного интеллекта в творческом процессе.

Текст: Полина Красильникова
Фотографии предоставлены пресс-службой проекта/организаторами выставки

За Вашими работами скрывается диалог со зрителем или с объектом?

Прежде всего это диалог с самим собой, это такой интимный внутренний спор о вечном. И о содержании этого диалога лучше никому не знать. Дальше – это, конечно же, диалог с объектом. И в конце концов, диалог со зрителем. Но случится ли он - решает зритель. Тут от меня ничего не зависит.

Андрей Белков «Nocture2: Forms&Colours» 2023, Москва, Мичуринский проспект, fujicolour crystal archive paper digital pearl, 80см

С какими творческими сложностями Вы столкнулись при реализации проекта «Вне поля зрения»? Удалось ли реализовать задуманное?

Творческих сложностей как таковых не было. Когда я снимал надземную часть (Nocturne II: Forms & Colors), я уже сформировал и частично реализовал идею, научился ставить себе творческие цели, искать объекты и оценивать их с точки зрения привлекательности для съемки и соответствия моим концепциям. Поэтому подземная часть с этой точки зрения далась достаточно легко.

Сложности были другого плана - технические и, если можно так сказать, обманутые ожидания. То есть, ты приезжаешь и понимаешь, что не можешь по тем или иным причинам снять, то, что запланировал. Ты видел в видео или на картинках в сети одно, а по факту там уже все совсем другое: что-то мешает, что-то бликует, что-то постарело и так далее.

Удалось или нет - скорее да, удалось. Только есть одно «но»: я еще не все станции объехал. Да и на тех, на которых был, скорее всего что-то упустил. Совершенству нет предела, тут главное вовремя остановиться.

Андрей Белков «Nocture2: Forms&Colours» 2023, Москва, Кленовый бульвар, fujicolour crystal archive paper digital pearl, 80см

В начале своего творческого пути Вы получили известность как мастер пейзажного минимализма. Как Вы перешли к минимализму городскому?

Все прозаично. Это просто такой творческий путь и развитие. Невозможно ограничивать себя блюзовым квадратом в минорной тональности (отсылка художника к сериям его работ ). Хочется строгости мажорных трезвучий, энергии синкопированного ритма и изящества спонтанных импровизаций.

В чём Вы видите гармонию городского ландшафта?

На этот вопрос очень сложно дать ответ. Как городской житель или как «пользователь» я вижу гармонию в том, в чем ее видит большинство таких же, как я. Но вот с точки зрения фотографии, с точки зрения визуальной или нарративной идеи - чтобы о ней говорить, ее сначала надо обнаружить. Только после этого ее можно для себя сформулировать, превратить в идею и впоследствии в художественный проект. Пока для меня «моя» гармония нашлась только в неприметных, но очень привлекательных утилитарных объектах и в способе их визуальной подачи. Дальше - поиск каких-то новых эмоций и ощущений.

В своих интервью 10-летней давности Вы говорили, что снимаете на аналоговую камеру и не любите Фотошоп. Что изменилось за эти годы?

За эти годы десяток лет прибавилось к моему возрасту. Я обрел какую-то мудрость и стал ленивее. Ну или рациональнее. Поэтому с 2020 года я снимаю на цифру. Пленка влечет за собой огромное количество забот: покупка, проявка, сканирование. Причем все эти процессы не всегда предсказуемы и удачны. С возрастом хочется комфорта.

Фотошоп как не любил, так и не люблю по сей день, и стараюсь проводить в этой программе как можно меньше времени. Но не всегда получается. Когда снимаешь общественные пространства, то сталкиваешься с тем, что не всегда там идеальный порядок. Поэтому наводить его приходится уже на отснятом материале.

Андрей Белков «Out of Sight» 2023, Москва, Авиамоторная, fujicolour crystal archive paper digital pearl, 90/72см

В интервью тех лет Вы отмечали, что российского зрителя не очень интересует минимализм, поэтому Вас чаще можно встретить на европейских выставках. Как сегодня в нашей стране принимают Ваши работы?

Я говорил про посещения на моем сайте - они действительно были по большей части не из России. Но, как я говорил выше, я стал мудрее и перестал вообще за этим следить. Я пришел к тому, что главное для меня «сделать свою лучшую фотографию или создать свой лучший проект» Остальное - сильно вторично. Если отвечать на вопрос объективно, то в этом году у меня уже две персональные выставки, впереди у представляющей меня галереи много планов. И я думаю, это может быть ответом на вопрос.

Андрей Белков «Out of Sight» 2023, Москва, Лефортово, fujicolour crystal archive paper digital pearl, 90/72см

Сегодня на пике популярности тема AI. Как вы думаете, это конкурент художнику или его помощник?

AI настолько быстро и резко ворвался в нашу реальность, что я, честно говоря, даже не успел сориентироваться в этом. Поэтому я не могу мыслить категориями «конкурент» или «помощник». Каждый же примеряет на себя. Я пока не понимаю, зачем он мне и может ли он мне помочь. Более того, у AI очень много прикладных применений в тех областях, где он может действительно помочь. И какой-либо ценности для искусства я в нем пока не вижу. Зачем он, если можно сделать все руками. Это честнее и натуральней. Но это не окончательное мнение. Будем смотреть, как эта сфера будет развиваться.

Над какими проектами Вы работаете в данный момент?

Задумок много, начато многое, но пока небольшая пауза. Надо осознать, что я сделал в этом проекте, как я это сделал, доделал ли я его, можно ли его улучшить и за счет чего. Знаете, такая внутренняя работа над ошибками. Это обязательная часть, без нее движения вперед не будет. Я думаю, что от городской среды я уже никуда не денусь.

Есть ли в планах создать свою фотошколу?

Нет, таких планов нет и не будет. Вокруг много достойных школ и иных образовательных институций. Преподавателем в этой сфере я себя точно не вижу.

Павел Антонов: "Мы с тобой одной крови"

.artuzel — Sat, 08 Oct 2016 19:17:11 +0000

Все мы живем в городах и странах, с которыми мы связаны не только территорией, но еще и культурным кодом, который каждый впитывает с младенчества - мама поет нам песенки, рассказывает сказки. Позже мы впитываем этот культурный код через общение со свертниками. Мы этого не чувствуем, для нас это естественно, но для приезжих этот код является загадкой.

Павел Антонов приехал в Нью-Йорк в 1998 году. В США он живет уже почти 20 лет, однако для него эта страна до сих пор осталась загадкой. Несмотря на то, что за эти годы он там нашел себе множество друзей, поработал в большом количестве мест, он так и не понял, кто такой "истинный американец". Сейчас он с женой отправляется в (1962), театральный и fashion фотограф, живет и работает в Нью-Йорке.

Павел работал с такими театральными режиссерами, как Анатолий Васильев, Ежи Гротовского, Ингмар Бергман, его часто зовут фотографировать премьеры в Метрополитен-опера, Линкольн-центр, St. Ann's Warehouse и многие театры Нью-Йорка. С 2001 часто сотрудничает с авангардным режиссером Робертом Уилсоном. Один из их совместных проектов "Тема как звезда" представляет собой портретную серию знаменитостей Брэд Питт, Шон Пенн, принцесса Монако Каролина, Вайнона Райдер и др.

Работы Антонова выставлялись в Нью-Йорке, Москве, Цюрихе, находятся в музеях ММАМ, Музей театра им. Бахрушина, Музей истории Москвы.

Работы публиковались в Vanity Fair, Das Magazine, Das Teatre, Facts, ELLE, OM, Harpers Bazaar, Marie Claire, Vogue, Playboy, Toronto Star, Business week, Foto&Video, etc.

Мария Назарова: Расскажите, пожалуйста, про свой проект-путешествие? Как у вас появилась идея?

Павел Антонов: Мы с Ксю [жена Павла Антонова Ксения] решили пересечь Америку из Нью-Йорка в Сан-Франциско на своих двоих - Ксю на велосипеде, я на роликах. В это время мы будем делать фотопроект о «настоящей» Америке – это старая мечта.

Я прилетел в Нью-Йорк в 1998 с полтинником в кармане, в зимнем, стоящим колом пальто и шапке-ушанке. А в порту увидел людей в шортах, шлепанцах и сарафанчиках.

После унизительного дефолта и двух месяцев лютого мороза мне показалось, что я в рай прилетел.

Полтинник ушел на желтое такси. В машине я достал сигарету и с удивлением услышал, что за это 200 долларов штраф. Я стаскивал с себя теплую одежду, как «принцесса паутину». Так я себе все и представлял, только салюта не было.

В Нью-Йорке я был раньше проездом, и город меня не впечатлил. В нем все абсолютно другое - от улыбок незнакомцев до архитектуры, еды, воды, травы. Это не Азия и не Европа. Мне очень захотелось почувствовать этот город, поэтому я прочитал любимое заклинание из «Маугли»: «Мы с тобой одной крови – ты и я».

Разрешения на работу у меня не было, но должен был поступить хороший гонорар из Цюриха, где работал до этого. Транспортные проблемы легко решали ролики, так что все было небезнадежно. Кстати, к роликам я за это время привык как к домашним тапочками – я много снимал, быстро перемещался.

Через некоторое время нужно было уезжать, а страну я так и не понял. Да что страну, даже Нью-Йорк для меня остался загадкой. Наверное, в этот момент появилась идея пересечь Америку на роликах и поснимать реальных людей.

Позже, когда я уже работал в штате Conde Nast Media, идея напоминала о себе. Дважды я был физически и морально готов отправиться в путь, но внешние обстоятельства не позволяли. Теперь мы решили действовать по-другому – выехать и подготовиться уже в процессе.

М.Н.: Как долго вы готовились к поездке? Можно ли считать подготовку частью вашего проекта?

П.А.: Психологически мы настраивались месяцев шесть, обговаривая идеи, а физически мы даже близко не в той форме, в какой хотелось бы. Но, пообщавшись с теми, кто уже проходил этот маршрут, мы выяснили, что подготовиться абсолютно невозможно. Я вспомнил историю своего школьного друга, который всю жизнь мечтал проехаться по Германии, но только хорошо подготовившись. И вот, все его друзья давно съездили по несколько раз, а он все еще собирается. Я очень не хочу, чтобы такое же произошло и с нами, поэтому в какой-то момент определили дату и начали собирать Cпектакль "Old Woman" Роберта Уилсона. Фото: Павел Антонов

М.Н.: Собираетесь ли вы документировать путешествие? Если да, то как? Я знаю что вы фотограф, поэтому ответ напрашивается сам собой, однако, возможно, вы собираетесь снимать видео или вести какие-нибудь записки?

П.А.: Я всегда любил снимать людей с интересными историями жизни. Один из моих любимых проектов - портреты художников, который я начал снимать еще в Москве.

Когда я решил остаться в Америке, многие советовали мне снимать и продавать голых девчонок. Это, конечно, очень красиво и интересно, но я выбрал другую тему - портреты художников. Мне очень было интересно изучать их логику существования через фотографию. Поэтому я снимал их с любопытством исследователя в течение нескольких лет. Эрнст Неизвестный, Комар и Меламид, Михаил Шемякин, Юз Алешковский, Михаил Барышников, Саша Захаров, Юрий Горбачев… Я снял серию портретов, где главным было не кто снят, а как снято, ведь обычно портреты похожи на репродукции с паспорта, или могилки. Эта В. Комар и А. Меламид. Фото: Павел Антонов

М.Н.: Вы едете с женой. Какие у нее ожидания? Возможно она делилась с вами какиминибудь ощущениями?

П.А.: Мне очень повезло, что Ксю захотела со мной поехать. Поездка не легкая, и многие, услышав о нашей идее, крутят пальцем у виска. Но дорогу осилит идущий.

Мы не делаем ничего экстраординарного на грани физических возможностей - просто пытаемся медленно прожить это путешествие, фиксируя и перерабатывая наш личный опыт.

Ксю пока не представляет, чего ей ожидать. «One day at the time», – как здесь говорят.

М.Н.: Какова финальная цель этого проекта?

П.А.: Художественное осмысление “моей” реальности, мне кажется.

По результатам мы планируем сделать книгу и мультимедийную выставку. Это будет не просто развешивание по стенкам фотографий, а полное преобразование художественного пространства. Очень хочется, чтобы на пятый день работы экспозиции людей было больше, чем на открытии. И я думаю, что знаю, как это сделать.

М.Н.: Есть ли у вас любимые художники? Какие?

П.А.: Есть, конечно. Анатолий Васильев, Дмитрий Хворостовский, братья Os Gemeos, Саша Петлюра, Андрей Бартенев, Модильяни, Михаил Молочников, Слава Полунин, Christopher Knowles, Дубосаркий и Виноградов, Елена Визерская очень нравится из Киева, Кирилл Серебренников, Frank Zappa очень, Billy Cobham, Аида Гарифуллина - много кто нравится.

Главным художником современности лично для меня является Роберт Уилсон, который поражает своим стилем и многогранностью интересов. Многие знают его как театрального режиссера, а я знаю как фотографа, скульптора, архитектора, графика, дизайнера - всего не перечислить. Я очень рад нашему многолетнему сотрудничеству с Бобом.

Роберт Уилсон и Изабель Юппер. Фото: Павел Антонов

М.Н.: Если бы у вас была возможность в это путешествие взять любого человека, кто бы это был?

П.А.: Мама, которая сейчас болеет. Она видела в жизни мало хорошего – родилась в первый год войны, растила меня и трех братьев одна… Конечно, даже в лучшие времена она бы отказалась.

Еще очень хотелось бы сына взять – он мой настоящий друг, мы в 1998 году на Эльбрус поднимались.

М.Н.: Не могли бы вы пожелать что-нибудь молодым художникам?

П.А.: Терпения и удачи.

Профессия художника - это тяжелый ежедневный труд без выходных. Пожелал бы не ждать результатов, а получать удовольствие от самого процесса каждую минуту творчества. А еще не бояться чистого листа и бежать от перфекционизма - совершенство недостижимо, и глупо от себя его ожидать.

Желаю работать над несколькими проектами одновременно, потому что если из десяти девять сорвутся по каким-либо причинам, один останется.

Ну и полегче на поворотах, конечно.

Вообще-то мне больше нравится учиться у молодых, а не наставлять их.

Над интервью работала Мария Назарова.

Фото предоставлены Павлом Антоновым.

Выражаем отдельную благодарность Анне Eve.

Избранные выставки:

2015 - Costume at the Turn of the Century 1990-2015, A.A. Bakhrushin State Center Theatre Museum, Moscow, Russia

2014 - Robert Wilson vs. Burning Man, Blower’s Gallery UNC Asheville, NC

2013 - City of Sand, Troyka Multispace Gallery, Moscow, Russia

2013 - City of Sand, Zeppelin Gallery, Moscow, Russia

2013 - Robert Wilson vs. Burning Man, A.A. Bakhrushin State Center Theatre Museum, Moscow, Russia

2011 - Robert Wilson vs. Burning Man Art-Residence, Perm, Russia

2011 - Portraits of Artists, Inutero Gallery, Moscow, Russia

2008 - Portraits of Artists by Pavel Antonov, Moscow, Russia

2006 - Photography, Paintings and installations by Pavel Antonov and Os Gemeos,

Watermill Centre New York, NY

2003 - Antonov + Bartenev - Paint it Red, Watermill Centre, New York, NY

2001 - Russian Madness , Watermill Centre New York, NY

2001 - The Russians in New York, DKNY boutique, Soho, New York, NY

2001 - Muses group exhibition Leslie-Lohman Gallery, New York, NY

2000 - The Russians in America Russian Social club" NY Times, New York, NY

2000 - Portraits of Russian Artists, Russian Samovar, New York, NY

1998 - Stars of Jazz, 2nd International Photo Biennale, Moscow, Russia

1997 - Fashion, HHH studio, Stars Gallery, Moscow, Russia

1997 - The Russians, exhibition and book presentation Planet Hollywood, Moscow, Russia

1996 - The Russians, 1st International Photo Biennale, Moscow, Russia

1991 -10 x 10, group exhibition, Zurich, Germany

Мария Назарова (183),
фотография (6)

За философию фотографии

artuzel.com — Thu, 20 Jun 2013 10:56:42 +0000

Вилем Флюссер входит в число виднейших теоретиков медиа, коммуникации и фотографии. Основной мотив его книг - интерес к языку, сближающемуся с миром образов, возможность философствовать с помощью образов и мыслить в фотографических категориях. Автор рассматривает место фотографии в системе коммуникации, проводит ее анализ как средства воздействия на сознание людей. В книге также речь идет о месте фотографии в общественных отношениях, о феномене свободы творца, о технике как таковой на примере фототехники, о последствиях перехода от традиционного к техническому образу. Тот, кто размышляет о существе дела фотографии, о том, как изменяется реальность с приходом дигиталь-ного образа, найдет глубокого и интересного собеседника в лице Флюссера. В приложении работа Дитмара Кампера - виднейшего представителя постструктуралистской мысли Германии, размышляющего о насилии взгляда и последствиях все возрастающей очевидности.

Где купить:

философия (25),
фотография (6)