Che cosa dirà la gente quando vedrà che sono tornato da solo… che ho condotto i loro uomini alla morte? (Odisseo – Ralph Fiennes)

Dopo lo splendido Nowhere Special – Una storia d’amore (2020), capace di emozionare in modo delicato con il suo struggente inno alla perseveranza nella ricerca della gentilezza, ritroviamo Uberto Pasolini a dirigere un’opera ancora una volta introspettiva, che carica il protagonista, non più solo figura paterna, ma anche marito e re, di un fardello costruito con sensi di colpa e responsabilità, che ne annebbiano l’antico splendore e carisma.

Ralph Fiennes nei panni di Odisseo è un uomo trasformato, gli occhi persi nel vuoto, distrutti da una battaglia senza veri vincitori e da un ritorno a casa traumatico e quasi temuto: un uomo incatenato dai rimorsi, troppo grandi per tornare a mostrarsi agli occhi di un popolo al quale non potrà che dare brutte notizie. Il suo ritorno è una corsa ad ostacoli volontaria, forse peggio dell’esilio: sente ormai la guerra entratagli sottopelle, diventando impossibile pensare di tornare come prima. I suoi occhi parlano chiaro, ma non le sue parole: solo in un’occasione rivela i suoi pensieri, chiamando “fortunati” coloro che sono morti, non quelli che sono sopravvissuti. Il tempo gli sembra ormai vuoto, ed egli naviga in un costante senso di inadeguatezza, uno stress post traumatico figlio dei danni che la guerra arreca anche ai più virtuosi: l’uomo che predicava nella divina commedia il “fatti non foste a viver come bruti, ma per seguire virtute e canoscenza” è, ormai, l’ombra di se stesso.

Ad Itaca, nel frattempo, Penelope ha il compito di tenere a bada i cittadini pronti a prenderne la mano e, interpretata da Juliette Binoche, agisce da donna sobria e risoluta nella sua cieca e convinta fedeltà verso il disperso marito, rappresentando una fermezza che ben si sposa all’austerità della scenografia, che lascia da parte qualsiasi tentativo di abbellimento od ostentazione. Viene evitata qualsiasi caratterizzazione, tanto che l’opera potrebbe essere ambientata in una generica isola del Mediterraneo: se non per i costumi, i riferimenti al presunto periodo storico sono assenti, così come dei propositi di conferire maestosità ai protagonisti o alla loro dimora. Emerge anzi una grande semplicità della vita e l’idea che questa sia la vera costante: Odisseo, ad esempio, che appaia come mendicante, marito o re, si mostra sempre allo stesso modo; ciò che cambia non è la ricchezza esteriore, ma quella interiore, quando egli dimostra a sé e alla sua famiglia di meritare ancora di farvi parte.

Tutto sull’isola è molto spoglio, crudo e viscerale, dove non c’è spazio per la filosofia e per la ragionevolezza. Il contrasto è, anzi, il vero primo cittadino, dove ogni giorno cresce il fermento dovuto all’estenuante attesa che Penelope decida il prossimo re. Ella, com’è noto, cerca di guadagnare tempo ogni notte facendo e disfacendo una fantomatica tela, e i pretendenti al trono diventano ogni giorno più insistenti, arrivando a dare un ultimatum alla regina, che si rende conto che la loro pazienza è al limite. In tutto ciò, suo figlio Telemaco è ogni giorno più in pericolo, in quanto troppo giovane e impreparato per governare, ma troppo grande per non rappresentare una minaccia futura.

Purtroppo, invece, gli altri personaggi non sono all’altezza del carisma di Fiennes e Binoche; Claudio Santamaria cerca di tenervi testa col suo personaggio, ma soprattutto il gruppo di presunti spasimanti di Penelope si presenta scarno e incapace di creare un contatto emotivo con gli spettatori, diventando semplici pedine di una sceneggiatura con il pilota quasi automatico. Si discosta in parte da questo binario Charlie Plummer, che, come Telemaco, cerca di emergere anche grazie ad incomprensioni quasi edipiche con padre, le cui risoluzioni però risultano accelerate, impedendo loro di maturare quanto avrebbero dovuto.

In maniera simile, soffrono anche le musiche, che, se partono inizialmente molto evocative, si adeguano presto al sobrio profilo del film, dove i dialoghi brevi e l’accumulo di pensieri celati guidano alla sua semplificazione, tornando ad arricchirsi solo nella parte finale.
Ciò che traspare con forza dall’opera è, in ogni caso, l’archetipico dilemma dell’uomo che, per proteggere la sua casa, va a combattere senza sapere che poi tornerà cambiato e incapace di abitarla come prima: il tema della guerra, della sua capacità di attirare l’uomo e di come questa diventi, per alcuni di loro, una prigione travestita da nuova casa si innalza a questione irrisolvibile della vita, e sicuramente lascia più di un pensiero nello spettatore, quindi peccato che manchi la distribuzione di pathos lungo tutta la pellicola e su più personaggi, con un grande divario di fascino tra le scene, dove solo poche si salvano da una tela finale un po’ sbiadita.

Itaca. Il Ritorno

Regia: Uberto Pasolini

Attori: Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Charlie Plummer,
Tom Rhys Harries, Marwan Kenzari, Claudio Santamaria

Durata: 116 minuti

Uscita: 30 gennaio 2025

La terza regola è: qualunque cosa succeda, hai vinto; non ammettere mai la sconfitta.
(Roy Cohn – Jeremy Strong)

Se si ripensa a quanto accaduto il 6 gennaio 2021 dopo aver visto questo prodotto, diventa molto più chiaro come mai il Presidente uscente non dichiarò la vittoria di Biden: ci sono tre regole per essere vincenti, e Trump ha dimostrato che applicarle alla lettera, alla fine, sembra funzionare.

Il film inizia come una missione del satirico videogioco Grand Theft Auto, un’esplosione di sarcasmo e sagacia, con conversazioni grottesche al limite dell’assurdo: sono messi in scena tutti gli ingredienti che saranno parte della pellicola nel corso delle sue due ore, che partono da un Trump quasi innocuo e ancora acerbo, affamato sì di potere, ma non in grado di realizzare a quali parti di lui questa fame lo obbligherà a rinunciare. E in questo lo guiderà Roy Cohn, il controverso avvocato che gli farà da mentore, insegnandogli che la via per il successo è lastricata di cinismo, individualismo e dalla messa in pratica del capitalismo opportunista che non guarda in faccia alle leggi. Dalla sua prospettiva, il governo è giusto se lui e le persone come lui si vedono riconosciuti le proprie pretese e benefici: qualsiasi altra opzione è una minaccia per la grandezza del suo amato paese. In alcuni (pochi) momenti il film lascia spazio anche a un Trump più umano, che però rifugge questo lato ed è come se, col passare del tempo, questo venga pugnalato dalla sua parte imprenditoriale, finché non ci sia più nulla da pugnalare. La seconda metà della pellicola, invece, perde un po’ di ritmo: probabilmente mezz’ora in meno avrebbe giovato alla messa a fuoco e ad evitare ridondanze.

Ottima la prova di Sebastian Stan, che riesce con la mimica e il modo di parlare a ricordare Trump: per un attore che finora non aveva avuto modo di prendersi la scena, sicuramente questa parte importante si spera possa essere vista anche negli USA, nonostante i molti problemi avuti dall’opera per ottenere una distribuzione casalinga a seguito delle critiche dell’entourage di Trump.

Molto bravo anche Jeremy Strong: l’influenza di Roy Cohn è così grande che di fatto è una sorta di co-protagonista, presentato come una persona estremamente istrionica con tre regole di vita che Trump farà sue nel corso della sua vita, diventandone un suo Virgilio senza quasi lati positivi e allo stesso tempo pieno di contraddizioni. Così come gli Stati Uniti qui rappresentati vivono nella contraddizione, tra estrema ricchezza ed estrema povertà, sullo sfondo di un sogno americano che è un miraggio per quasi tutti, un fallimento per molti e un successo per i pochi che possono permettersi di trasgredire le regole; un sogno dal quale Abbasi vuole svegliarci mostrandolo come un casinò dove i cittadini sono tenuti a giocare credendo di poter vincere, facendo arricchire solo chi gestisce il tutto e che desidera solo che la giostra continui.

Le musiche iniziano subito forte, con un rock dritto e potente, così come sono i dialoghi e i caratteri dei personaggi principali, mentre i secondari non emergono particolarmente, utilizzati con una funzione puramente orbitale alle dinamiche che il film vuole proporre, mentre la regia opera come un documentario con un look anni ‘70 -’80 con telecamera a mano molto veloce e particolarmente cinetica, smaniosa di guidare le scene con un ritmo frenetico, in mimesi con l’evoluzione della vita di Trump in quegli anni in cui New York sembrava un campo di battaglia. Un’evoluzione in cui non mancano comunque dei momenti in cui l’iniziativa e l’ardore di Trump e il suo desiderio di successo non vengano esposti come meritevoli di stima da parte degli spettatori, dimostrando come Abbasi non volesse limitarsi a mostrare un solo lato della medaglia Trumpiana, realizzando un’opera che, di fatto, non accontenta nessuno del tutto, essendo sia critica, sia elogiante alla figura di Trump e della sua capacità di avere successo.

The Apprentice – Alle origini di Trump

Regia: Ali Abbasi

Voci: Sebastian Stan, Jeremy Strong, Maria Bakalova, Martin Donovan, Catherine McNally, Charlie Carrick, Ben Sullivan, Mark Rendall, Joe Pingue, Jim Monaco, Bruce Beaton, Ian D. Clark, Valerie O’Connor, James Madge, Ron Lea, Edie Inksetter, Michael Hough, Robert J. Tavenor, Raechel Fisher, Stefanie Martino, Randy Thomas, Myron Ron Reider, Sharon Wilcox, Jai Jai Jones, James Downing, Charlie Seminerio, Joshua Michael St. John, Tom Barnett, Jason Blicker, Frank Moore, Chloe Madison, Jaclyn Vogl, Benny Shilling, Chris Owens, Nabil Traboulsi, Sam Rosenthal, Brie Watson, Duke Robinson, Clare Coulter, Craig Burnatowski, Lorne Monroe, Peter Deiwick, Ben Ball, Iona Rose MacKay, Samantha Espie, Craig Warnock, Kerry Ann Doherty, Erik Snider, Chris Gleason, Taylor Bernier, Domingos Andrade, Mishka Thébaud, Patch Darragh, Dina Roudman, Rick Hughes, Russell Yuen, Michael Gordin Shore, Matt Baram, Aidan Gouveia, Gavin Pounds, Tammy Boundy, Katie Layne, Don Shaxon, Salvatore Marcellino, Eoin Duffy, Marvin Karon, Moni Ogunsuyi, Duane Keogh, Brad Austin, Kate Wheeler, Fiona Mongillo, Stuart Hughes, Daniel Goldenberg, Mary Krohnert, Taylor Brunatti, Addyson Douglas, Emma Elle Paterson, James Lucas Cruickshank, Henos Girma, Elliot Hunter Self, Ross Cameron Bruce Fraser, Eamon Bernard Fraser, Niamh Carolan, Michelle Doiron, Drew Gilder, Dion Yorkie, Sebb Argo, Miles Carney, David Yee, Tara Flynn, Gary Hetzler, Peter McGann, Liam Bell, Kyle James Butler, Jim Chad, Cyndy Day, Aaron J. La Fleur, Emily Mitchell, Andre Reiter, Vincenzo Ruggieri Calvano

Durata: 122 minuti

Uscita: 17 ottobre 2024

Versione Inglese

Fin da quando ero bambino, la gente diceva che la mia famiglia era maledetta. Mamma cercava di proteggerci con Dio. Papà cercava di proteggerci con il wrestling. Diceva che se fossimo stati i più duri, i più forti, nulla avrebbe mai potuto farci del male. Gli credevo. Ci credevamo tutti.
(Kevin Von Erich ~ Zac Efron)

A24 colpisce ancora. The Iron Claw o The Warrior è un film biografico sulla famiglia Von Erich, una delle più grandi dinastie del wrestling. Diretto da Sean Durkin con protagonisti Zac Efron, Jeremy Allen White e Harris Dickinson.

Il prologo del film si apre in bianco e nero, mettendo subito in evidenza l’elemento catartico che permea l’intera storia: un ring da wrestling. Questo luogo in cui gli atleti si sfidano senza limiti per intrattenere il pubblico, ma al contempo affrontano le pressioni fisiche e psicologiche del loro ambiente.

Zac Efron ha dedicato notevoli sforzi per adattarsi al ruolo di lottatore professionista, definendolo il più impegnativo della sua carriera fino a quel momento. Ha dovuto modellare il proprio corpo, renderlo muscoloso e possente, mentre contemporaneamente cercava di esprimere il profondo dolore e la lotta interiore di un giovane cresciuto a immagine e somiglianza di un padre dominante. Nonostante la difficoltà del processo, Kevin riesce a emergere dalla sua ombra e a diventare un genitore migliore di quello che ha avuto. Tuttavia, nel corso di questo processo di emancipazione, non riesce a proteggere nemmeno uno dei suoi tre fratelli minori, a cui è profondamente legato e che ama più della sua stessa vita.

“The Iron Claw” è un film duro e intenso, lo stesso titolo è tratto dalla famosa mossa inventata dalla famiglia Von Erich. La pellicola è struggente per il dramma autentico che presenta, dimostrandosi estremamente cauta nel non indulgere in violenza gratuita che avrebbero appesantito la trama, rischiando di risultare noiosa. La sua struttura è equilibrata, priva di ridondanze, scorrevole e notevolmente delicata.

Ed è proprio in questo aspetto che The Iron Claw si distingue: immergere gli spettatori nel complesso mondo del wrestling, evocando scene simili a quelle viste in The Wrestler (2008). In effetti, Sean Durkin sembra intenzionato a richiamare lo stile intimo e crudo mostrato nel film di Darren Aronofsky.

La tragedia che ha colpito la famiglia Von Erich è davvero toccante, e la presunta “maledizione” che li perseguita è certamente impattante. Il film sembra somigliare a molti altri già visti, incentrati sulla determinazione di una famiglia americana a riscattarsi, guidata dall’ossessione insana del padre che proietta le sue speranze e frustrazioni sui figli. La pellicola incontra difficoltà anche nel mantenere un ritmo uniforme nella narrazione, con intere sezioni delle vite dei protagonisti sintetizzate in pochi minuti, mentre altre vicende, forse meno rilevanti, occupano troppo spazio. In questo tipo di film, c’è il rischio di voler raccontare troppo e finire per narrare poco. Le relazioni tra i fratelli risultano solo abbozzate, e la scelta di adottare il punto di vista ingenuo del protagonista sembra poco convincente.

The Iron Claw

Regia: Sean Durkin

Attori: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Maura Tierney, Stanley Simons, Holt McCallany, Lily James, Maxwell Jacob Friedman, Brady Pierce, Aaron Dean Eisenberg, Kevin Anton, Cazzey Louis Cereghino, Chavo Guerrero Jr., Ryan Nemeth, Grady Wilson, Valentine Newcomer, Scott Innes, Garrett Hammond, Michael Harney, Jullian Dulce Vida, Jeremy Allen White, Michael Papajohn, Silas Mason, Devin Imbraguglio, James Beard, Kristina Kingston, Brian Hite, Jim Gleason, Leo Franich, Sam Franich, Chelsea Edmundson, Romeo Newcomer, Terry J. Nelson, Brett Beoubay, Mike Dell, Bobby George, Chad Governale, Todd Henry, Timothy Hinrichs, Mark Alan Jaeger, Ernest Marsh, Dane Alexander Peplinski, Benjamin Lee Smith, Christina Michelle Williams, Ronnie Yelverton

Durata: 132 minuti

Uscita: 1 Febbraio 2024

Versione Inglese

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Estate del 1957, Enzo Ferrari viveva un periodo di quattro mesi che, pur essendo di breve durata cronologica, doveva sembrare infinito nella sua esistenza. Il Commendatore era colpito da una profonda crisi sia personale che professionale. Da un lato, si trovava all’ombra oscura del fallimento della sua azienda automobilistica, fondata con sua moglie Laura un decennio prima, durante un periodo in cui l’Italia era ancora in rovina a causa degli effetti devastanti della grande guerra. Dall’altro lato, la sua vita familiare era segnata dalla tragedia della morte del figlio unico della coppia, Dino, e dalla difficoltà di accettare il figlio avuto da una relazione con Lina Lardi. L`ex pilota vedeva nell’obiettivo di vincere la Mille Miglia l’unico raggio di speranza che avrebbe potuto modificare il corso della sua vita, almeno dal punto di vista economico. Questa vittoria avrebbe rappresentato la possibilità di superare la concorrenza della Maserati e di rilanciare in modo definitivo il prestigio e le vendite della sua scuderia.

Il film oscilla tra un dramma familiare e una rimonta memorabile, almeno nelle intenzioni, presentandosi come un classico biopic nella sua forma. Tuttavia, non riesce a far rombare i suoi motori, mancando di sfruttare appieno il fascino del “Mago” Ferrari, l`audacia della sua visione e la meraviglia futuristica del Cavallino per rendere la narrazione altrettanto epica. Da un punto di vista della scrittura, la pellicola mostra una chiara impronta americana, il che non è necessariamente un aspetto negativo. Esistono numerosi esempi di film che, pur trattando delle nostre storie e delle nostre icone, sono stati diretti e interpretati da registi e attori stranieri.

Il principale inconveniente del prodotto risiede nell`interpretazione di Adam Driver nel ruolo di Enzo Ferrari, la quale non riesce a far dimenticare che si tratta di un attore americano che incarna una figura così rilevante nella storia del Novecento italiano. La sospensione dell`incredulità non si realizza, o almeno non a sufficienza per instaurare una connessione emotiva con il personaggio, le sue ambizioni e il suo dolore. Questa critica si estende anche agli altri personaggi, ad eccezione di Penelope Cruz, che riesce a distinguersi grazie al suo notevole talento interpretativo.

Con una durata di oltre due ore, la parte conclusiva del film si focalizza sulle varie tappe della Mille Miglia. Tuttavia, manca un`originalità nella regia delle scene di corsa che potrebbe renderle uniche e distintive. A titolo di confronto, si può menzionare Le Mans ’66 – La grande sfida (2019) di James Mangold, dove le sequenze di corse presentavano una tensione costante. In questa pellicola, invece, l`azione si concentra principalmente verso la fine, dando l’impressione di una certa fretta. Molte tematiche vengono solo accennate e non approfondite, come la presunta corruzione tramite mazzette ai giornalisti, suggerita da Laura a Enzo dopo la tragedia di Guidizzolo, in cui la Ferrari 335 S n. 531, guidata da Alfonso de Portago, si schiantò, causando undici morti.

In conclusione, Ferrari si presenta come un’occasione mancata. Il biopic risulta essere troppo classico, seguendo un percorso sicuro senza intraprendere rischi significativi o sorpassi. Il prodotto procede su una traiettoria lineare senza curve rilevanti.

Ferrari

Regia: Michael Mann

Attori: Adam Driver, Shailene Woodley, Giuseppe Festinese, Alessandro Cremona, Derek Hill, Leonardo Caimi, Penélope Cruz, Gabriel Leone, Michele Savoia, Jacopo Bruno, Domenico Fortunato, Damiano Neviani, Giuseppe Bonifati, Franca Abategiovanni, Marino Franchitti, Valentina Bellè, Luciano Miele, Daniela Piperno, Alessandro D’elia, Gianfilippo Grasso, Andrea Bruschi, Giuseppe Attanasio, Andrea Dolente, Marco Maccieri, Andrea Fiorillo, Marc Gené, Jonathan Burteaux, Massimo Scola, Sarah Gadon, Jack O’Connell, Javier Cornelio Merida, Samuel Hubinette, Wyatt Carnel, Brett Smrz, Patrick Dempsey, Lino Musella, Tommaso Paolucci, Alessio Cioni, Biagio Caruso, Maurizio Cardillo, Alice Zanini, Lulu Najafi, Uladzislava Keizereva, Edoardo Beraldi, Gabriel Noto, Alfredo Benedettini, Carlo Fei, Robert Steiner, Erik Haugen, Ben Collins, Daniele Carbone, Tommaso Basili, Modesto Menabue, Massimo Bottura, Pietro Corradini, Andrea Volpetti, Francesco Gorga, Pietro Piccinini, Edoardo Golemi, Agnese Brighittini, Filippo Marchi

Durata: 130 minuti

Uscita: 14 Dicembre 2023

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Comincia così il secondo film diretto ed interpretato da Bradley Cooper, Maestro, in uscita in poche sale selezionate oggi 6 dicembre e il 20 dello stesso mese sulla piattaforma Netflix, con la produzione dello stesso Cooper, ma anche di nomi del calibro di Martin Scorsese e Steven Spielberg.

Bernstein è un autore che mescola insieme cinema, musica e vita. Bradley Cooper non fa altro che mostrare come Leonard prende sempre più spazio nella scena, un visionario della narrazione.

Nel corso delle esperienze dolorose e amorose, tracciamo il percorso di due vite straordinarie (quella di Leonard e di sua moglie Felicia Montealegre interpretata da Carey Mulligan), che si intrecciano in un tempo non convenzionale, pervaso di sincerità e libero dall`odio.

Lenny, rappresentato sul viso di Bradley Cooper con una sorprendente somiglianza, disegna, sottolineando una genialità donata al mondo. In modo ideale e concreto, il Maestro attraversa un’ellissi tra i toni e la sostanza, cercando di spiegare la fotografia di Matthew Libatique, che si sposta dal bianco e nero ai colori vibranti di un cinema di un’epoca passata. Si tratta di un cinema della memoria, quasi un inizio che ha origine dalla memoria stessa.

Sospendendo temporaneamente West Side Story (1961) o Inside Pop: The Rock Revolution (1967), il presente prodotto si focalizza principalmente sulla relazione di Bernstein con la moglie Felicia. Così talentuosa, così naturale, così precisa nelle emozioni e nella determinazione, che Bradley Cooper affronta la pellicola narrando la storia attraverso due prospettive (spesso prediligendo quella di Mulligan). Questo perché Lenny era anche omosessuale, vivendo la sua sessualità senza difficoltà né egoismo. Era consapevole di appartenere a due mondi capaci di convivere nella stessa esistenza.

Bradley Cooper con questo storia va oltre il semplice racconto biografico, la sequenza cronologica degli eventi o l’uso opportunista delle sue composizioni. L’attenzione è posta sull`umanità della figura, evidenziando quanto il dualismo tra vita personale e professionale non è un concetto fine a sé stesso, ma piuttosto è strettamente connesso in una dimensione in cui il cuore esalta la ragione.

Cooper trova nel genere biografico lo spazio ideale per riflettere sullo status delle icone attraverso elementi “esteriori” significativi come trucco, ambientazione e forme. Bernstein viene presentato come un dio imperfetto desideroso di esperienze, e la reinterpretazione della realtà (in particolare la visione romantica di una relazione amorosa più complessa e sofferta) è una scelta ben ponderata. Il ritratto della vita di Bernstein e di Felicia, vera protagonista del film, è sincero, devoto all’arte e affascinato dal linguaggio familiare, coinvolgente ma alla ricerca di una misura che ritorni all’essenza umana della celebrità.

Maestro

Regia: Bradley Cooper

Cast: Carey Mulligan, Bradley Cooper, Matt Bomer, Maya Hawke, Sarah Silverman, Michael Urie, Gideon Glick, Sam Nivola, Miriam Shor, Alexa Swinton, Vincenzo Amato, Greg Hildreth, Brian Klugman, Nick Blaemire, Mallory Portnoy, Alexandra Santini, Jarrod LaBine, Kate Eastman, William Hill, Valéry Lessard, Renée Stork, Tim Rogan, Sara Sanderson, Yasen Peyankov, Julia Aku, Benjamin Freemantle, Harrison Coll, Sebastian Villarini-Velez, Dario Natarelli, Ryan Steele, Ricky Ubeda, Carlos Sanchez Falu, Jeanette Delgado, Sara Esty, Ahmad Simmons, Kyle Coffman, Byron Tittle, Yesenia Ayala, Skye Mattox, Halli Toland, Leigh-Ann Esty, Gaby Diaz, Tanairi Sade Vazquez, Lea Cooper, Soledad Campos, Zachary Booth, Scott Ellis, James Cusati-Moyer, John Kroft, Scott Drummond, Josh Hamilton, June Gable, Mike Mitarotondo, Colin Anderson, Kevin Thompson, Rosa Feola, Isabel Leonard, Miller Bugliari, Atika Greene, Gabe Fazio, Jordan Dobson, Elaine Apruzzese, Portia Backus, Eric Patrick Cameron, DJ Nino Carta, Bern Collaço, Saffron Rose Cooper, Richard L. Entrup, Connor Ford, Ken Holmes, Adam J. Jackson, Gabrielle Manna, Sandro Naglia, Kristi Noory, Eric Parkinson, Lynne Valley

Durata: 129 minuti

Uscita: 20 Dicembre

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Il film si svolge in una città fittizia, Element City, dove gli abitanti sono rappresentati da quattro elementi distinti. Elemental, dimostra la capacità dello studio Pixar di evitare la banalità, nonostante una trama apparentemente semplice e poco innovativa. Ember, una ragazza che incarna il fuoco, e Wade, un ragazzo che rappresenta l’acqua, nonostante siano consapevoli che la loro unione potrebbe causare danni reciproci, i due decidono di avviare una relazione. Vengono affrontate tematiche attuali, fuse con l’esperienza di vita del regista; la narrazione è delicata ed emotiva, e si sviluppa in modo fluido lungo tutta la trama. Dai cambiamenti climatici alle conseguenze dell’immigrazione e alla discriminazione che si manifesta quando ci si trova costretti ad adattarsi a un ambiente completamente diverso, i genitori di Ember, provenienti dalla Terra dei Fuochi e giunti a Element City con molte difficoltà, raccontano queste storie.

La storia d’amore tra i protagonisti rimane al centro, anche se alcuni personaggi secondari precedentemente introdotti vengono trascurati. Non sono solo opposti per carattere, ma anche per la loro natura di elementi: Ember rappresenta il fuoco, Wade rappresenta l’acqua. L`amore per qualcuno che non possiamo nemmeno toccare può sembrare folle. I sentimenti, le scelte e i comportamenti dei protagonisti sono narrati con una grande carica emotiva che sicuramente susciterà emozione nello spettatore.

Il film offre una vivace e coinvolgente gamma di colori che rende alcuni momenti davvero indimenticabili. Ciò che risalta in particolare è la rappresentazione dei personaggi come elementi, il cui lavoro è stato realizzato con grande cura: le battute divertenti, le scelte visive e la struttura della città sono state attentamente sviluppate per creare un mondo credibile e appagante. Anche la rappresentazione finale degli elementi è convincente, in particolare l’effetto del fuoco e dell’acqua che si muovono in modo fluido e leggero.

Purtroppo la pellicola, per quanto sia colorato, vivace e interessante per quanto riguarda il comparto tecnologico, non rispecchia più la vecchia Pixar, quella che ha voglia di osare, parlare di tematiche difficili che colpiscono lo spettatore, lasciandolo con un vuoto una volta uscito dalla sala. C’è la volontà di risollevarsi dopo i vari disastri dovuti alla pandemia e qualche errore di troppo (Onward, Luca, Red e Lightyear), ma sembra mancare ancora qualcosa. Sperando che con le prossime uscite (Elio, Inside Out 2 e Toy Story 5), Pixar possa rimettersi in carreggiata portando l’animazione dove merita.

Elemental

Regia: Peter Sohn

Doppiatori originali: Leah Lewis, Mamoudou Athie, Donnie Del Carmen, Shila Ommi, Wendi McLendon-Covey, Catherine O’Hara, Mason Wertheimer, Ronobir Lahiri, Wilma Bonet, Joe Pera, Matthew Yang King, Clara Lin Ding, Reagan To, Jeff LaPensee, Ben Morris, Jonathan Adams, Alex Kapp, P.L. Brown, Dylan Buccieri, Assaf Cohen, Jessica DiCicco, Terri Douglas, Krysta Gonzales, Ava Kai Hauser, Karen Huie, Arif S. Kinchen, Austin Madison, Cole Massie, Scott Menville, Alisha Mullally, Fred Tatasciore, Kari Wahlgren, Innocent Ekakitie

Doppiatori italiani: Valentina Romani, Stefano De Martino, Anita Patriarca, Serra Yılmaz, Hal Yamanouchi, Francesco Bagnaia, Francesco Raffaeli

Durata: 1 ora 49 minuti

Uscita: 21 giugno 2023

La morte… non c’è altro che mi terrorizzi di più; ed è questa la base della mia ispirazione…
La pittura scompare per tramutarsi in realtà.
(Salvador Dali – Ben Kingsley)

Quanto è difficile vestire i panni del genio? Quanto è difficile comprendere che anch’essi sono umani, nonostante il nostro e il loro rifiuto di accettarlo? Come si può accettarlo, d`altronde, quando si comprende l`importanza della perdita del loro apporto alla storia, all`arte e al senso di meraviglia suscitato a chi la fruisce? Devono essere state queste alcune delle domande che la regista Mary Harron si è posta durante la concezione di questa pellicola, dove il tema portante è il contrasto tra l`immortalità dell`arte e la mortalità dell’uomo, che si manifesta in maniera via via più emergente nei sentimenti e nelle sfaccettature degli stati d’animo di Dalì e di sua moglie durante il tempo che ci viene concesso di immergerci nello loro vite e turbamenti.

La pellicola, infatti, si presenta come un grande affresco su una fase avanzata della vita della famiglia Dalì, una vecchiaia che entrambi rifuggono con accorgimenti estetici e circondandosi di giovani durante le frequenti e sfarzose feste organizzate nella loro suite. Il viaggio dello spettatore dentro questo mondo, questa Daliland, è realizzato per mezzo di un protagonista giovane e di belle speranze, James, che attraverso i suoi occhi ci permette di scoprire e farci travolgere dal lusso e dall`incanto in cui le loro vite sembrano annegare. Ma la magia dell`apparenza ha vita breve e il crescendo dell`intimità di James con Dalì porterà ad una lenta scoperta dei suoi timori e debolezze, del suo amore per l`arte del passato, del rapporto con sua moglie e, infine, del rapporto con sé stesso.

A supporto di questo compito sono presenti dei flashback su alcuni momenti cardine della sua vita, che Dalì stesso rende diegetici mostrandoli al protagonista con una sorta di alienazione surreale che dà grande forza a queste scene e che grazie al grande equilibrio riesce a non rompere la sospensione dell’incredulità, risultando come un potere magico in mano ad un uomo che non si è mai limitato a essere soltanto tale. Tuttavia, è la grande interpretazione e trasmutazione di Ben Kingsley nel dare allo stesso tempo un senso di umanità e divinità alla figura di Dalì l’ingrediente principale della riuscita di questo viaggio interiore in una vita dove sì l’enorme fama si lega al tormento di vederla svanire, ma dove emerge anche l`universale incapacità di accettare l’inevitabile.

Oltre a questo tema, l’ingresso nella tana del Bianconiglio di Dalì espone anche la spada di Damocle relativa alla sua necessità di avere un flusso di cassa costante, fondamentale per perseverare in una vita piena di divertissement che allontanino il suo tormento, ma che al tempo stesso lo rende meno ingegnoso e meno libero di esprimersi con i suoi tempi, portandolo inoltre ad alienare da sé tutta la responsabilità economica, con conseguenze non irrilevanti.

A livello registico predomina l’uso di primissimi piani, allo scopo di concentrare l’attenzione su ogni piccola espressione del volto dei personaggi, così da non perdere nessuna delle sfumature scaturite dalla difficoltà di protrarre la facciata di figura irreprensibile che Dalì vuole mantenere: un uomo che si sporge al di là della sua umanità, al di là del confronto con la contemporaneità e che cerca disperatamente di ergersi alla pari dei grandi artisti del passato.

Regia: Mary Harron

Cast: Ben Kingsley, Barbara Sukowa, Ezra Miller, Christopher Briney, Rupert Graves, Andreja Pejic, Alexander Beyer, Mark McKenna, Zachary Nachbar-Seckel, Avital Lvova, Joella Hinson-King, Paul Humphreys, Irina Leoncio, Alberto Maneiro, Matthew James Ovens, Merce Ribot, Jack Shalloo, Gavin Spokes, Suki Waterhouse

Durata: 104 minuti

Uscita: 25 Maggio 2023

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