Maurizio Cattelan sorprendió al mundo del arte anunciando que se retiraba, que ya había creado lo suficiente. Bromista por naturaleza, nadie le creyó aunque él lo decía serio. Es difícil tomar en serio a los humoristas. Cattelan (1960), italiano, de obra poética y provocadora es conocido, entre otras líneas de trabajo, por sus esculturas protagonizadas por caballos (disecados, colgados del techo, intentando atravesar paredes viendo que hay al otro lado, o yaciendo muertos con un cartel que reza INRI) o en la que un Adolf Hitler con cara de arrepentido está de rodillas ante el espectador.

Váter dorado de Maurizio Cattelan, maqueta inicial e instalacion con grifería incluida en el Guggenheim de Nueva YorkEn 2011,

Cattelan no se retiró claro. Estos días, el mundo del arte habla de él y su nueva obra, un váter bañado en oro de 18 kilates que se puede visitar, fotografiar y usar (señores, no meen de pie, por favor) en el museo Guggenheim de Nueva York. Sí, el mundo del arte es muy caprichoso y en las últimas horas no se habla de otra cosa. El anuncio de que pòdrá utilizarse como un inodoro normal ha dibujado una sonrisa en millones de amantes de las artes plásticas. Y está bien porque más allá del calado creativo de la pieza, el humor o simplemente la mueca es necesario en el arte, aunque no se cultiven en demasía.

La fuente. Obra original de 1917 firmada por R.Mutt, pseudónimo de Marcel Duchamp. Réplicas de 1960.

El váter, excusado, mingitorio, urinario, más o menos lujoso, más o menos modesto, no ha sido un elemento demasiado habitual en el arte contemporáneo. Marcel Duchamp rompió la baraja -y al mismo tiempo inauguró un nuevo episodio en la Historia del Arte- cuando en 1917 presentó su Fuente firmada como R. Mutt en la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes. Fue retirada inmediatamente, pero la suerte ya estaba echada. El readymade de Duchamp -hoy en día desaparecido, las réplicas que se exhiben las elaboró el artista en 1960- implantó una idea artística fundamental para todo el arte del último siglo: cualquier objeto puede convertirse en arte si se saca de su contexto y se pasa pòr el tamiz de la llama creadora. El peso del urinario duchampiano ha pesado tanto que apenas hay ejemplos de piezas similares. Hoy, el Extra-Extra se complace en acompañarles en visita guiada por los váteres artísticos que en el mundo han sido. Algunos como el de Cattelan se pueden usar. En otros, como en el de Duchamp, varios provocadores miccionaron en la pieza hace apenas unos años.

Lavabo repleto de piezas Lego, readymade para twitter de Ai WeiWei homenajeando a Duchamp. 2015

El penúltimo váter que ha hecho reír más que escandalizado al mundo del arte es el de uno de sus puntales indiscutibles. El artista chino Ai Weiwei, que no necesita presentación homenajeó a R.Mutt/M.Duchamp de una manera brillante y colorista a la vez que protestaba de manera muy poética contra la decisión inicial de la multinacional de juguetes Lego de proporcionarle piezas al por mayor para uno de sus proyectos. La negativa de la juguetera provocó una reacción mundial en la que miles de personas se ofrecieron a enviarle a Ai sus piezas de Lego, un terremoto de solidaridad que hizo temblar las redes sociales. Ai Weiwei no será (o sí, quién sabe) el artista plástico más rompedor de la historia del arte, pero es innegable que es el más ubicuo. Está en todas partes y reaccional al momento. Su obra cobr vida en los museos, en las playas, en twitter, en Instagram, en el cine. ¿No se habrá clonado?

Soft Toilet, de Claes Oldenburg (1966). Whitney Museum of American Art, New York; Donación la familia Ganz © Claes Oldenburg

Tal vez el váter más bonito, simpático y artístico de esta breve visita guiada sea el Soft Toilet de Claes Oldenburg, artista injustamente olvidado (para nuestro gusto). Es una pieza que eleva a pieza de arte el lavabo, le da un punto divertido hasta el punto que parece un inflable con el que se puede jugar, o incluso un dibujo de una viñeta de cómic que acaba de cobrar vida a pesar de ser, claramente, una pieza invertebrada, sin vida. Un día prometemos un festival Claes Oldenburg porque sí, porque hoy es hoy. Esta pieza se puede ver en el Whitney Museum. No se puede utilizar, pero si quieren ir de váter en váter en Nueva York, ya tienen el de Cattelan y este, muy distintos, pero ambos con un punto irónico indiscutible.

Piero Manzoni. Merde d’Artiste.

Por supuesto, y a modo de posdata, les dejamos una imagen de unas de las celebérrimas latas que encumbraron al artista italiano Piero Manzoni, piezas que enterraron el resto de su obra. ¿Quién se acuerda de otra obra de Manzoni que no sea esta? Nosotros no. En fin. El artista italiano se aseguró de que cuando alguien exclamase «¡Esto es una mierda!», tanto el artista como el irado espectador tuvieran razón.

Lávense las manos después de utilizar el lavabo.

Gracias

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«Tulips» 1995–2004. Cromo y acero inoxidable coloreado (versión 4/5) Foto propia

Confirmado. El blog de arte viajero de La Vanguadia no estaba muerto… sólo estaba de parranda escultural, deleitándose e inspirándose con la piezas callejeras de algunos de los más grandes artistas contemporáneos por las calurosas calles, terrazas, halls de museo y cuestas en Bilbao, entre los canales de Venecia o entre los riscos de los Alpes franceses. El verano ha sido tan largo que ha durado varios meses, pero no nos tengan envidia, que todos los destinos visitados están a tiro de piedra aeronáutica. El primer caramelo es la imagen de cabecera, una escultura de Jeff Koons, Tulips, que alegra la vista, pone de buen humor, recuerda a los globos de la feria (esos un poco más baratos y efímeros), y reflejan la sonrisa del fotógrafo, multiplicado en todos sus pétalos como en un caleidoscopio imperfecto.

En el Guggenheim de Bilbao siempre hay tantas muestras interesantes, muchas veces tan diferentes, que se puede pasar un día entero sin cansarse ni exclamar «ya tengo bastante». La magia de los museos de autor es que, como en el edificio-escultura de Frank Gehry ni siquiera hace falta pagar entrada para ver lo que muestran las salas. En realidad, el envoltorio es igual o más sabroso que los caramelos que aguardan en el interior. Y, además, el día de la visita, Puppy, obra inmortal de Koons, estaba así de floreado

Ordinary Man, 2009-2010. Obra de Zharko Basheski, expuesta en el hall del Museo de Bellas Artes de Bilbao

Y antes de tomar billete hacia Francia, una segunda parada bilbaína en el fascinante Museo de Bellas Artes de Bilbao, cuya colección pictórica de arte contemporáneo vasco e internacional es de aplauso. Una de las mejores exposiciones del verano es «Escultura Hiperrealista 1973-2016», que se puede ver hasta el próximo 26 de septiembre y que presenta obras, entre otros , de maestros de este subgénero escultórico como George Segal, Juan Muñoz, Maurizio Cattelan o Ron Mueck. La imagen escogida para ilustrarla es la escultura que da la bienvenida a los visitantes y que, en esta instantánea tiene una cierta magia. La obra de arte es sólo la escultura, pero el carro con la que estaban instalando las luces poco antes de la inauguración le da a la pieza una perspectiva única, en esta foto que pudimos hacer  antes de la inauguración.

Richard Orlinsky. Cheval Cabre Rouge

Este caballo encabritado formó parte hasta hace unas semanas de una muestra callejera de lujo en Courchevel, en la Saboya francesa, donde las nieves han dado pasao al verde y al sol. El panorama artístico de esta zona merece capítulo aparte, así que les dejamos con la miel en los labios y tomamos rumbo a Venecia, ciudad escultural llena de esculturas.

MIFFY, de Joseph Klibansky. Istituto Veneto di Scienze, Lettere ed arti. Venecia

Una de nuestras esculturas favoritas de los últimos meses. Una Miffy de color Blue Klein (o tonalidad similar) con la que juega el escultor Joseph Klibansky en una exitosa exhibición que tuvo lugar en el Istituto Veneto di Scienze, cerca del Ponte de la Accademia y que, como mandan los cánones, tenía piezas expuestas para todos los paseantes, pagaran o no por ver la expo.

Maurizio Nannuci. Changing Place, Changing Time…, Fundación Peggy Guggenheim, cesión temporal. Colección privada

Y para acabar el post y hacerlo capicúa, un paseo por los jardines de la fundación Peggy Guggenheim de Venecia donde la plantación de esculturas es fabulosa, especialmente las de nuestro querido y añorado Ellsworth Kelly y esta de Maurizio Nannucci que lo dice todo. Adentro, en las salas, también hay un montón de piezas interesanes, pero también hordas de turistas y visitantes… y mucho mucho calor.

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Flag, óleo y collage sobre madera. Jasper Johns, 1954-55

Boletín especial del Extra Extra. Despacho de urgencia a raíz de la decisión de las autoridades madrileñas de prohibir las banderas esteladas en la final de la Copa del Rey de fútbol. En los próximos días ustedes leerán y discurrirán un monton de ideas para que no les atropellen su derecho a la libertad de expresión, lleven la bandera que quieran llevar, la pancarta, el tatuaje o el maquillaje. El Lazarillo hizo la picaresca no sólo castellana, sino universal. Este es un blog de arte (o lo intenta, seamos modestos). Así que aquí van unas cuantas alternativas artísticas, banderas reales o imaginarias que han hecho furor en la historia de la pintura y que usted podrá exhibir en el Vicente Calderón sin que el segurata de turno le diga: «Esto no pasa». El arte y los artistas han dado infinidad de lecciones políticas a partir de sus cuadros. He aquí unas cuantas.

Flag (Bandera). Moratorium (Ulae s5), Serie de 300 litografías. Jasper Johns, 1969

El «responsable» de que usted no atente contra el orden establecido (el mismo que deja pasar banderas franquistas semana sí y semana también) más bien le dirá «¿Por qué lleva una bandera estadounidense?» o «¿Es acaso usted americano del Betis?». Una de las alternativas de protesta a la prohibición es acudir a animar con las banderas de Jasper Johns (1930, el día 15 cumplió 86 años, felicidades maestro). Usted dirá, pero si es la bandera más imperialista del mundo. Tal vez la original, la oficial, sí. Pero las de Jasper Johns son una protesta contra ciertas políticas de Washington, reflejo de cómo el sueño americano se quiebra periódicamente ante las injusticias o decisiones políticas ( de sus gobernantes. La primera bandera de Johns está pintada en plena Guerra de Corea. La segunda (la bética, entre comillas) es una serie de 300 litografías que es un alegato explícito contra la Guerra de Vietnam.

Homenaje al Cuadrado, 1964. Josef Albers

Una alternativa a la estelada sería llevar una bandera estampada con un cuadro de Josef Albers (1901-1995), el gran maestro y pedagogo que huyó del totalitarismo nazi y que en Estados Unidos desarrolló una carrera que giró en torno al estudio de la subjetividad, la percepción y la gradación de colores  casi siempre representada en cuadrados concéntricos (si ese concepto es admisible). Esta composición, si quieren, sería una especie de deconstrucción de la estelada (o en este caso, más bien a la senyera).

Mapa del Mundo, 1979, tapiz de Alighiero Boetti

Una bandera de banderas es lo que el artista italiano AAlighiero Boetti (1940-1994) representa en muchos de sus tapices. Es una forma de infantilizar el concepto de Estado, de quitarle trascendencia y sobre todo de recordar que las banderas, los países, cambian, crecen, se empequeñecen, implosionan, desaparecen. Boetti, discípulo durante un tiempo del Arte Povera, trabajó en estos tapices entre 1971 y la fecha de su muerte, dibujando a su manera la evolución de la geopolítica en todo ese tiempo, que marca la creación de nuevos países, la separación de otros, la expansión de la Unión Europea, y sobre todo, la desaparición de la Unión Soviética.

Lucio Fontana, Concetto Spaziale Attese

No todos los artistas que aparecen en este artículo son revolucionarios. Lucio Fontana admitiría ese adjetivo desde elpunto de vista artístico, nunca desde el político, pues su conservadurismo recalcitrante se acercaba a lo reaccionario. En todo caso, si usted va al Calderón este fin de semana y además de la estelada escondida, pongamos dentro de la suela de los zapatos quiere ondear esta, marcará un tono de distinción. Fontana también las creó en un rojo que se asemeja al grana y en blanco, color que igual no viene al caso. Y para acabar este recorrido por artistas que pintaron banderas en pos de la libertad, la protesta, la reivindicación o la experimentación, un clásico: Monsieur Delacroix y La libertad guiando al pueblo.

La Liberté guidant le peuple, de Eugène Delacroix. Museo del Louvre.

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Georgia OKeeffe Series 1 No. 8 /  Whitney Museum

Desde el inicio quedó claro que Giorgio de Chirico quedaba fuera y George Grosz dentro. Que Giorgione estaba entre pinto y valdemoro (kaputt) y Georges Braque igual (salvado). Nos gusta Georgia O’Keefe, la pintora americana cuyos paisajes mínimos, sensuales e hipnóticos, este que incluímos podría pasar por un paisaje genital (con ge, no con ce), rompieron fronteras y dieron paso a otros mundos. Si se rebusca entre los museos que tenemos más o menos cerca, siempre hay una tela de la artista esperándonos.  En la muestra que ofrece Caixaforum recogiendo piezas fuera de serie de la Phillips Collection. Tienen de tiempo hasta el 12 de junio. De Braque (hemos preferido poner una foto suya para homenajearle) nos gusta su historia y el hecho de que quedó relegado muy a la sombra de Picasso. También le sucedió a Juan Gris, que murió muy joven. Decidido, Braque está dentro.Esa mirada que le dedica a la posteridad bien lo merece.

Fotografía de Georges Braque, 1908, Gellet Burgess en The Wild Men of Paris, revista Architectural Record en mayo de 1910

En el plebiscito quedaron fuera Giorgione, Georges Pierre Seurat (igual hemos sido demasiado puntillosos con el puntillismo) y George Roualt. A los dos primeros por que no los tenemos muy estudiados. Al último, que también tiene obra en Caixaforum, porque le dedicaremos un post especial un día de estos (bueno, seamos realistas, un mes de estos). Quien estaba in desde el inicio era George Grosz y este cuadro, Metropolis, que es como un tríptico de nuestro admirado Bosco, pero a las puertas de los Locos Años 20 del siglo XX:, la inmensidad de la urbe, el placer, la velocidad, la creatividad, la vida, la muerte, el cielo y el infierno en un trozo de tela. Este cuadro cumple 100 años en los próximos meses. Y ya nos callamos para que lo admiren.

Mertopolis,  George Grosz. Copyright Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Fieles a nuestra idea de que el buen cine es pintura durante hora y media, sopesamos incluir a Georges Mélies y sobre todo a Henri-George Clouzot, uno de nuestros cineastas favoritos gracias a su  Les Diaboliques (aquí el tráiler), pero se merecen panteón aparte. Entre los descartes no se halla Georges de La Tour. No podía faltar y menos con la exposición que le sigue dedicando El Prado hasta mediados de junio. Tenemos en nuestro poder un catálogo de la expo de De La Tour en la pinacoteca madrileña. Lo sorteamos entre los mil primeros retuits (je je). No, en serio si alguien lo quiere, lo socializamos (escriban a fvivanco@lavanguardia.es).

La Buenaventura. Georges de La Tour. Cesión de The Metropolitan Museum of Art, Rogers Fund. Museo del Prado.

La selección no tenía que pasar de cinco telas, así que la única opción restante es George Baselitz, alias El Más Grande.

Baselitz se merece un post por si sólo, qué decimos post, un blog entero le dedicaríamos. Una vez, para un artículo de La Vanguardia, casi hablamos con él por teléfono, pero el mayordomo de su tiempo nos estampó un Nein en el auricular. No perdemos la esperanza. Quien no esté familiarizado con este pintor que no se extrañe. El cuadro no está al revés. Es así. Como la vida. Afortunadamente. Saludos georgianos.

Orangenesser,1982, copyright George Baselitz

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Fotograma inicial de la película Sayat Nova, de Sergei Paradjanov

Hay un libro, entre la montaña habitual de libros, que es mucho más que de cabecera. Igual lo tienen en casa. Se llama 1001 películas que hay que ver antes de morir, el editor es Steven J. Schneider y la editorial Grijalbo. Nos acompaña desde hace muchos años y su manantial de sapiencia no acaba nunca. Hay veces, cuando hojeas la enciclopedia (o la ojeas, depende), te topas con reseñas de films que siempre piensas que nunca vas a ver porque no hay copias ni en DVD ni para las salas de arte y ensayo (larga vida y desde aquí un aplauso). Sayat Nova (El color de las granadas), inmensa obra maestra del director armenio-georgiano-soviético Sergei Paradjanov, es una de ellas. A veces los milagros existen, también los cinematográficos, y esta joya filmada en 1968 restaurada en 2014 en Italia puede verse en el Zumzeig, el cine que toda ciudad que se precie debe tener. Nunca antes este blog, ni sus padres, ni sus abuelos, habían asistido a tan emocionante silencio en una sala de proyección.

Sofiko Chaureli, musa del director, encarna seis papeles en el film

Sayat Nova, que cuenta la vida y muerte del poeta armenio homónimo del siglo XVIII, desafía todas las leyes formales del cine (y por supuesta las reglas del realismo social artítico del yugo soviético). Para nosotros, la película no es sólo importante por su explosión con toques surrealistas y su belleza Dadá (ahora que se cumplen 100 años de este movimiento). Para nosotros, la película es mucho más que  un corte de mangas estético a todas las convenciones fílmicas del momento en la URSS. De hecho, su rebeldía artística y su homosexualidad le valieron tres periodos de encarcelamiento a su director.

Para este blog, que intenta viajar y explicar las exposiciones que busca o le buscan, Sayat Nova es una película que contiene un museo entero. Cada segundo, cada 24 fotogramas, es una verdadera obra de arte. El mantel que se tiñe del rojo de las granadas, el agua navegando entre los libros, el agua corriendo mientras las mujeres lavan las alfombras, la languidez de sus protagonistas, la palidez de sus protagonistas, la falta de diálogos, la escritura con caracteres armenios, la música sin melodía… Es como ir recorriendo salas de una pinacoteca sin moverse de la butaca. Sin poder moverse de la butaca. La película es corta (menos de hora y media), así que a medida que avanza, y se vuelve más sobrecogedora, uno sólo piensa:  «Por favor, que no se acabe, que no se acabe, aún no».

Al final se acaba, claro. También la vida del poeta. También la vida de su director, hoy enterrado en Yereván y considerado uno de los grandes más grandes. Sin ir más lejos, Cahiers de Cinéma la consideró en su día una de las diez mejores películas de la historia. Sí, Cahiers de Cinéma, los chicos (hoy abuelos, muchos desaparecidos ya) enamorados del cine popular americano y de Hitchcock. Si tienen hora y media que ganar en sus vidas, ya saben donde tienen que ir.

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Poco a poco, con los años, países como Japón y, posteriormente, China, han abierto sus puertas a Occidente y, a la vez, han llamado a las nuestras para dar a conocer jarrones y dragones, corazas de samurai, kimonos tricentenarios, pinturas abstractas y performances, perspectivas distintas y siglos de aislamiento desencriptados para nuestro gozo y asombro. Ya no se trata sólo de Hiroshige y Hokusai, ni siquiera de Ai Weiwei (¿candidato a Nobel de la Paz?) o Yayoi Kusama, una de las artistas más cotizadas del mundo. El trabajo de nombres como el del danés-vietnamita Danh Vo o del coreano Do Ho Suh (preciosas las obras que presentó el año pasado en Frieze Londres) van colándose en museos y galerías de París, Londres y hasta Barcelona (Sugimoto en la Mapfre). Qué suerte la nuestra.

Do Ho Suh Specimen Series: Refrigerator. Galería Victoria Miro, Londres

En este blog, en las últimas semanas, nos hemos preguntado si perseguimos acontecimientos culturales coreanos, o es al revés, que Corea nos persigue allá donde vamos. Primero fue en París, hace unas semanas, en el museo Guimet de artes asiáticas, uno de los mejores rincones para perderse en la capital francesa. El otro, el Festival de Cine Coreano de Florencia, en Italia, al que asistimos un poco de casualidad. Nos gustan las casualidades.

Fragmento de una de las obras expuestas en la reciente muestra Tigres de Papier en el Musée Guimet de París

Corea busca expansionarse culturalmente en el mundo y se nota. En Francia se celebra un año de hermandad entre los dos Estados. En Florencia, el festival cinematográfico va ya por la decimocuarta edición. Eso en política internacional se llama soft power y en sabiduría popular, ser hormiguita. En la capital toscana, durante una semana, el Cinema Odeón y el Teatro Nicolinni han acogido un tsunami de películas y cortos de directores noveles, jóvenes, veteranos y consagrados, incluido Hong Sang-Soo, el aclamado director de Right Now, Wrong Then, premio Pardo d’Oro en el Festival de Locarno. Por la tarde polis y violencia, por la noche, en la sesión golfa, las de terror. https://www.koreafilmfest.com/

Un fotograma de Right Now, Wrong Then (2015), de Hong Sang-soo con Jeong-Yae Yeong (él) y Kim-Mee-He (ella)

En el Guimet, en París, se clausuró hace poco una exposición magnífica de arte coreano antiguo bajo el nombre Tigres de Papier que tuvimos suerte de visitar. El museo es un edificio lleno de sorpresas, un pequeño British de las artes asiáticas a la salido del metro de Iéna. El Guimet es todo lo que usted siempre quiso saber sobre el arte asiático desde Buda hasta hoy y no pudo permitirse ir a Asia a verlo. Una visita muy recomendable. Un vistazo previo en https://www.guimet.fr/. Bon voyage.

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Fragmento de «El paraíso y el infierno» (circa 1505-1515). Palazzo Grimani, Venecia. (todas las fotos son propias)

Después de Londres, después de París, el blog Extra Extra va camino del cielo igual que estos mortales que ascienden a través de un túnel donde ya aparece la luz de la vida eterna. Ellos se encontrarán con Dios. Nosotros también lo tendremos enfrente y con casi todos sus grandes éxitos. Es una cita soñada, una exposición que sólo se ve una o dos veces en la vida. Escapada a Den Bosch, en el sur de Holanda, para maravillarse con la imponente muestra que celebra la obra de uno de los pintores más peculiares, jeroglíficos y fascinantes de la historia del arte. Jeroen van Aken, alias Hyeronimus Bosch, alias el Bosco, resucita en su tierra natal a los 500 años de su muerte en una muestra que organiza el Het Noordbrabant Museum de la ciudad que le vio nacer, pintar y morir. Una ciudad que se ha volcado decorando sus calles y canales con algunos de sus iconos favoritos, devolviéndolos a la vida sobre los escenarios, con obras de teatro y de danza. Acercando así a todos los públicos, de una manera más lúdica, los retablos donde las altas y las bajas pasiones, se mezclan con la violencia más extrema y donde el ser humano ya sabe lo que le toca si no sigue el camino de diós, el Infierno, en mayúsculas. Allí puedes sufrir los peores martirios y te devorarán las criaturas más espeluznantes.

Figura gigante en el canal Binnendieze de Den Bosch

El show pictórico titulado ‘Visiones de un genio’ recoge buena parte de  obras: 17 de los 24 cuadros que se le atribuyen y 19 de los 20 dibujos que llevan su firma. No hace falta saber mucho de arte, sólo tener ganas de que a uno le abran los ojos con paisajes humanos, hombres y mujeres que sacan a relucir sus pasiones, que corren desnudos por la vida y que viven en un mundo lleno de elementos fantásticos que ya son universales como las orejas clavadas por una danza, el barco de los locos, la puerca vestida de monja, los gatos dragones tan fieros, los dos comerciantes volando a lomos de un pez… la vida y la muerte en su danza inacabable en la que a veces una le pisa el pie a la otra y viceversa. Para el Bosco el mundo está lleno de fieras (humanas, monstruosas, o una mezcla de las dos).

Bailarinas de Hieronymus B, creación de la compañía Nanine Linning

Junto a los fastos pictóricos, las figuritas en los canales, las banderolas en las calles, el Bosco renace en la obra Hieronymus B., de Nanine Linning, donde algunos de sus personajes, paisajes y fieras se escapan de los cuadros… o nos atrapan a nosotros, no se sabe a ciencia cierta. La obra, producida por el Theater Heidelberg, se ha estrenado en Den Bosch e inicia una gira por toda Europa. Sensualidad, lujuria y el resto de los pecados capitales aderezados con poesía y cadencia.

Bailarina de HieronymusB. en el personaje de El barco de los locos

El Bosco es un artista apasionante, por ser un genio y por tener esa imaginación tan desbordante, más poderosa que el tsunami más mortífero. La exposición es magnífica y eso a pesar de que le falte la obra más icónica de El Bosco, el Jardín de las Delicias. El tríptico que se halla en El Prado podrá verse en una segunda exposición en la pinacoteca madrileña. La de Den Bosch permanecera abierta hasta el 8 de mayo, la de El Prado, similar pero con el añadido del citado cuadro y el de la Adoración de los Reyes, el 25 de mayo. Aviso a navegantes, las entradas ya están a la venta. No en vano estamos ante un artista que fue Dalí, dadá, surrealista, Tarantino, Monty Phyton y pintó a los orcos del Señor de los Anillos 50 años antes de Dalí, los dadá, los surrealistas, Tarantino, los Monty Phyton y el golum. Sí, amigos y amigos del blog, el Bosco (la última imagen es la de uno de sus golums) es nuestroooooo tesoroooooo.

Gato demonio de El Bosco en la obra Hieronymus B

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Queridos lectores del Extra Extra,

Tras unos días de apagón ya vuelve la luz a este pequeño cuaderno de arte, tan pequeño que al mínimo despiste te sales del teclado y manchas el mantel de la mesa del comedor y, entoncés… prepárate. Demasiados días sin ofrecerles nuestros viajes, visitas y aventuras artísticas. De Londres queríamos pasar a París, pero tuvimos contratiempos. Nos costó un poco atravesar el túnel de la Mancha porque al visitar la gran expo de Frank Auerbach en la Tate Modern, olvidamos allí los papeles y al querer cruzar la frontera, nos dijeron: «Les papiers! Vous êtes un sans papiers!» Llevábamos colores, pero los gendarmes dijeron que nada de alpinos, ni plastidecores, ni cariocas. En fin que, tras dar la vuelta, ya estamos en el París de la Francia.¿Destino? ¿Un museo? Nooooo. Unos grandes almacenes.

Hoy, en el Extra Extra, nos vamos de rebajas con Ai Weiwei, el artista global, el activista, el performer ético, el equilibrista político, el provocador, el perseguido. El hombre que obliga a la multinacional Lego a cambiar su política de venta de sus piezas al por mayor. El mismo que retira sus obras en Dinamarca en protesta por la política del gobierno de Copenhague con los refugiados de sisarles los ahorros con los que llegan de Siria o de donde sea. El mismo Ai Wei Wei que se ha convertido en una figura planetaria, en un agitador de conciencias, a veces en un demagogo, en un oráculo, en un rompicoglioni (queda mejor en italiano) del poder establecido de Pekín y de donde sea. Y ustedes preguntarán: ¿Y qué hace Ai Weiwei en Le Bon Marche, grandes almacenes exclusivos en la Rive Gauche de París? Pues jugar, rememorar su infancia, hacer volar cometas… lo que hacen, más o menos todos los artistas tengan la edad que tengan, es decir, intentar hacerse mayores sin perder de vista sus años mozos.

En los grandes almacenes hay dos carteles importantes, uno que anuncia la exposición: «Ai Wei Wei, Er Xi (juegos de aire)». El otro indica «Deuxièmes démarques», que son las rebajas después de las rebajas pero antes del remate final. Hay personas que van a lo primero sin poder permitirse lo segundo (nosotros) y personas que van a lo segundo y que, al poco tiempo dejan de ver etiquetas y oler jaboncitos y probarse suéteres de cachemir y levantan la vista y se maravillan del trabajo del eterno enfant terrible chino. Vacas volando, pajaros con seis cabezas, tigres, dragones, todos quieren ser los campeones, peces extraordinarios, cerdos haciendo piruetas por el aire oliendo perfumes caros.

Ai Weiwei ha llevado a los grandes almacenes de Bernard Arnault (reputado coleccionista de arte y patron de Louis Vuitton Moët Hennessy (LVMH)) unos globos tradicionales chinos que él y sus colaboradores han recreado en versión lujo con seda y una estructura interna de bambú. . ¿El resultado? Figuras etéreas, muy divertidas, de gran factura, que seguramente nunca representarán a China en ninguna Bienal, pero que acercan el arte contemporáneo y un guiño pícaro a otros escenarios que no son el propiamente museístico. Y eso es tá bien, aunque las figuras no dejen de ser una apuesta más de interiorismo (todo el respeto a los interioristas) que de arte plástico y escultórico entendido como tal. Por unos cuantos días el artista chino se ha vuelto bohochic.

Lo que más nos ha divertido de la visita no es sólo el gran dragón de la planta baja, sino el subir y bajar de escaleras mecánicas buscando el mejor ángulo para sacar la foto adecuada o para verle todas las cabezas al pollo supersónico (seis) o  al pez atómico (cuatro) o los dientes de otro dragon volando (tres trillones). Ah, eso y la mezcla de gente. Al final no hemos comprado nada, ni siquiera el merchandising que los grandes almacenes han preparado para la ocasión.

La expo se podrá ver hasta finales de este mes. Las fotos son nuestras.

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Head of William Feaver 2003. Colección de Gina y Stuart Peterson © Frank Auerbach, cortesía de Marlborough Fine Art

Cuando éramos chavales («long, long long time ago, before the wind, before the snow», que cantaban los Red Hot Chilli Peppers), el único Auerbach que conocíamos era un señor llamado Red, entrenador de los Boston Celtics, el técnico de la historia de la NBA que más anillos ha ganado. Luego crecimos (lo justo y necesario) y descubrimos que había otro monstruo, con el mismo apellido, maestro del impasto, de retratos cadavéricos y de un sólo paisaje, el que rodea a Mornington Crescent, una de las calles más famosas de la historia de la pintura (de acuerdo, pero no tanto con el Gran Canal veneciano de Canaletto y Francesco Guardi). Frank Auerbach, que este año cumplirá 85 años, que nació en Alemania y que aterrizó muy joven en Londres, ha consagrado su vida a un tipo de pintura fascinante, fantasmagórica, cuyas garras expresionistas te atrapan sin remedio y te provocan mareos (físicos) y te ponen la de piel de gallina. Sales y se te escapa un pensamiento que te deja perplejo: «He visto estos cuadros, ya me puedo morir». Luego te arrepientes y ya planeas ver la expo otra vez.

E.O.W., Half-length Nude 1958. Colección privada cortesía de Eykyn Maclean, LP © Frank Auerbach, cortesía de la Marlborough Fine Art

Con Auerbach no somos objetivos, ni con Ellsworth Kelly, ni con Malevich, ni con Frank Stella, ni con Ángela de la Cruz.  Si quieren objetividad, se equivocaron de blog. Las telas de un artista que recuerda a Francis Bacon pero no, que se compara a Lucian Freud pero tampoco, nos gustan hasta antes de ser pintadas. La retrospectiva que ofrece la Tate Britain (…somos más de la Britain que de la Modern, hay que confesarlo) es uno de los grandes acontecimientos culturales de finales del 2015 e inicios del 2016. La visita a la pinacoteca del barrio londinense de Pimlico es una bendición, siete salas que recorrer muy lentamente. Cuadro a cuadro, muy despacio, lamiendo con la vista cada rincón  de cada cuadro, tropezando con los grumos de pinturas y temiendo que los bustos cobren vida y se abalancen sobre ti.

Autoretrato. 1958. carbón y tiza sobre papel. Cortesía de Daniel Katz Gallery, London © Frank Auerbach, cortesía Marlborough Fine Art

Ya se ha escrito mucho sobre exta exposición, porque se inauguró en octubre (y acabará el 13 de marzo) pero eso no será óbice para ofrecer a nuestros abonados unas pocas pinceladas de una muestra que tiene seis salas cuya obra ha sido seleccionada por el propio artista y una última que ha elegido a su gusto, como una espècie de postre después del postre, la comisaria Catherine Lampert, una de las grandes expertas en Auerbach junto con William Fever, retratado en la primera imagen de este post.

Hampstead Road, High Summer (2010), Frank Auerbach © Frank Auerbach, courtesy Marlborough Fine Art

La repetición de los temas, pero nunca la repetición de un cuadro, hace de Auerbach una especie de anti-warhol, una especie de ermitaño cuyos esfuerzos se dedican a pintar la calle de fuera del estudio, el estudio, el parque de Hampstead o como muy muy lejos la hermosa Primrose Hill, la parte superior del Regents’ Park, sitio favorito de los niños de Londres para deslizarse colina abajo cuando nieva. Todos los paisajes y los personajes que retrata Auerbach se pueden contar con los dedos de las dos manos, una familia artística mínima.

Qué Dios guarde muchos años al maestro. Cada vez que pasamos por Londres, vamos a Hatchards, la libría más antigua de la ciudad, sita en la avenida Picadilly y preguntamos por él. «Esá bien, el otro día vino a firmar unos ejemplares». Nos perdimos ese autografo. Pero conservamos como oro en paño uno estampado en el precioso catálogo de William Feaver que editó Rizzoli.

Sigan atentos a la pantalla de su blog amigo.

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Manzanas (1945), de Pablo Picasso, tinta china y acuarela sobre papel cuadriculado.            Cortesía de la Fundació Palau

Pues muy simple: te hallas tête à tête, en la intimidad con el maestro, a media luz, a veces a solas con él, sin que haya más espectadores a tu alrededor en un día sin demasiados visitantes. «Hola, maestro… ¿está ahí?». Es como una comunión, una religión y una emoción tenerlo todo para ti, hecho a medida. Es cierto que las obras no son las de los museos Picasso oficiales-trade-mark-prohibida-la-reproducción. Son telas, dibujos, grabados, esculturas que alguien podrá llamar periféricas, però un Picasso es un Picasso, su genio se ve en cualquier trazo y en la exposición «Picasso no s’acaba mai» (Picasso no se acaba nunca) hay trazos, guiños, manzanas, cuadernos de trabajo, carnets de viaje, toreros y toros, acuarelas, álbums, óleos, sorpresas. está París y Barcelona y Mougins y Vallauris. Y una serie de La Célestine compuesta por 66 aguafuertes y aguatintas impresos en el taller de Aldo Crommelinck, el imprimeur de grandes artistas como Miró, Léger, Masson, Matisse, Braque, Jim Dine o Georges Roualt.

Detalle de la exposición «Picasso no s’acaba mai» en la Fundación Palau i Fabre

A mí no se me ocurre una mejor introducción a Picasso, por ejemplo, para aquellos niños a los que les entra urticaria oír a sus padres algo así como: «Cariño, hoy vamos al museo. No, no protestes, seguro que tienen mesas para que pintes o un vénding para que pases de todo y me dejes ver la expo. Toma cinco euros». En realidad la visita funciona con los más pequeños. «Ah, no está mal», exclaman. Victoria

La Fundació Palau tiene un poquito de todo y muchos de sus cuadros tienen pequeño formato y muchos guiños humorísticos, binomio que nos apasiona en este blog (arte y humor). «Mar d’escates», de Perejaume es ejemplo de esa minuciosidad poética marca de la casa y también este óleo del autor de Pagèsiques que aparece ahora mismo ante sus ojos y que es todo delicadeza.

Pintura (2009), de Perejaume. Óleo sobre papel. Cortesía de la Fundació Palau

A la salida del museo, ya nada importa porque la mente está despejada y llena de inspiración, no de pintar sino de vivir. Cogemos el tren de regreso que sigue por sus raíles, en cambio, nosotros, hemos descarrilado (afortunadamente) durante un buen rato gracias a los citados a las obras de Barceló, Sandy Calder, Pau Gargallo y a esa foto icónica (convertida en caleidoscópica) a más no poder de Greta Garbo que te hipnotiza profuuuuuuuundamente.

Greta Garbo en el papel de Mata Hari (Moviestore Collection / Rex Features). Cortesía de la Fundació Palau

Ah, y en la próxima entrega: Frank Auerback, una autopsia de colores (título de trabajo). Visita a la Tate Modern de Londres donde expone uno de los más grandes pintores vivos (y que Dios le guarde muchos años).

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