El quinteto de metal progresivo llegó a tierras paraguayas en el marco de su 40th Anniversary Tour, un show inédito que recorrió buena parte de su extensa discografía. No es tarea sencilla: 16 álbumes de estudio, además de varios registros en vivo.

Puntualmente a las 21 horas, John Petrucci, John Myung, Jordan Rudess, Mike Portnoy y James LaBrie salieron a escena con los tapones de punta: “Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper”. El delirio de las miles de almas en el recinto fue inmediato.

El escenario era imponente: el enorme kit de batería que Portnoy aporreaba sin freno y el teclado futurista de Rudess, mutando luces y posiciones en cada tema.

Durante casi una hora, la banda desplegó lo mejor de su repertorio. En lo personal, destacaron “The Mirror”, “As I Am” y la inolvidable “Peruvian Skies” —con guiños a Pink Floyd y Metallica incluidos—, aunque cada asistente habrá tenido su propio momento.

Tras un intermedio de veinte minutos, la sensación era compartida: ¿qué estábamos viendo?

PH: @sool_acuna

La celebración incluyó también la interpretación íntegra de su último disco, Parasomnia (2025), desde “In the Arms of Morpheus” hasta la sensacional “The Shadow Man Incident”, pasando por “Night Terror” y “Midnight Messiah”. Petrucci, especialmente, alcanzó momentos descomunales. Myung, por su parte, sostuvo todo con líneas de bajo precisas y envolventes.

El sonido fue de menos a más, mientras el juego de luces e imágenes construía una atmósfera onírica, como un sueño progresivo del que nadie quería despertar. Incluso Robin Williams tuvo su momento emotivo como el profesor John Keating en Dead Poets Society, invitando —una vez más— a hacer de la vida algo extraordinario.

Y Dream Theater lo estaba logrando.

Como si fuera poco, “A Change of Seasons” sonó completa, de la parte I a la VI. LaBrie cumplió con entrega: su voz mostró fragilidad por momentos, pero el resultado estuvo a la altura de la noche.

El cierre fue puro sentimiento con la sentida “The Spirit Carries On”, coreada por todo el público, y la esperadísima “Pull Me Under” para sacudir melenas.

Aunque el mosh pit se sintió más en cada neurona. Luego, el grupo regresará a su lugar de origen, que bien podría ser cualquier otro planeta.

Todavía con un marco de público algo más tímido, reducido y con el sol todavía alto, la mecha se encendió con Nott Damian, el quinteto local de canciones sinceras, que incluyó un cover de “Enjoy the Silence” de Depeche Mode y tuvo como invitada a Sari Carri.

Luego fue el turno de A Días de Júpiter, con un indie pop muy bien trabajado. Ver a una buena cantidad de personas coreando temas como la genial “El Tiempo de los Dos” resulta sinceramente motivador.

Junto a Supernova se completó el trío debutante en el festival. Éstos, incluyeron en su set un par de temas con Seba Elizeche (Ciudad Mansa) y Belén Pinto (Sandía, Evas, Tribu Sónica). Fue la primera vez de esta banda de Villarrica en el festival y esperamos seguir viéndolos más a menudo en escenarios de la capital.

Los Ollies se presentaban por segunda vez en Asunciónico y también lo hicieron muy bien. Más tarde, en ese mismo escenario llegarían los de Las Vegas y todos los apostados frente al vallado ya los estaban esperando. Sin embargo, más de un «victim» fue conquistado por el sonido indie de Mati Caballero y compañía.

Esperamos verlos a todos mucho más seguido y con más buena música.

El segmento internacional comenzó con Yami Safdie, la joven cantante argentina que llegó para presentar su disco “Querida Yo”, un álbum de canciones íntimas y acústicas bastante más tranquilo que todo lo visto en festival hasta ese momento.

Aun así, sorprendió con un original cover de “Prófugos” de Soda Stereo, fiel a su estilo, con guitarras acústicas y arreglos minimalistas. Fue un momento distendido que funcionó como bocanada de aire fresco.

Con El Mató a un Policía Motorizado, la temperatura volvió a subir. El quinteto argentino ofreció un recorrido equilibrado por toda su discografía, desde los inicios en 2004 hasta Super Terror (2023), sumando además el espíritu festivo de su reciente “20 Aniversario en Vivo”.

Durante una hora, desplegaron un show generoso, alternando canciones introspectivas con otras más enérgicas, acompañadas de un dinámico juego de luces y visuales. Su propuesta es directa: letras simples pero efectivas, que transmiten una búsqueda constante de bienestar incluso en medio de la incertidumbre.

Musicalmente, destacan por guitarras crudas y baterías firmes, con la voz de Santiago Motorizado como eje seguro en medio de todo ese conjunto. Junto a ellos, el público fue entrando en clima y respondió con entusiasmo creciente.

Los uruguayos de No Te Va Gustar también llegaron para celebrar su trayectoria. Desde el arranque con “Cero a la Izquierda”, su presentación se caracterizó por la precisión y la efectividad de su música. Con canciones pegadizas y un sonido pulido, conectaron inmediatamente con sus seguidores.

Agradecieron reiteradamente la invitación —en lo que fue su debut en el festival—, presentaron temas de su último disco “Florece en el Caos” (2026), como “En Llamas” y “Todo Mal”, e incluso invitaron a Yami Safdie a compartir escenario. Anunciaron además su regreso para finales de año, noticia que fue recibida con entusiasmo. Su show fue sólido, pensado para el disfrute del público, combinando clásicos y novedades, demostrando ser una banda con
muchas ganas de seguir haciendo lo que saben.

La mecha encendida por los argentinos, bien llevada por los uruguayos estaba a punto de hacer que la bomba estalle. Pues finalmente, poco después de las 22:30, a falta de la amenazante lluvia, Brandon Flowers y compañía desataron un huracán en Asuncionico.

En primer lugar, uno de los grandes atractivos en esta ocasión fue la reunión de su formación original. A pesar de que a Flowers siempre lo acompañó el magnífico Ronnie Vannucci Jr. (batería), en esta gira volvieron a unirse el gran Dave Keuning (guitarra), el excelente Mark Stoermer (bajo) y ¡cómo suena esa banda!

Con el bajista el caso es particular ya que, aunque había regresado a nuestro país luego de aquel show del 2013, en su segunda ocasión fue con los Smashing Pumpkins.

Ajustadísimos de principio a fin, el cuarteto se apoya en un par de músicos en teclados y guitarras y coros para profundizar su sonido indie rock tan influenciado por sonidos característicos de los 70s, 80s, y 90s.

Desde “My Own Soul’s Warning” el grupo no dio respiro en una presentación poderosa y elegante en todo sentido, con un Brandon Flowers sudando – literalmente – la gota gorda para meter a todo su público en el bolsillo.

Fueron 18 canciones, con particular destaque a “When We Were Young, “On Top” (la favorita de gran parte de los presentes esa noche), “Human”, “Read My Mind”, “Somebody Told Me” y una extensa “All These ThingsThat I’ve Done” donde el verso de “I got a soul but I’m not a soldier” se prolongó durante varios minutos con gran carga emotiva.

Personalmente, fue el mejor de los tres shows que la banda de Las Vegas ha dado en nuestro país. La química que proyectaban tuvo un efecto rebote hacia el escenario con a felicidad de ver, oir y sentir a esta gran banda, dando lo mejor de sí, así como los conocimos.

La intensidad lograda esa noche quedó grabada en la memoria colectiva: incluso algunos amigos quienes suelen mantenerse al margen, terminaron sumándose al pogo. Sí, fue esa clase de shows.

El cierre con Ysy A cumplió su función, aunque lo más memorable de la jornada ya había ocurrido.

El tráfico no fue amigo del fan sediento de música en ninguno de los días del festival. La demora para arribar al recinto generaba ansiedad y tedio. El calor intentó ganar protagonismo, pero se mantuvo relativamente contenido.

Tuve la oportunidad de llegar para la presentación de Six Sex, una sugerente cantante argentina cuyo estilo se mueve entre la música electrónica y el reguetón alternativo, con letras sumamente provocadoras. La joven artista maneja una estética libre y desafiante, que podría incluso ser considerada inadecuada por algunos. Pero, al fin y al cabo, es música y cumple plenamente con su rol como expresión de libertad sexual.

Aún bajo un sol sofocante, las mexicanas The Warning salieron a escena. Las hermanas Villarreal —Daniela (guitarra), Alejandra (bajo) y Paulina (batería)— no necesitan demasiada parafernalia: su propuesta es potente y muy bien trabajada. Ejecutan sus instrumentos con gran habilidad y todas cantan con precisión.

Interpretaron una decena de canciones, de las cuales ocho pertenecen a su disco Keep Me Fed (2024), aunque también estrenaron un par de temas que formarán parte de su próximo álbum. Basta con escuchar la potente “Kerosene” para confiar en la calidad de lo que vendrá.  Eso sí, las artistas no ocultaron su incomodidad ante el calor, ya que el sol les daba de lleno, aunque cumplieron con creces.

Con el atardecer brindando sus últimas luces, llegó el turno de Addison Rae. La popular tiktoker inició su show con una intro extendida de “Fame Is a Gun”, de su sorprendente disco Addison (2025), bien recibido por la crítica especializada. Acompañada por un grupo de bailarinas y un bailarín, Addison presentó casi todos los temas de su único álbum, además de “Von Dutch”, su colaboración con Charli XCX. Si bien no posee una voz particularmente distintiva, su carisma es innegable: baila con soltura y logra un espectáculo atrapante. Durante el cierre, con su primer sencillo “Diet Pepsi”, descendió hasta la valla para saludar a sus fanáticos.

A continuación, con un escenario envuelto en coloridos telares —al igual que el cada vez más numeroso público—, Jaylah Ji’mya Hickson, más conocida como Doechii, llegó al escenario principal. Con una estética que evocaba una suerte de vidente o tarotista, las pantallas funcionaban como introducción e interludios de su show. Su estilo es frenético: rapea con velocidad y precisión, acompañada por una base sonora que combina hip-hop, rap, soul y house. Gran parte del set se centró en su celebrado Alligator Bites Never Heal, álbum que le valió el Grammy al Mejor Disco de Rap este año. Sus letras abordan temas como la dominación, la libertad y la superación, con un toque de humor políticamente incorrecto, como en “Denial Is a River” o “Bullfrog”.

Además, como suele suceder en este tipo de festivales, protagonizó uno de los momentos más viralizados de la jornada debido a una pequeña falla de vestuario. Más allá de eso, su performance fue uno de los puntos más altos del festival.

Seguidamente, las luces se apagaron y llegó el turno de la neozelandesa Lorde. Con “Hammer”, la cantante apareció en escena con jeans rotos, una remera visiblemente rasgada y el cabello suelto; un contraste marcado con el resto de los números y, quizás, toda una declaración de principios. Su propuesta escénica es minimalista: algunos músicos, un par de bailarines y un elemento central en el escenario. La decisión de ubicar “Royals” como segunda canción refuerza esa intención. Desde el inicio, desplegó una energía arrolladora: canta, baila y conecta de inmediato con el público —incluso saludando en guaraní—.

En un momento, se quita los jeans, quedando expuesta en una imagen de crudeza artística que define su estilo. Luego, se sienta en el escenario para hablar de su paso por el país, destacando sus bondades. El cierre, en medio del público, fue de una intensidad notable.  Aunque muchos asistieron principalmente por Sabrina Carpenter, el punto más alto de la jornada – al menos para este servidor – fue el de Lorde, con una conexión profunda en cada canción.

“Disfruten de Sabrina”, dijo al despedirse. Y eso era, precisamente, lo que gran parte del público esperaba. Y hay que darle a la Carpenter todo el crédito que se merece.

Con un imponente escenario que recreaba un set televisivo de los años 70, Sabrina inició su show con “Busy Woman”, de su exitoso álbum Short n’ Sweet (2024), en el marco de su gira sudamericana. Cada espacio estaba ocupado por bailarines, músicos y decorado, como pocas veces se pudo apreciar por estos lares.

El espectáculo, cargado de referencias a programas de variedades, incluyó anuncios en off, títulos y pausas publicitarias. En uno de los momentos, las pantallas advertían “se recomienda discreción parental”, dando paso a una coreografía sugerente durante “Bed Chem”, lo que desató el griterío y la euforia del público. Cada canción recibía una extensa ovación y hubo momentos para todas las emociones.

Musicalmente, Carpenter transita distintos estilos, con influencias que recuerdan a Dolly Parton, Britney Spears o Katy Perry, aunque sus canciones ya tienen identidad propia. A pesar de su juventud, domina el escenario como pocas, interactúa constantemente con el público – incluso en guaraní – y protagonizó el momentazo de lo más memorable junto a Manu de Tobatí, que sin duda quedará en la historia de los conciertos en el país. Inolvidable, en serio.

El cierre con “Please Please Please”, “Don’t Smile” y la celebradísima “Espresso” puso fin a una presentación que, sin duda, le sumará muchos más seguidores en Paraguay. Realmente, un show de primer nivel.

Y es que, tras esta segunda jornada, quedó claro que las chicas quieren mucho más que solo divertirse.

Incluso podría decirse que el lunes hubo una invitada no deseada: la lluvia. A modo de tradición de mal gusto, un día antes de la primera fecha, el fenómeno climático persistió durante toda la jornada. Afortunadamente, el martes quedó solo como una amenaza amarga, permitiendo el desarrollo normal de las actividades.

Para el martes 17, Asuncionico mostró su faceta más potente, con grupos de diversos estilos que apuestan por guitarras distorsionadas, baterías machacantes y ritmos tan distintos como complementarios.

El arranque, con un sólido trío de bandas nacionales, estuvo a cargo de Nod, Steinkrug y Kuazar. Los primeros habían lanzado días antes una nueva canción – con videoclip –, “Voces”, que presentaron en vivo ante un público en crecimiento. Por su parte, Steinkrug dedicó un ruidoso homenaje, como no podía ser de otra manera, al recientemente fallecido Phil Campbell, de Motörhead. Kuazar mantuvo la línea habitual de sus presentaciones: riffs filosos, velocidad
extrema y gran virtuosismo.

El primer grupo internacional fue el de los irreverentes Viagra Boys, provenientes de Suecia, quienes centraron gran parte de su show en la promoción de su último trabajo, Viagr Aboys (2025), elegido por varios medios como uno de los mejores discos del año. Con un estilo caóticamente divertido, el vocalista Sebastian Murphy y compañía lograron una gran conexión con el público; el propio Murphy incluso terminó entre la gente, manifestando un carisma
arrollador.

A continuación, Villagrán sostuvo el clima festivo con un recorrido por su discografía y la participación de varios invitados, como Josema González (Kuazar), Chirola (Kachiporros) y el violinista Franco Pinazzo, quien aportó un matiz vibrante a la calurosa tarde. El cierre con “Ritmo Subtropical” hizo saltar a todos los presentes.

Interpol ofreció un show breve pero contundente, repasando más de dos décadas de trayectoria. Bajo un amenazante cielo nublado que acompañó perfectamente su estética, la banda liderada por Paul Banks desplegó un set preciso y sin concesiones, con momentos destacados como “Obstacle 1”, “Evil” y “Slow Hands”, además de un sólido cierre con “Roland” y “PDA”. Con una propuesta visual austera y centrada en lo musical, el grupo sonó ajustado y
oscuro, reafirmando la vigencia de su estilo.

Con la noche ya instalada y sin señales de lluvia, los estadounidenses Turnstile llegaban con gran expectativa. El quinteto de Baltimore, formado en 2010, centró su presentación en su más reciente álbum, Never Enough (2025), también destacado entre los mejores del año. Aunque suelen ser catalogados como hardcore punk, su rango musical es mucho más amplio. Su sonido evocó, por momentos, a bandas emblemáticas como Jane’s Addiction —especialmente por la similitud vocal de Brendan Yates—, Rage Against the Machine, Nirvana e incluso
Agnostic Front.

Potente, precisa y muy energética, la banda conectó de inmediato con el público, que respondió con intensos mosh pits. El cierre con la frenética “Birds” culminó con Yates y el baterista Daniel Fang entre la multitud. Turnstile fue, sin dudas, una verdadera muralla sonora.

Sin embargo, si Turnstile fue una muralla, Deftones fue directamente un tsunami. Poco después de las 21:30, la banda irrumpió con “Be Quiet and Drive (Far Away)” y desató la euforia. Con un sonido tan envolvente como ensordecedor, el grupo de Sacramento regresó a Paraguay con fuerza, presentando su más reciente trabajo, Private Music, sin dejar de recorrer toda su discografía.

Los momentos más destacados quedaron sujetos al gusto de cada oyente, pero piezas como “My Mind Is a Mountain”, “Swerve City”, “Headup” y “Change (In the House of Flies)” marcaron puntos altos, coronados por un cierre con esos dos himnos del numetal. Chino Moreno y compañía demostraron estar en gran forma, sosteniendo una intensidad arrolladora de principio a fin. La presencia de Lance Jackman en guitarra y coros aportó potencia y precisión, al punto
de generar la sensación de estar frente a una formación clásica con una nueva energía.

El primer día culminó con Skrillex, quien mantuvo la energía en lo más alto, encendiendo al público con un show cargado de luces, pirotecnia y varios éxitos, combinados con sus característicos. algunos mixes noventosos y explosivos sonidos dubstep.

Gran jornada que dejó el volumen alto y al público más que satisfecho.

En la primera jornada del Asuncionico 2026, Interpol se adueñó del escenario principal en un contexto casi perfecto: un cielo nublado que caía lentamente sobre la tarde y un público expectante que acompañó desde el inicio. La atmósfera, densa y oscura, parecía diseñada a medida de la estética del grupo.

Con una presentación de poco más de una hora, el trío liderado por Paul Banks apostó por la precisión antes que por la grandilocuencia. Sin pausas innecesarias, el repertorio recorrió los momentos más representativos de su discografía, consolidada desde su debut en 2002 con aquel “Turn On the Bright Lights”, que marcó a toda una generación y que sigue ocupando un lugar privilegiado en la historia del indie rock.

La formación actual – con Paul Banks en voz y guitarra, Daniel Kessler en guitarra y Sam Fogarino habitualmente en batería – se vio parcialmente modificada en esta gira. Debido a problemas de salud, Fogarino fue reemplazado por Urian Hackney, quien asumió el rol con solvencia y precisión. En vivo, la el grupo se completa con Brad Truax en bajo y Brandon Curtis en teclados, aportando profundidad al característico sonido del grupo.

El inicio con “All the Rage Back Home” marcó el pulso de la noche. Aunque la voz de Banks necesitó algunos minutos para asentarse, pronto encontró su mejor forma y se mantuvo firme a lo largo del set. Cálido en sus intervenciones, el vocalista se dirigió al público en un correcto y mexicanizado español, manteniendo una íntima conexión con los presentes.

Fiel a su identidad, Interpol evitó excesos visuales. Vestuario oscuro, luces sobrias y una bola de disco bastaron para acompañar una propuesta donde la música sigue siendo el eje central. El repertorio recorrió casi toda su discografía, aunque con más destaque para “Antics”, su trabajo del 2004.

Los momentos más celebrados se hicieron sentir especialmente en “Obstacle 1”, seguido por “Evil” (impecable Truax), de su primer y segundo disco respectivamente, además de la infaltable “Slow Hands”. Para el cierre, la banda eligió dos piezas fundamentales de su debut: “Roland” y “PDA”, sellando una presentación sin fisuras.

Sin estridencias ni concesiones, Interpol volvió a demostrar por qué su propuesta sigue vigente: una combinación de elegancia, melancolía y penetrantes riffs post punk de gran tensión sonora que mantiene intacto su vínculo con el público paraguayo.

Ojalá vuelvan pronto.

Con el enfoque musical más variado y expresivo del dúo hasta la fecha, The Demise Of Planet X traza, critica y satiriza nuestros tiempos, al mismo tiempo que ofrece un grito universal de ira y liberación de energía que se opone a la oscuridad cultural que nos invade.

Contemplando el fin del mundo, no con una gran explosión, sino con una marea creciente de irritante mundanidad, The Demise Of Planet X contraataca con sonidos vívidos, letras mordaces, atmósferas envolventes y un ingenio cautivador a lo largo de 13 temas que conmoverán corazones, mentes y pies.

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La celebración tuvo a un par de entremeses que representaban dos caras opuestas de una misma moneda. En primer lugar, subieron a las tablas los representantes locales: “Garage 21”, que prácticamente salieron triunfantes desde el vamos, pues cuentan con una importante cantidad de fanáticos que corearon sus canciones a lo largo de los casi cuarenta y cinco minutos de su presentación. El experimentado trío lo hizo realmente bien y, de seguro, se metió a más de un fan nuevo en el bolsillo.

Por otro lado, los londinenses “Bad Nerves” la tenían un poco difícil. Es que el quinteto no contaba con la popularidad de los otros dos grupos. Pero, ¡qué gran desempeño tuvieron! Bobby Nerves y compañía salieron a las 20:00 y terminaron ganándose al público con actitud, carisma y una propuesta punk con un giro un poco más suave, de voces melódicas y coros pegadizos. Su set de 14 canciones se repartió en temas de su segundo disco homónimo y su primer LP, llamado “Still Nervous”, y se destacaron “Baby Drummer”, “Sorry”, “USA”, “The kids will never have their say” y “Can’t be Mine”.

Ambos grupos cumplieron exitosamente y lograron remover el gancho de seguridad de la granada que todos estaban esperando ver explotar. ¡Y gran siete… cómo reventó!

La cosa arrancó minutos antes de las 21:30. Con la mítica “Bohemian Rhapsody” de Queen, las gargantas de la muchedumbre presente en el Jockey Club empezaron a prepararse para lo que se estaba por desatar. Fue, desde el primer instante, una hermosa postal musical ver a todo el mundo coreando aquella legendaria composición. Otro clásico, esta vez “Blitzkrieg Bop” de Ramones, elevaba la ansiedad a picos de histeria, acompañado del infaltable Drunk Bunny sobre el escenario, vestido con la camiseta de la selección y con una frase sumamente representativa para nuestro país. ¿Te acordás cuál era?

Un mano gigante sosteniendo una granada hizo su aparición segundos antes del inicio del show. Nada más ilustrativo, pues desde el arranque, con “American Idiot”, el concierto de los Green Day fue realmente una explosión de música, bombas, fuego y mucho color sobre un estupendo escenario. El grupo cuenta con el soporte de otros tres músicos: Jason Freeze, en teclados, Kevin Preston en guitarras y Jason White, el cuarto Green Day, también en guitarras.

Pero los verdaderos protagonistas son Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool. Por su parte, el vocalista jamás dejó de conectar con el público. Alentaba a todos a saltar y cantar prácticamente durante todo el concierto. No faltaron las frases en español o en guaraní, ni mucho menos los “EEEOOOO” presentes en gran parte de las más de veinte canciones que hicieron parte de la presentación que se extendió durante más de hora y media.

Si bien la gira se llama “Saviours Tour”, que incluye canciones de su último material como “Dilemma”, “Bobby Sox” y “One Eyed Bastard”, son los clásicos de la banda los que recibieron mayor respuesta y locura. Entre algunos de los momentos más icónicos de la noche podemos citar a “Know Your Enemy”, cuando el vocalista invitó a una fanática a subir al escenario y cantar junto a él (¡bien Gorgina!).

Mis momentos favoritos estuvieron compuestos por “Longview”, con esa icónica intro de bajo acargo de Dirnt, un músico estupendo, considerado como unos de los más influyentes dentro del estilo. La fuerza que sacaba de esas cuatro cuerdas sacudía entrañas. Y es que el sonido fue sobresaliente de principio a fin. Todo sonó a la perfección. Volviendo a los puntos altos, mi elección tuvo una intro bastante especial a cargo del riff de “Iron Man” de Black Sabbath que dejó al coro de los miles de presentes cantando para dar paso a “Hitchin’ a Ride”, que contó ona una divertida zapada como intermedio con la gente cantando el infaltable “ole, ole, ole, Green Day, Green Day”. Momentazo inolvidable, en serio.

Es que a estas alturas del campeonato, con varias décadas encima, una banda como Green Day tiene todas las de ganar: un sonido enérgico, letras explosivas, un buen puñado de muy, muy buenos hitazos y todo el carisma posible de sus tres integrantes. Entre los éxitos no faltaron “Boulevard of Broken Dreams”, “Brain Stew”, “Wake Up When September Ends” y ese fantástico trío de temas de “Dookie”, que tocaron de seguido y sin tregua alguna e hicieron delirar al público. Otro punto a destacar llegó con una maratónica versión de “Jesus of Suburbia” con, otra vez, mucha participación de la gente.

El final, así como el inicio, fue memorable. Primeramente Cool, un baterista tan potente como afilado, desarmó su batería a golpes y empujones, para dejar solo en el escenario a BJ, que con guitarra acústica en mano, cerró la noche con la sentida “Good Riddance”, mientras la lluvia, que por momentos se manifestó con bastante fuerza, decoraba la velada con nubes y relámpagos en la distancia.

El público se portó. La gente, en gran parte uniformada con atuendos negros y corbata roja, cantó, saltó y pogueó con gran entrega. Se pudo ver personas muy jóvenes, otras no tanto y a algunas ya con canas y sin rodillas (ese soy yo), y a otros, que fue lo que más me gustó, acompañando a sus hijos, sobrinos, compañeritos de colegio, etc. Bien que hacen, pues son ellos los que más inolvidables recuerdos llevarán de esa noche.

Con fuegos artificiales y papelitos volando terminaba acaso el mejor show de rock en lo que va del año y uno de los más destacados que hemos tenido el placer de ver en el país. Nos divertimos de lo lindo.