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          Book Covers, Model Airplanes, and My Dad      Cache   Translate Page      

This is an extended transcription of my CreativeMornings talk. The theme was “Make,” and instead of speaking about my own work, I decided to talk about my dad, his work, and how he turned me into the maker I am today.

My dad is a freelance book cover illustrator. He started right out of college and has been pushing out covers ever since—about 37 years now. If you’ve ever been in a book store, you’ve seen one of his covers. If you’ve walked past a cardboard box on the street with a stack of books in it, you’ve seen one of his covers.

For the first 20 years, he painted each and every cover. He would take a few reference photos with his polaroid land camera and spend the following month painting with acrylics on a gessoed masonite board. Upon finishing, he would slip the cover in a Fedex box and ship it to his publisher in New York, hoping it would arrive in one piece. Now, my dad uses Photoshop. He can start a cover on a Friday and email it to his publisher on Monday.

Since my dad works from home, my siblings and I grew up watching him illustrate these covers. He greeted us in the morning from his studio and wished us goodnight from his studio. My dad burns the midnight oil better than anyone I know, which explains why working a 14-hour day sometimes feels normal to me. Some nights, we would work alongside each other in his studio, watching any given Philly game, with the audio from the local radio broadcast.

Because my parents live in the small town of Macungie, PA, my dad would ask us to pose for him rather than hiring models. At the time, there was nothing special about this—it was just part of our childhood. I would spend a few minutes looking like a boy without a family and he would pay me $20, which I could use towards my next video game. To a kid, this was a steal.

Posing for my dad was rarely planned—he would just call us over from his studio and ask us to spare a few minutes. The shoot often involved my mom holding a piece of foamcore as a makeshift reflector or picking out the correct attire for us. We would goof around, treating this like our own version of dress-up.

After holding still for a few shots, trying to make each other laugh while not laughing ourselves, we would go back to whatever we were doing. Then, several months later, we would find ourselves on another cover. This felt like magic. My dad doesn’t need green screens or professional lighting—he can make a cover out of anything.

To start a cover, one of my dad’s publishers would send him a sketch. The sketch was often more of a scribble than anything descriptive, so they would follow up the sketch with a call. The art director would chime in and provide a sketch of their own. This would typically be more elaborate, but still difficult for most to interpret. My dad had no problem, though. He would take these sketches and produce a cover with the exact image his publishers had in mind.

Because of this, his publishers would consistently return to him when they needed the job done right. This had a major impact on my own work ethic and the kind of relationships I try to build with others. If you establish yourself as someone who can always finish the job with a level of quality beyond expectations, you will never have trouble finding work.

Though my dad is at the top of his game with book covers, his true passion lies with model airplanes. When he wished us goodnight from his studio, he usually had an airplane in front of him rather than a cover.

He started building airplanes at the age of eight, having learned from his dad. Back then, video games and computers didn’t exist (*gasp*), so models were a common hobby for the average kid. Hobby shops are rare these days, but if you can find one, there’s a good chance it will have a section for model airplanes. But, my dad doesn’t just build his airplanes from kits. He actually constructs them from scratch, and each one is an exact replica of an existing airplane from a previous era, mainly WWI and WWII.

A single airplane will take anywhere from two months to a year to complete. Each one is constructed from several sheets of balsa wood that are cut down to size and glued in place. The airplane is then wrapped in tissue paper and decorated with all the details of its original design. As a kid, I witnessed the daily progress of every plane—each one built as separate parts, then pieced together at the end. Now, I see progress in months, when I’m able to visit home. I’ll catch him either starting a new plane or putting the finishing touches on one I’ve seen only once or twice before. Nevertheless, he’s always excited to show me his latest creation.

Building model airplanes requires enough work on its own to be considered a full-time job, let alone a hobby, but my dad isn’t the type to just shelf a piece of work and call it a day. Every airplane he builds can also fly as well as it looks. In his eyes, what’s a plane that can’t fly? He takes this very seriously, too, to the extent of mowing only a portion of his backyard, so the rest could remain a soft “landing strip” for testing and minor tweaking. He calls it “Hallman’s Meadow”.

As you might expect by now, these airplanes aren’t RC-powered. Believe it or not, they fly on rubber band power. Inside each airplane is a greased rubber band running from a hook in the back to the propeller in the front. The length of the rubber band depends on the size of the airplane, with some reaching as long as several feet.

Winding one of these airplanes by hand would be very tiring, not to mention time-consuming, considering a single flight requires several hundred winds. Instead, my dad uses a makeshift winder. This MacGyver-esque device can wind ten times faster than using your hand. It also comes equipped with a calculator that keeps track of the number of winds, using a magnet that is literally taped to the crank. Surprising no one, you can’t buy these—he knows a guy who makes them.

My dad also competes as a member of the Flying Aces Club. He drives to either Geneseo or Wawayanda in upstate New York and flies against dozens of other “pilots”—each of whom has been building and flying airplanes for decades. They spend a few days competing, but also discussing their craft, process, and experiences from the past year’s build. Having been to several competitions as a kid, I can tell you that each one of these fliers wants nothing more than to share what they know and celebrate each other’s flights.

At the age of 59, my dad is considered the young gun among the other fliers, with most of them old enough to be his dad, but as a 5-time grand champion, he carries a strong reputation.

Along with constructing the actual airplanes, my dad also builds tools to help him make specific parts of each plane. One of these tools, he calls a “canopy vacuformer”, is a contraption that forms the canopy of an airplane from a single sheet of plastic.

My dad places the top-half of the tool in his oven with the plastic securely held in place. The plastic is heated at a temperature between 300-350 degrees, until malleable. Then, he removes the plastic from the oven and places it on top of the balsa mold of the canopy. With the family vacuum, he suctions the plastic down to perfectly fit over the mold, forming the canopy of the airplane.

As a kid, growing up watching this process, I didn’t think twice about it—this was just how you build the canopy for a rubber band-powered model airplane. How else would you do it? Now, I truly appreciate the creativity and resourcefulness on my dad’s part to even think of a process like this, utlizing household appliances.

The attention to detail my dad puts into every airplane is incredible. His obsession with even the most minute details is one that I often see in myself. Every time he reveals his latest workboard of airplane parts to me, I soak in every consideration he shares and admire the precision of each piece. Everything is always perfect. In my own work, I want people to feel the way I do when I see his work.

While constructing an airplane, my dad takes the time to document the entire process, which is why I do the same with my own projects. I love seeing how each part comes together and how it contributes to the final product. Seeing this documentation as a kid, I learned its importance in telling the story of each airplane. I could witness the struggles, decisions and sacrifices that lead to the end result, making every airplane so much better.

My dad’s airplanes are more than just airplanes. Each one is a piece of art and an extension of my dad. Though these planes don’t really matter in the grand scheme of things, they mean the world to him. He taught me everything I know about craftsmanship and what it’s like to be truly passionate about our work. And, I’m passionate about my work because of my dad.

          Election 2019: Ellen McAlpine, Village of Cary trustee      Cache   Translate Page      
Northwest Herald Questionnaire

Name: Ellen McAlpine

Age: 57

Town: Cary

Office sought: Village trustee of Cary

Family: Married to Christopher: 5 Children and 5 Grandchildren

Occupation: Manager for residential mortgage banker, Envoy Mortgage

Education: Wm Rainer Harper – accounting and National College of Education: Business Management

Elected offices held: Current trustee for Village of Cary

Civic involvement: 20-plus year member of Cary-Grove Chamber of Commerce and past 8+ year Board Member, Co-Director of Miss Cary Grove Business Scholarship Pageant, Saints Peter and Paul Athletic Director, Religious Education Teacher, Youth Mentor Leader, volunteer for Little City Foundation as well as St. Coletta special needs programs, and volunteer for many other programs and charitable organizations.


Social Media: Facebook – We Unite Cary along with You Tube Podcasts for We Unite Cary


1. What is your largest priority for Cary if elected?

There are many pressing issues facing our village. These include the following: finding sustainable sources to increase revenue, pension reform, senior housing demands, and improving the quality of life for all of our current and future residents. It is imperative that we have sustainable and meaningful development so that we can continue to balance our budget, continue to deliver high level services, maintain excellent resources from our police so that we can retain our #1 rating as lowest crime rate in the county; all while keeping a watchful eye on our property taxes. We must address both short and long term solutions as the revenues to the Village have remained constant, however, our financial obligations continue and will continue to increase. Working together with the various taxing bodies as well as municipal partnering is an avenue we should continue implementing and take to a higher level. On a state level, the pension burden is unsustainable and it is time for everyone to work for the good of all residents in our state to have meaningful reform.

2. What changes should Cary make in the future?

One change that I believe will yield positive results is having a board that works collaboratively for the best interests of the residents. When residents elect their representatives they should expect and demand that they are serving them and not serving their own agendas or personal issues. Elected officials should always have an open mind and willingness to meet with residents, fellow board members, the mayor, and staff, as well as being open to business owners and developers. We also need to make sure that potential businesses and developers know that the Village of Cary is open for their business and that we want to optimize investment in Cary by bringing in sustainable businesses and developments that will add value to our Village. We have limited property left to develop and we need to insure that when something goes into the spaces that it meets the criteria of highest and best use of the property, will bring revenue to the Village, as well as enhance the character of Cary. There will be times when developments and businesses are not a good fit, but we are tasked with gathering and processing presented information prior to making a determination and decision. A board that puts the interests of all residents as its top priority can unify and our residents deserve and will benefit from their elected officials acting in this manner.

3. How do you feel about Cary’s video gambling and any potential expansion into places such as gas stations?

Currently the position that the village board has taken is that video gaming has been approved as an enhancement to a business that is serving food, has a required amount of seats, be out of direct access to customers, and not as a core profit center. This has slowed the pace by which video gaming has expanded within our village. Our current model has been working well for both the business owners and the village. However, video gaming is expanding throughout the state and surrounding towns at a rapid rate. I believe that we should continue to be open to the possibility of change, review the restrictions as they come before us so that we remain competitive with surrounding communities, as well as be careful not to change the character and charm of our town. If we elected to modify our current position then I would want to minimize the visibility of video gaming from the outside appearance of the establishment as well as the type of advertising to promote the activity. While I do not want to lose business to a neighboring community, I always want to remain true to what is best for our community as a whole and not negatively impact our Village.

4. How do you feel about Cary’s recent and upcoming senior housing projects?

I am very excited about our newest senior housing projects. I am proud that I voted in favor of both the PIHRL senior development as well as the Haber Oaks duplex project. This is in contrast to other board members who are also seeking re-election. This is a core principle of my campaign as the population in Cary is aging and we need to have options to meet the needs of this demographic. These are people who have lived in Cary for an extended time, raised their families, paid the taxes to build our schools and infrastructure, love their Churches, doctors, restaurants, and grocery stores, etc., and are in need of homes that will meet their needs so that they can age in place. I feel that these developments are a good start but that we still need a variety of options, such as single-family homes, town homes, condominiums, and rentals, as well as varying price points as we have a diverse sector of seniors and needs. This demographic is projected to continue growing and we need to have the forth sight to plan accordingly.

5. How do you feel about the way that Cary handled its harassment investigation of a village trustee?

I am disappointed on many levels but mainly because this happened and no one should be treated in such a manner. The village handled the complaint just as they have handled similar complaints in the past. They consulted with the village attorney and then hired out an independent investigator. Because I was the recipient of this behavior, I am able to articulate a unique perspective. After trying to resolve this directly with Trustee Cosler, then with the Village Administrator, and next with the Village Board, my options were filing a harassment claim or lawsuit, and I did not want to file suit. The claim was investigated, the parties were given an option to participate, the accused chose not to participate, and findings were rendered substantiating the claims. I am disappointed that there is not a policy that covers an elected official’s behavior as this type of conduct would not be acceptable in the private sector, public sector, classroom, or boardroom. My disappointment extends to the elected officials who then wanted to bury and destroy the findings, which certainly does not meet any standard of transparency. This was paid for by the taxpayers and, as such, is property of the taxpayers. When they were not successful in this attempt, they called a special board meeting, which cost the taxpayers in excess of $1500 to simply repudiate the report. In my humble opinion, the residents should not only expect but demand and deserve their elected officials to behave professionally and respectfully at all times.

6. How do you feel about Cary’s new social media policy?

I am thrilled that we were able to pass a social media policy, which has led to the Village of Cary instituting a Facebook page. I championed this effort beginning prior to me actually being sworn into office. It took almost four years but I am happy that all but one of the trustees voted to approve the policy. This is another tool to disseminate information to our residents, as I believe in true transparency. The previous village board wanted increased transparency as well and rewired the boardroom so that we would be able to tape our meetings. We now broadcast them on YouTube. In the future, we need to stay cognizant of other modes of relaying information to our residents and adapting as mediums adjust. While this is one way to communicate, we still need to be aware that this is not all encompassing. We have residents who do not use social media so we need to always be looking for additional ways, such as digital mailing and expanding our cell phone textcaster messaging, as methods to communicate with residents.

7. What else should we know about you?

I love Cary and serving the residents of our village. Cary exudes small town charm with a huge compassionate heart. I am proud of my time on the village board and believe that my record supports that I want what is best for the town and our residents. I have been an extremely active member of the community volunteering my time to various schools, Church, Chamber of Commerce, park district programs, and multiple civic organizations … as well as my husband, Christopher, and I, raising our five children and now being blessed with five grandchildren. I also manage a residential mortgage banking company. All of these experiences have prepared me to work collaboratively and respectfully with others and to critically analyze situations for long term implications prior to making decisions. I believe that working with and listening to others is a skill set that is necessary to achieve optimum results personally, professionally, and in a political forum. I have chosen to align myself with Dale Collier Jr, and Sean Wheeler under our banner of WE UNITE CARY as we are united in wanting to work together in an effective manner to improve the quality of life for all of our residents. Please feel free to check out our Facebook Page – We Unite Cary; our website –; or check us out on YouTube as we have weekly podcasts on relevant topics.

          aLittleTyger posted a video      Cache   Translate Page      
A Look Back: Corey Hawkins | Season 1 | 24: LEGACY
          aLittleTyger posted a video      Cache   Translate Page      
Campaign In Crisis | Season 1 | 24: LEGACY
           Comment on Everything’s Fine by Caryn       Cache   Translate Page      
Keeping a foot elevated is so BORING. Sympathies. I've been watching and intending to follow along with these:
           Comment on Everything’s Fine by MJ       Cache   Translate Page      
Earworm! And my inner editor will ignore "alright."
          3D Viewfinder VF-101P      Cache   Translate Page      

Pavonine Korea’s Miracube brand of 3D solutions has come out with a new solution for 3D filming.  First Miracube came out with the Miracube VF171P 3D Viewfinder for 3D filming, and now there is a 10.2” version.  This model also has the dual HDSDI inputs as well as the HDSDI outputs for looping to other 3D monitors or 3D viewfinders for 3D monitoring during 3D filming.    

3D Field Monitor

With real-time monitoring, the synchronizer allows you to combine 2 feeds into a 3D movie file. On-screen display features include grid move and distance control, 4 corner zoom, center zoom in 3D, reverse, and power (on/off) Left, L(H-M) , L(V-M) , Right, R(H-M), and R(V-M). This flipping ability of both camera feeds along both the vertical and horizontal feeds provides excellent compatibility with a wide range of parallel and mirror rigs on the market.
3D Viewfinder
The size of this 3D viewfinder is very small and lightweight allowing it to be carried with ease.  It can be mounted with the whole made on the bottom or even just placed on a counter or table with the bottom bars for stability.

3D Viewfinder

The Miracube VF-101P 3D viewfinder is an excellent solution for 3D filming and well worth checking out. 

3D Viewfinder - VF101P
Check out this review by Peter Chang of A&S Broadcast of the VF101P - 3D Viewfinder at NAB 2011:

Miracube 3D Viewfinder at NAB 2011

Copyright ⓒ 2011 Craig Lutzer. All rights reserved.
          Miracube 3D Viewfinder VF-171P      Cache   Translate Page      
Pavonine Korea’s Miracube brand of 3D solutions has come out with an excellent solution for 3D filming. The VF-171P is a 17” monitor with 2 HDSDI inputs for the left and right cameras. That allows you to see what you are filming in 3D while you film. There are grid lines that are adjustable in position, color and even the space between the grid lines.

Also both camera inputs can be flipped horizontally or vertically or even both at the same time. Now filmmakers can enjoy using a wider range of mirror rigs with the Miracube VF-171P 3D viewfinder. The added compatibility is important with the wide range of rigs available on the market.

In addition to the dual HDSDI inputs for the left and right cameras, there are dual HDSDI outputs allowing the user to loop the L/R feeds to other 3D viewfinders or 3D monitors with dual HDSDI inputs.

3D Viewfinder
VF171P Front View

VF171P Rear View

Check out this video by Peter Chang of A&S Broadcast where he reviews the VF171P 3D Viewfinder:

Copyright ⓒ PAVONINE KOREA, Inc. 2011. All rights reserved.

          Where to find 3D movies?      Cache   Translate Page      
So now you’ve got your 3D monitor or your 3D TV, but what can you watch in stereoscopic 3D? Well if you look there are a lot of places where you can find it. The internet is full of places where you can watch 3D movies or look at 3D pictures. Some are for use with 3D monitors and passive glasses, and some are anaglyph. It’s fun trying both!
Try Miracube for some samples that are coming soon. They are in the side by side format and are free to watch!
Another source is YouTube. I know you probably only watch 2D videos on YouTube but they also have stereo 3D videos as well.
If you have a few bucks to spend, then Amazon has 3D movies on DVD and CD for sale. New or used, there is a big selection. Especially good if you like scary movies in 3D!
One of the best places to go is Google Videos. It’s funny because this is one of the last places I thought of and I don’t know why. Google Videos is fun and easy to browse and watch a wide variety of stereoscopic 3D videos.
The next site has a wide selection of videos. 3D Movies .com has page after page for you to visit.
Where do you like to go for 3D movies?
          【ニコニコ動画】【大阪12区補選】情勢は北川、樽床、藤田「3人横一線」- 公明の支援がカギ      Cache   Translate Page      

【大阪12区補選】情勢は北川、樽床、藤田「3人横一線」- 公明の支援がカギ

【大阪12区補選】情勢は北川、樽床、藤田「3人横一線」- 公明の支援がカギ




【情報コーナー】大阪12区補選は北川、樽床、藤田氏「3人横一線」- 公明の推薦が得られるかどうか?



— ぽぽんぷぐにゃん (@poponpgunyan) 2019年3月12日





修正エンゲル係数と統計不正、景気後退とか(雨虹さんとぽぽんぷぐにゃんSTREAM) - 2019.03.12


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          【情報コーナー】大阪12区補選は北川、樽床、藤田氏「3人横一線」- 公明の推薦が得られるかどうか?      Cache   Translate Page      

【大阪12区補選】情勢は北川、樽床、藤田氏「3人横一線」- 公明の支援がカギ

自民 衆院補選「最低1勝」 告示まで1か月…府議選で「譲歩」 公明の支援期待 : 政治 : 読売新聞オンライン



衆院2補選、自民「全敗」阻止へ鍵握る公明 - 産経ニュース












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修正エンゲル係数と統計不正、景気後退とか(雨虹さんとぽぽんぷぐにゃんSTREAM) - 2019.03.12


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          【情報コーナー】ピエール瀧容疑者の逮捕、「実話ナックルズ」の予言がまた的中かと話題に      Cache   Translate Page      

【大阪ダブル選】府知事選:自民は小西禎一元副知事を擁立 - 勝算はあるか? 


ピエール瀧容疑者を逮捕 麻薬取締法違反の疑い #ldnews 『現在はNHK大河ドラマ「いだてん~東京オリムピック噺~」に出演、昨年のTBS系ドラマ「陸王」ではランニングシューズメーカーの部長役として存在感を放っていた。』いだてんも放送中止になるのか?

— ぽぽんぷぐにゃん (@poponpgunyan) 2019年3月12日



— ぽぽんぷぐにゃん (@poponpgunyan) 2019年3月12日



(2ページ目)新井浩文の強制性交容疑で「ナックルズ予言」がまた的中! 次は超大物歌手X逮捕か、ノストラダムス超え予言連発中!


・【ヤク中】超大物歌手X マトリが内偵中【逮捕ある?】
・【茶番会見】嵐 活動休止という名の実質的解散へ!【独自情報】
・【タレコミ】第2の純烈「DA PUMPメンバーに女性スキャンダル」











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          【電気グルーヴは解散か!?】ピエール瀧容疑者、コカイン使用疑いで逮捕 容疑認める      Cache   Translate Page      

【大阪ダブル選】府知事選:自民は小西禎一元副知事を擁立 - 勝算はあるか? 

ピエール瀧容疑者、コカイン使用疑いで逮捕 容疑認める(毎日新聞) - Yahoo!ニュース









ピエール瀧容疑者を逮捕 麻薬取締法違反の疑い #ldnews 『現在はNHK大河ドラマ「いだてん~東京オリムピック噺~」に出演、昨年のTBS系ドラマ「陸王」ではランニングシューズメーカーの部長役として存在感を放っていた。』いだてんも放送中止になるのか?

— ぽぽんぷぐにゃん (@poponpgunyan) 2019年3月12日



— ぽぽんぷぐにゃん (@poponpgunyan) 2019年3月12日





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          【大阪ダブル選:市長選は北野妙子市議が出馬か!?】大阪市長選、自民が女性市議軸に調整      Cache   Translate Page      

【大阪ダブル選】府知事選:自民は小西禎一元副知事を擁立 - 勝算はあるか? 

大阪市長選、自民が女性市議軸に調整 - 産経ニュース


北野 妙子 | 自民党 大阪府支部連合会

>平成17年11月27日 淀川区補欠選挙において大阪市会議員に初当選。













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          【ぽぽんぷぐにゃんSTREAM】修正エンゲル係数と統計不正、景気後退とか(雨虹さん) - 2019.03.12      Cache   Translate Page      

修正エンゲル係数と統計不正、景気後退とか(雨虹さんとぽぽんぷぐにゃんSTREAM) - 2019.03.12














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           Komentář k příspěvku Známkovat hudební, výtvarnou a tělesnou výchovu nedává smysl, shodli se učitelé od Alice       Cache   Translate Page      
Dobry den, Jsem ucitelkou na prvnim stupni ZS. Rada bych z tehle predmetu mela inspirativni predmety, ktere bude ucitel 100% ovladat a bude pro ne zapalen, aby predal tu lasku k umeni, sportu a hudbe. Bohuzel my jako prvostupnove ucitelky musime byt nejlepe ve vsech vychovach 100%, ale to jak jsem v praci poznala, tak to jen tak nekdo nedokaze a kazdy ucitel neni zapaleny pro vsechny tri vychovy. Proto nekde ucitelky pri HV pousti jen youtube a nehraji na klavir, pri TV nevymysli rozsirujici aktivity a pri VV da predlohu a kreslete, nebo sablony. Ale nemuzeme jim to zazlivat, protoze kazdy ma v lasce neco jineho. Proto je skoda, ze na prvnim stupni nejsou odbornici jako na druhem, kteri jsou zapaleni. Stacila by snad u prvostupnovych zavest specializace, aby se soustredily jen na to, co je doopravdy bavi a tak to predavali zakum. Myslim si, ze uz na prvnim stupni ZS se vytvari laska k temto predmetum. Mgr. Alice Kucirkova
          巨乳ミニスカお姉さんがパンチラ、胸チラしながらお掃除♡      Cache   Translate Page      

          JD Sports escolhe influenciador como embaixador em Portugal      Cache   Translate Page      

Hugo Strada, artista e manager mais reconhecido como influenciador pela criação do projecto de youtubers Team Strada, será o embaixador oficial da marca de desporto JD Sports no mercado português.

O post JD Sports escolhe influenciador como embaixador em Portugal aparece primeiro no Meios & Publicidade.

          MOMENTO DA PALAVRA COM O Pr JOSUÉ GONÇALVES      Cache   Translate Page      

Quando Parece Impossível perdoar

          VÍDEO DO DIA - Álvaro Tito - Me Cobre Com Teu Sangue      Cache   Translate Page      

Álvaro Tito - Me Cobre Com Teu Sangue

          VÍDEO DO DIA - Grupo Logos - Portas Abertas      Cache   Translate Page      

Grupo Logos - Portas Abertas

          «Revolutionizing Health»: Αναδεικνύοντας το μέλλον του digital health και επιβραβεύοντας την αριστεία      Cache   Translate Page      

H υγεία στην Ελλάδα άλλαξε! Υπάρχει πλέον διαφάνεια, υπάρχει ταχύτητα, ευκολία και ειλικρινές ενδιαφέρον. Το 2011 αυτή η περιγραφή δεν θα ταίριαζε με τον χώρο της υγείας. Σήμερα όμως είναι μία ζώσα πραγματικότητα που κατάφερε να δημιουργήσει η υπηρεσία doctoranytime, μέσα στα 7 χρόνια λειτουργίας της, με τις ρηξικέλευθες μεθόδους της και το αμείωτο ενδιαφέρον για τον άνθρωπο και τις ανάγκες του.

Στις 27 Φεβρουαρίου 2019, στην κατάμεστη αίθουσα του Ε.Π.Ι.Ψ.Υ (Ερευνητικό Πανεπιστημιακό Ινστιτούτο Ψυχικής Υγείας, Νευροεπιστημών και Ιατρικής Ακριβείας «ΚΩΣΤΑΣ ΣΤΕΦΑΝΗΣ» Πανεπιστήμιο Αθηνών), έλαβε χώρα το πιο πρωτοποριακό, ενημερωτικό αλλά ταυτόχρονα και ανθρώπινο event για την υγεία.

Ένα event που τα είχε όλα. Κατά τη διάρκεια του προγράμματος οι συμμετέχοντες είχαν τη δυνατότητα να ενημερωθούν από τον κ. Χρήστο Μαναγούδη- CMOdoctoranytime για τις σημαντικές αλλαγές που έχει επιφέρει το doctoranytime στο σύστημα της υγείας στη χώρα μας, καθώς επίσης και για τα μελλοντικά πλάνα της εταιρείας από την κα. Ελευθερία Ζούρου- CEOdoctoranytime.

Παράλληλα, η Google,την οποία εκπροσώπησε η κα. Σπυριδούλα Δρακοπούλου- HeadofPerformanceAgencies, GoogleGreece, Bulgaria, Cyprus & Malta, ενημέρωσε το κοινό για τις σύγχρονες τάσεις και το μέλλον του digital health βάσει των στοιχείων της ίδιας της Google.

Επιπλέον, ο κ. Λέων Γαβαλάς- Ερευνητής και Υποψήφιος Διδάκτωρ του Οικονομικού Πανεπιστημίου παρουσίασε το ποιες είναι οι συνήθειες και οι συμπεριφορές του διαδικτυακού χρήστη γύρω από θέματα υγείας σύμφωνα με τα αποτελέσματα που προέκυψαν από τη έρευνα του doctoranytime με το Εργαστήριο Ηλεκτρονικού Εμπορίου και Ηλεκτρονικού ΕπιχειρείνELTRUN του Οικονομικού Πανεπιστημίου Αθηνών, σε περισσότερους από 1350 χρήστες.

Η βραδιά κορυφώθηκε με την βράβευση των 100 top γιατρών στην Ελλάδα όπως αυτοί προέκυψαν από τις προτιμήσεις των ασθενών που εκφράστηκαν στις φόρμες αξιολόγησης του doctoranytime.

Να σημειωθεί ότι το doctoranytime έχει συλλέξει και συνεχίζει να το κάνει αξιολογήσεις για τους γιατρούς που συνεργάζονται με την υπηρεσία, από παραπάνω από 70.000 ασθενείς, μέρος των 4.500.000 ασθενών που έχουν συνολικά βρει τον καλύτερο γιατρό για εκείνους. Οι αξιολογήσεις αυτές που συλλέγονται και παρουσιάζονται με τρόπο αδιάβλητο και διαφανή αποτελούν την καλύτερη δυνατή σφυγμομέτρηση σχετικά με τις προτιμήσεις των ασθενών στους γιατρούς. Ενώ σε συνδυασμό με πληροφορίες όπως το κόστος της επίσκεψης και κάθε ιατρικής πράξης καθώς και την εμπειρία και την εξειδίκευση, ο χρήστης πραγματικά μπορεί να βρει τον καλύτερο γιατρό για εκείνον. Το 63% των ασθενών όπως προέκυψε από την έρευνα του εργαστηρίου ELTRUN βρίσκει πλέον τον γιατρό που θα εμπιστευθεί online.

Τέλος, σε μία εκδήλωση γύρω από την υγεία δεν θα μπορούσε να λείψει η κορυφαία έκφρασή της ανθρωπιάς που είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με το ιατρικό λειτουργημα. Έτσι, στην βραδιά αυτή σε κλίμα φορτισμένο από συγκίνηση, βραβεύτηκαν εκείνοι οι γιατροί που ανταποκρίθηκαν χωρίς δεύτερη σκέψη στο κάλεσμα του doctoranytime, και έσπευσαν το καλοκαίρι του 2018 να βοηθήσουν τους πληγέντες από τις φωτιές.

Την εκδήλωση παρουσίασε η κα. Ζήνα Κουτσελίνη και παρευρέθηκαν περισσότεροι από 270 επισκέπτες, μεταξύ των οποίων γιατροί, πανεπιστημιακοί πρόεδροι Ιατρικών και Οδοντιατρικών συλλόγων της χώρας, φορείς υγεία και εκπρόσωποι από τον φαρμακευτικό κόσμο.

Το RevolutionizingHealth τελέστηκε υπό την αιγίδα του Ερευνητικού Πανεπιστημιακού Ινστιτούτου Ψυχικής Υγείας, Νευροεπιστημών και Ιατρικής Ακριβείας «ΚΩΣΤΑΣ ΣΤΕΦΑΝΗΣ» Πανεπιστήμιο Αθηνών (Ε.Π.Ι.Ψ.Υ.), του Πανελλήνιου Ιατρικού Συλλόγου (ΠΙΣ) και του Ιατρικού Συλλόγου Αθηνών (ΙΣΑ).

Την εκδήλωση υποστήριξαν οι εταιρείες ΦΑΡΜΑΣΕΡΒ-ΛΙΛΛΥ Α.Ε.Β.Ε. και B3D, ενώ χορηγοί επικοινωνίας ήταν η HuffingtonPost και το News 24/7.


Για περισσότερες πληροφορίες αναφορικά με τη διοργάνωση του Revolutionizing Health 2018 επισκεφθείτε το ή τη σελίδα του στο Facebook.

          Wonder Woman εναντίον Νετανιάχου - Η ισραηλινή ηθοποιός Γκαλ Γκαντότ υπερασπίζεται τους Άραβες      Cache   Translate Page      

Ένα ακόμη πλήγμα αυτή τη φορά από το εξωτερικό και τον κόσμο του θεάματος, δέχεται ο ισραηλινός πρωθυπουργός λίγο πριν τις πρόωρες εκλογές της 9ης Απριλίου. Τη στιγμή που βρίσκεται αντιμέτωπος με βαρύτατες κατηγορίες για υποθέσεις διαφθορά και χρηματισμού ο Μπέντζαμιν Νετανιάχου δέχεται σφοδρή κριτική από διάσημες ισραηλινές ηθοποιούς με τελευταία την Γκαλ Γκαντόντ, που υποδύθηκε το ρόλο της Wonder Woman. 

H Γκαντόντ συντάχθηκε με χρήστες των μέσω κοινωνικής δικτύωσης που σφυροκοπούν τον ισραηλινό πρωθυπουργό για τις τελευταίες δηλώσεις του πως το κράτος του Ισραήλ δεν ανήκει σε όλους τους πολίτες του, αλλά μόνον στους Εβραίους. Το σχόλιο του Νετανιάχου είχε έρθει μάλιστα ως σύσταση προς την παρουσιάστρια και μοντέλο Ροτέμ Σιλά η οποία είχε επικρίνει νωρίτερα την υπουργό Πολιτισμού Μίρι Ρεγκέβ, η οποία είχε υποστηρίξει ότι μια εκλογική νίκη του αντιπάλου του Νετανιάχου, Μπέντζαμιν Γκαντζ δεν θα ήταν καλό για το Ισραήλ γιατί «αυτός θα σχηματίσει συνασπισμό με τους Άραβες».

Η διαμάχη Ροτέμ-Γκαντότ με Νετανιάχου

Η Ροτέμ σχολίασε: «Ποιο είναι το πρόβλημα με τους Άραβες; Κύριε των Ουρανών , υπάρχουν και Άραβες πολίτες σε αυτή τη χώρα. Το Ισραήλ είναι ένα κράτος όλων των πολιτών του και όλοι οι άνθρωποι γεννιούνται ίσοι».

Και η απάντηση του Νετανιάχου ήταν: «Αγαπητή Ροτέμ μια σημαντική διόρθωση: το Ισραήλ δεν είναι το κράτος όλων των πολιτών του.Σύμφωνα με το Σύνταγμα που ψηφίστηκε από εμάς, το Ισραήλ είναι το κράτος των Εβραίων - και κανενός άλλου».

Η Γκαντότ πήρε μέρος στη διαμάχη που ξέσπασε στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης και απευθυνόμενη στα 28εκατ ακολούθους της σχολίασε: «Αγάπα τον πλησίον σου ως εαυτόν» . Όπως επισημαίνει  «Δεν έχει να κάνει με τη δεξιά, ή την αριστερά, ούτε με Άραβες και Εβραίους. Ούτε με λαϊκούς και θρησκευόμενους. Είναι ένα ζήτημα διαλόγου για την ειρήνη, την ασφάλεια και την ανεκτικότητα», τονίζει η Γκαντότ, ηθοποιός που έγινε γνωστή μέσα από τη σειρά ταινιών Fast & Furious.

Ροτέμ Σελά


Στο μεταξύ βέβαια η κόντρα Σελά και Νετανιάχου συνεχιζόταν. «Πότε στο καλό κάποιο μέλος της κυβέρνησης θα δηλώσει μπροστά στις κάμερες, ενώπιον του κοινού, πως το Ισραήλ είναι μία χώρα για όλους τους πολίτες του και ο καθένας γεννιέται ίσος, ακόμη και οι Άραβες;», έγραψε στον δικό της λογαριασμό στο Instagram η φίλη της Σέλα για να της απαντήσει ο Νετανιάχου: «το Ισραήλ σέβεται τα προσωπικά δικαιώματα όλων -εβραίων και μη. Εξίσου όμως είναι ένα κράτος του εβραϊκού λαού. Οι άλλοι λαοί, οι εθνικότητες και μειονότητες ήδη εκπροσωπούνται σε άλλα κράτη».

Στη διαμάχη ενεπλάκη και ο πρόεδρος του Ισραήλ Ρέουβεν Ρίβλιν, που εκπροσωπεί την μετριοπαθή πτέρυγα του Λικούντ, παίρνοντας αποστάσεις  από τις δηλώσεις του Νετανιάχου: «Σε τούτη τη χώρα δεν υπάρχουν πολίτες πρωτοκλασάτοι και ούτε υπάρχουν πολίτες, ή ψηφοφόροι, δευτεροκλασάτοι. Στο κράτος του Ισραήλ υπάρχει ισότητα στα δικαιώματα για όλους», τόνισε ο Ρίβλιν, κατά τη διάρκεια εκδήλωσης για την 40η επέτειο της ειρήνης με την Αίγυπτο.

Σημειώνεται πως και η ηθοποιός Νάταλι Πόρτμαν,πέρυσι αρνήθηκε να συμμετάσχει σε δημόσια εκδήλωση στην Ιερουσαλήμ μαζί με τον Ισραηλινό πρωθυπουργό. 


Οι εκλογές και οι Ισραηλινοί - Άραβες

Ο Νετανιάχου στις επερχόμενες εκλογές θα βρεθεί αντιμέτωπος με τρεις πρώην αρχηγούς του επιτελείου ενόπλων δυνάμεων (τους πρώην στρατηγούς Μπένι Γκατζ, Μόσε Γιαλόν και Γκάμπι Ασκενάζι, της κεντρώας συμμαχίας «Γαλάζιο και Λευκό»), που απειλούν την πολιτική του ισχύ, όπως γράφει ο πολιτικός αναλυτής Μπεν Κάσπιτ στην εφημερίδα Maariv. «Το κεντρικό ζήτημα είναι εάν θα υπάρξει μία πλειοψηφία της συμμαχίας που μαζί με τα αραβικά κόμματα θα εμποδίσουν την επανεκλογή του».

Τα αραβικά κόμματα, που στις περασμένες εκλογές του 2015 είχαν κατέλθει ενωμένα και αποτέλεσαν την τρίτη δύναμη στην Κνεσέτ (Κοινοβούλιο) μετά το Λικούντ και τους Εργατικούς, τώρα κατέρχονται διαιρεμένα. Από τη μία πλευρά, η συμμαχία Χαντάς-Τάαλ, με επικεφαλής του προβεβλημένους ηγέτες της αραβικής κοινότητας Αϊμαν Όντεχ και Άχμαντ Τίμπι, που επιδιώκει να επαναλάβει τον εκλογικό θρίαμβο του ’15. Από την άλλη, το κόμμα Μπαλάντ-Ενωτικό Ψηφοδέλτιο με ριζοσπαστικό εθνικιστικό χαρακτήρα έχει αποκλεισθεί από την επικείμενη αναμέτρηση από το εκλογοδικείο, με την κατηγορία ότι «αρνείται τον ιουδαϊκό χαρακτήρα του ισραηλινού κράτους» και πλέον αναμένει την απόφαση του Ανωτάτου Δικαστηρίου για το εάν μπορεί να συμμετάσχει στις εκλογές.

Το 1,8 εκατ. αράβων πολιτών που αντιπροσωπεύουν το 20% του πληθυσμού του Ισραήλ, θεωρεί πως το Σύνταγμα καθιερώνει τις διακρίσεις έναντι των Παλαιστινίων που παρέμειναν εντός των συνόρων του ισραηλινού κράτους, μετά τον πόλεμο της ανεξαρτησίας του 1948. Αναγνωρίζει μόνον την αυτοδιάθεση των Εβραίων και ορίζει ως επίσημη γλώσσα μόνον τα εβραϊκά. Το 85% των Αράβων είναι μουσουλμάνοι, μαζί με χριστιανούς και άλλες θρησκευτικές μειονότητες, ενώ το μισό του αραβικού πληθυσμού να είναι κάτω των 18 ετών, με τη δημογραφική τάση του φαίνεται να σημειώνει κάμψη την τελευταία 50ετία, καθώς ο μέσος όρος των γεννήσεων από 9,2 παιδιά ανά γυναίκα έχει μειωθεί στα 3,3 σήμερα, σχεδόν ίσος με αυτό των εβραϊκών οικογενειών.


«Ζοφεροί καιροί»

Αναφορικά με τις δύο ηθοποιούς και τις αντιδράσεις τους, ο Τίμπι σχολίαζε στο Twitter: «το ότι μία σημαίνουσα δημόσια προσωπικότητα πρέπει να οπλισθεί με θάρρος για να μπορέσει να εκφράσει ότι και οι Άραβες επίσης είναι ανθρώπινα όντα, διατρανώνει ότι ζούμε σε ζοφερούς καιρούς».

Αλλά και σε άρθρο της, η εφημερίδα Haaretz, επίσης επαινεί εκείνους που τολμούν να πολεμήσουν «την απονομιμοποίηση των πολιτικών εκπροσώπων της αραβικής κοινότητας». «Ο Νετανιάχου παραδέχθηκε εν τέλει πως το Σύνταγμα καθοσιώνει την νομική ανωτερότητα των Εβραίων και διατρανώνει πως το Ισραήλ ανήκει περισσότερο σε έναν Εβραίο με διπλή υπηκοότητα Αμερικανική και Ισραηλινή (όπως όλοι οι μετανάστες) απ′ όσο σε έναν Άραβα πολίτη που γεννήθηκε στη χώρα τούτη» σημειώνει.

Τα 1,8 εκατ. Άραβες πολίτες, που αντιπροσωπεύουν το 20% του πληθυσμού του Ισραήλ, θεωρούν πως το Σύνταγμα καθιερώνει τις διακρίσεις έναντι των Παλαιστινίων που παρέμειναν εντός των συνόρων του ισραηλινού κράτους, μετά τον πόλεμο της ανεξαρτησίας του 1948. Αναγνωρίζει μόνον την αυτοδιάθεση των Εβραίων και ορίζει ως επίσημη γλώσσα μόνον τα εβραϊκά. Το 85% των Αράβων είναι μουσουλμάνοι, μαζί με χριστιανούς και άλλες θρησκευτικές μειονότητες, ενώ το μισό του αραβικού πληθυσμού να είναι κάτω των 18 ετών, με τη δημογραφική τάση του φαίνεται να σημειώνει κάμψη την τελευταία 50ετία, καθώς ο μέσος όρος των γεννήσεων από 9,2 παιδιά ανά γυναίκα έχει μειωθεί στα 3,3 σήμερα, σχεδόν ίσος με αυτό των εβραϊκών οικογενειών.

Πηγές: ΒΒC, Bloomberg, ΑΠΕ-ΜΠΕ

          Αεροσκάφος επέστρεψε στο αεροδρόμιο γιατί μια μητέρα είχε ξεχάσει το μωρό της στον τερματικό σταθμό      Cache   Translate Page      

Μια νεαρή μητέρα που ταξίδευε αεροπορικώς από τη Σαουδική Αραβία στη Μαλαισία φαίνεται πως έζησε το σοκ της ζωής της όταν συνειδητοποίησε, μετά την επιβίβασή της στο αεροσκάφος (και σύμφωνα με κάποιες πηγές και μετά και την απογείωσή) πως είχε ξεχάσει το μωρό της στο τερματικό σταθμό του αεροδρομίου.

Η πτήση της Saudi Arabian Airlines προς την Κουάλα Λουμπούρ αναγκάστηκε να επιστρέψει στο αεροδρόμιο «Βασιλιάς Αμπντουλαζίζ» της Τζέντα, αφού η γυναίκα πανικόβλητη ενημέρωσε το πλήρωμα για το τι είχε συμβεί, όπως αναφέρει η Telegraph.

Σε ένα βίντεο που έχει αναρτηθεί στο διαδίκτυο ο πιλότος του αεροσκάφους ακούγεται να ζητά άδεια από τον πύργο ελέγχου για να επιστρέψει. «Είθε ο Θεός να είναι μαζί μας. Μπορούμε να επιτρέψουμε;». Ένας εκ των ελεγκτών εναέριας κυκλοφορίας ακούγεται να λέει έκπληκτος: «Η πτήση ζητά να επιστρέψει ...μία επιβάτιδα ξέχασε το μωρό της στο χώρο αναμονής. Το κακόμοιρο» και στη συνέχεια ακούγεται να λέει: «Εντάξει, κατευθυνθείτε προς την πύλη. Αυτό δεν έχει ξαναγίνει!».



Όπως αναφέρει το GulfNews, το περίεργο περιστατικό σημειώθηκε το Σαββατοκύριακο και σύμφωνα με το δημοσίευμα το αεροσκάφος είχε απογειωθεί όταν η μητέρα συνειδητοποίησε πως είχε ξεχάσει το μωρό και ενημέρωσε το πλήρωμα. Ωστόσο άλλες πηγές αναφέρουν πως το αεροσκάφος δεν είχε ακόμη απογειωθεί.

Σε κάθε περίπτωση η ιστορία είχε αίσιο τέλος αφού μητέρα και μωρό επανασυνδέθηκαν.

Ωστόσο, οι συνθήκες που οδήγησαν στην εγκατάλειψη του μωρού δεν έχουν γίνει γνωστές αλλά σίγουρα δεν είναι και η πρώτη φορά που ακούμε για ένα γονιό που ξέχασε κάπου το παιδί του.

Για παράδειγμα ο πρώην πρωθυπουργός της Βρετανίας, Ντέιβιντ Κάμερον και η σύζυγός του Σαμάνθα, είχαν ξεχάσει το 2012 την 8χρονη, τότε, κόρη τους Νάνσυ σε μια παμπ. Το ζευγάρι είχε συναντηθεί με φίλους και στη συνέχεια έφυγαν με δύο διαφορετικά αυτοκίνητα αλλά στη συνέχεια διαπίστωσαν πως η κόρη τους δεν ήταν σε κανένα εξ αυτών. Τελικά η μητέρα επέστρεψε στην παμπ και βρήκε τη μικρή σώα και ασφαλή να τη φροντίζει το προσωπικό του καταστήματος.

Πηγή: The Telegraph

          «Booksmart»: Η νέα ιστορία ενηλικίωσης - σκηνοθετικό ντεμπούτο της Ολίβια Γουάιλντ      Cache   Translate Page      

Αν σας άρεσαν οι ταινίες «Lady Bird», «Superbad», «Blockers» ή «Neighbors 2», πολύ πιθανόν να σας αρέσει και το «Booksmart». 

Η νέα κωμική ιστορία ενηλικίωσης αποτελεί το σκηνοθετικό ντεμπούτο της ηθοποιού Ολίβια Γουάιλντ, η οποία έκανε πρεμιέρα στο φεστιβάλ South by Southwest στο Τέξας, το Σαββατοκύριακο και έλαβε θετικές κριτικές. Το «Booksmart» εστιάζει στις έφηβες Έιμι (Κέιτλιν Ντένβερ) και Μόλι (Μπίνι Φέλντσταιν) καθώς προετοιμάζονται να αποφοιτήσουν από το λύκειο.

«Κανένας δεν γνωρίζει ότι είμαστε ευχάριστες», λέει η Μόλι στο τρέιλερ, το οποίο κυκλοφόρησε το πρωί της Δευτέρας. «Δεν πηγαίναμε πολύ στα πάρτι, γιατί θέλαμε να εστιάσουμε στο σχολείο και να μπούμε σε καλά πανεπιστήμια». «Και αυτό λειτούργησε», απαντά η Έιμι.

«Όμως και οι ανεύθυνοι άνθρωποι που ”πάρταραν” πήγαν σε καλά πανεπιστήμια», λέει η Μόλι. «Δεν παραβιάσαμε κανέναν κανόνα». Τα κορίτσια ξεκινούν για μια νύχτα γεμάτη παραβιάσεις κανόνων και πάρτι. 

Μιλώντας στο Variety, η Γουάιλντ είπε ότι ήθελε να δημιουργήσει μια τέτοιου είδους ταινία, καθώς οι ιστορίες ενηλικίωσης διαμόρφωσαν τα εφηβικά της χρόνια. «Ήθελα πραγματικά να σκηνοθετήσω μια ταινία για πιο νέες ηλικίες ώστε να λειτουργήσει ως ”ύμνος” για αυτή τη γενιά. Πραγματικά επωφελήθηκα με το να βλέπω αυτές τις ταινίες. Μας βοήθησαν να τοποθετήσουμε σε εννοιολογικό πλαίσιο την εμπειρία του να είσαι νέος, να είσαι παιδί, να είσαι διαφορετικός. Και ήθελα να φτιάξω κάτι για αυτή τη γενιά». 

Μερικοί από τους παρευρισκόμενους στην πρεμιέρα, παρομοίωσαν την ταινία με την κωμωδία από το 2007, «Superbad», ενώ πολλοί χειροκρότησαν για την έξυπνη απεικόνιση των εφήβων- σπασίκλες.


Το κείμενο αυτό αρχικά δημοσιεύτηκε στην Αμερικανική έκδοση της HuffPost και αποδόθηκε στα ελληνικά. 

          Αλίσα Μιλάνο: Το τουίτ για τις τρανσέξουαλ και οι έντονες αντιδράσεις των θαυμαστών      Cache   Translate Page      

Στις 8 Μαρτίου, την Παγκόσμια Ημέρα της Γυναίκας, η Αλίσα Μιλάνο δημοσίευσε ένα μήνυμα στο Τουίτερ, αφιερωμένο στις γυναίκες τρανσέξουαλ.

Συγκεκριμένα έγραψε: «Τρανσέξουαλ αδερφές μου. Γιορτάζω εσάς αυτή την ημέρα!». Λίγα λεπτά αργότερα, ένας χρήστης της πλατφόρμας, τη ρώτησε αν είναι και η ίδια τρανσέξουαλ και η Μιλάνο απάντησε ότι είναι «τα πάντα».

«Είμαι τρανσέξουαλ, είμαι μαύρη, μετανάστρια, λεσβία, ένας γκέι. Είμαι άνθρωπος με αναπηρία, είμαι τα πάντα. Όπως είσαι κι εσύ Κερκ», έγραψε η ηθοποιός. Και συμπλήρωσε: «Μην φοβάσε ο,τι δεν γνωρίζεις ή καταλαβαίνεις. Κανένας δεν θέλει να σε πληγώσει. Όλοι ψάχνουμε για το ευτυχισμένο τέλος μας». 

Παρόλο που δεν το εννοούσε κυριολεκτικά, η πρώην πρωταγωνίστρια της δημοφιλούς σειράς «Charmed», δέχθηκε σκληρή κριτική για το τουίτ της, με πολλούς χρήστες της πλατφόρμας να τονίζουν ότι εκείνη είναι μια επιτυχημένη, λευκή γυναίκα. 

Ένας ακόλουθός της απάντησε: «Όχι, είσαι μια υπερασπίστρια και να είσαι εντάξει με αυτό. Αυτός δεν είναι ο τρόπος για να πεις ότι μας υπερασπίζεσαι. Απλά δεν μπορείς να προσποιήσε μια εμπειρία την οποία δεν έχεις. Αυτή είναι η προσέγγιση ”δεν βλέπω χρώμα”, η οποία είναι καταπιεστική». 

Ο Youtuber Ρομπ Γκάβαγκαν, συμμετείχε στη συζήτηση, γράφοντας: «Το να υποστηρίζεις τους τρανς ανθρώπους, τους μαύρους, τους μετανάστες, τις λεσβίες, τους γκέι και τους ανάπηρους, είναι καλό. Το να ισχυρίζεσαι ότι είσαι εκείνοι επειδή τους αγαπάς, είναι λίγο ανόητο και διαστρεβλώνει την ιδέα της συμμαχίας. Υποστηρίζω τους ανθρώπους με αναπηρία. Δεν σημαίνει ότι είμαι κι εγώ ανάπηρη και το να λέω ότι έχω αναπηρία με οποιονδήποτε τρόπο είναι ένα ψέμα και δεν βοηθάει καθόλου τους ανθρώπους που ισχυρίζεσαι ότι υποστηρίζεις». 

Μετά τον καταιγισμό τουίτ, η Μιλάνο απάντησε, γράφοντας: «Είμαι ευτυχισμένη που αυτό το τουίτ πυροδότησε τη συζήτηση. Λυπάμαι αν προσέβαλε κάποιους. Σας βλέπω και σας ακούω. Αλλά μια μικρή υπενθύμιση: η ενσυναίσθηση δεν είναι κακό πράγμα. Η μικρή διαφορά είναι σημαντική όπως και η κυριολεκτική ερμηνεία δεν είναι πάντα προβλεπόμενη. Και μπορώ να ταυτιστώ με και όχι να ταυτιστώ ως. Και τα δυο είναι ισχυρές ερμηνείες». 



Πηγή: Daily Mail


          Το συγκινητικό βίντεο που κοινοποίησαν οι Γιατροί Χωρίς Σύνορα προς τιμήν του Γιάννη Μπεχράκη      Cache   Translate Page      

Οι Γιατροί Χωρίς Σύνορα έδωσαν στη δημοσιότητα το βίντεο της έκθεσης «People on the move», που εστιάζει στο οδοιποιρικό εκατοντάδων προσφύγων που άφησαν την πατρίδα τους αναζητώντας μια καλύτερη ζωή, αποτίοντας έτσι φόρο τιμής «στη μνήμη και τη ματιά μοναδικής ευαισθησίας του Γιάννη Μπεχράκη».

«Οι Γιατροί Χωρίς Σύνορα αποχαιρετούν τον σπουδαίο Γιάννη Μπεχράκη. Έναν από τους κορυφαίους φωτορεπόρτερ στον κόσμο, μα πάνω από όλα, έναν σπουδαίο άνθρωπο που έβρισκε την ελπίδα ακόμα και στις πιο δύσκολες καταστάσεις», αναφέρεται στην εισαγωγή του βίντεο και συνεχίζει:

«Ο Γιάννης Μπεχράκης και οι Γιατροί Χωρίς Σύνορα συνεργάστηκαν το 2016 στην έκθεση φωτογραφίας “People on the Move” στον Αερολιμένα Αθηνών. Το βίντεο της έκθεσης δημοσιεύεται για πρώτη φορά στα ψηφιακά μέσα για να τιμήσουμε τη μνήμη και τη ματιά μοναδικής ευαισθησίας του Γιάννη Μπεχράκη.

Αντίο, Γιάννη! Σε ευχαριστούμε για όλα».

Υπενθυμίζεται ότι το 2017 ο Γιάννης Μπεχράκης απέσπασε το βραβείο του κοινού στον διαγωνισμό για την ανάδειξη των κορυφαίων πολεμικών ανταποκριτών Bayeux-Calvados Awards, στο Bayeux της Νορμανδίας, και δώρισε το χρηματικό έπαθλο στους Γιατρούς Χωρίς Σύνορα.

          Μεταθανάτια τεχνητή γονιμοποίηση: Η μέθοδος που δημιουργεί εναλλακτικές οικογένειες σε ολόκληρο τον κόσμο      Cache   Translate Page      

Ήταν πριν από τέσσερα περίπου χρόνια όταν η Λίατ Μάλκα περίμενε με αγωνία το σπέρμα ενός νεκρού άνδρα για να γονιμοποιήσει το ωάριο της και να γίνει μητέρα. Η νηπιαγωγός από το Ισραήλ είχε προσπαθήσει ακόμα μια φορά να υποβληθεί σε τεχνητή γονιμοποίηση, δυστυχώς όμως η προσπάθειά της απέτυχε. Τον επόμενο μήνα όμως τα κατάφερε και τελικά η γυναίκα έμεινε έγκυος και εννέα μήνες αργότερα γέννησε τη Σίρα, το όνομα της οποίας επιλέχθηκε επειδή σημαίνει «τραγούδι» αλλά και «προσευχή» στα εβραϊκά.

Τις τελευταίες δύο δεκαετίες η μεταθανάτια αναπαραγωγή είναι μια μέθοδος που ακολουθούν όλο και περισσότεροι άνθρωποι προκειμένου να αποκτήσουν παιδιά. Οι άνδρες, σύμφωνα με αυτή, δωρίζουν το γενετικό τους υλικό όσο βρίσκονται στη ζωή ή πριν πεθάνουν, ώστε να μπορούν να συνεχίσουν το γενεαλογικό τους δέντρο.

Οι ειδικοί προβλέπουν πως ο αριθμός της υποβοηθούμενης αναπαραγωγής μετά θάνατον θα σημειώσει αύξηση τα επόμενα χρόνια δίνοντας ώθηση στην επικράτηση των «εναλλακτικών οικογενειών» που είναι αποτέλεσμα συνδυασμών πέρα από τους παραδοσιακούς. Το Ισραήλ, μια χώρα με ιδιαίτερα αυξημένα επίπεδα μεταθανάτιας εξωσωματικής ανά κάτοικο, θεωρείται και ένα ακμάζον εργαστήριο για περαιτέρω δοκιμές όσον αφορά τον συγκεκριμένο τρόπο.

Τα πράγματα όμως δεν είναι τόσο απλά όσο φαίνονται. Το κράτος του Ισραήλ, που ρυθμίζει και χρηματοδοτεί το IVF, της εξωσωματικής δηλαδή γονιμοποίησης, είναι αυτό που θα αποφασίσει και ποιοι θα συμμετέχουν στη διαδικασία. Αυτή τη στιγμή, όλες οι γυναίκες άνω των 45 ετών, μπορούν να προχωρήσουν στην εξωσωματική γονιμοποίηση, αντλώντας γενετικό υλικό από άνδρες που έχουν φύγει από τη ζωή.

Η Μάλκα έμαθε για τη διαδικασία και τις δυνατότητες που έχει όταν ήταν 35 ετών. Ο γιατρός της τότε την ενημέρωσε πως δεν είχε αρκετά ωάρια. Έτσι, άρχισε να ψάχνει για το σπέρμα ενός ανώνυμου δότη, δεν της άρεσε όμως η ιδέα πως το παιδί της δεν θα γνώριζε ποτέ την οικογένεια του πατέρα του. Παράλληλα, φοβόταν πως το παιδί της σε μια τόσο μικρή χώρα κάποια στιγμή ίσως συναντούσε τυχαία κάποιον που θα τύχαινε να είναι αδερφός του χωρίς να το ξέρει.

Τελικά, πέτυχε στο YouTube ένα βίντεο που είχαν ποστάρει η Τζούλια και ο Βλαντ Ποζνιάνσκι. Το ζευγάρι ζητούσε νόμιμη άδεια προκειμένου να δωρίσει το σπέρμα του 25χρονου γιου τους που είχε πεθάνει από καρκίνο όταν ήταν 25 ετών. Η επιθυμία του να διατηρήσει το σπέρμα του και να το χρησιμοποιήσει για να γονιμοποιήσει μια γυναίκα περιγραφόταν με λεπτομέρειες σε ένα νομικό έγγραφο που είχε υπογράψει η δικηγόρος, Ίριτ Ρόζενμπλουμ.

Η Μάλκα επικοινώνησε με την Rosenblum, που ίδρυσε τη New Family, μια οργάνωση που αναλαμβάνει να στηρίξει εναλλακτικές ανάλογες οικογένειες στο Ισραήλ. Στη συνέχεια η Μάλκα έπρεπε να υπογράψει μια σύμβαση που όριζε πως θα χρησιμοποιήσει το σπέρμα του Μπαρούχ για να μείνει έγκυος. Έπειτα από δώδεκα μήνες γραφειοκρατικών διαδικασιών και επαφών, το δικαστήριο αποφάσισε υπέρ της οικογένειας και το 2015 γεννήθηκε η μικρή Σίρα.

Τη σημασία της συζήτησης για την μεταθανάτια υποβοηθούμενη αναπαραγωγή τονίζει η ειδικός οικογενειακού δικαίου και λέκτορας του πανεπιστημίου του Λίμερικ, Κάθριν Ο ’Σούλιβαν. Όπως αναφέρει, η Γαλλία, η Γερμανία και η Σουηδία επέλεξαν την απαγόρευση, ενώ άλλες χώρες όπως η Ιρλανδία αναπτύσσουν νόμους για να την επιτρέψουν. Τέτοια νομικά πλαίσια θα πρέπει να εξετάζουν σχετικά ζητήματα όπως τα κληρονομικά και τα παιδαγωγικά ζητήματα.

Η Μάλκα εξηγεί ότι παρά τους κινδύνους που υποκρύπτονται μετά τη διαδικασία, αυτή και η κόρη της ζουν ευτυχισμένες. Όταν σχολά από το νηπιαγωγείο η Σίρα, πηγαίνουν συχνά στην παραλία ή χορεύουν στο σαλόνι τους. «Είμαστε πάντα οι δύο μας και κάνουμε αυτό που μας αρέσει», είπε.

(Με πληροφορίες από The Atlantic)

          CARNATION: Assista o videoclipe de 'Power Trip'      Cache   Translate Page      

Os belgas da CARNATION liberaram o videoclipe de 'Power Trip', faixa que se encontra no seu primeiro full-length  intitulado "Chapel of Abhorrence", lançado em agosto de 2018 pela Season of Mist. Mas a faixa 'Power Trip' não é o primeiro clipe extraído do disco, anteriormente foi postado o vídeo e "Sermon of the Dead". Assista os vídeos abaixo:


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          Divulgado detalhes do debut album da FILTHEATER      Cache   Translate Page      

O selo Memento Mori divulgou detalhes do primeiro álbum da banda de Death Metal norte-americana FILTHEATER! O disco tem o título de "Blight of Sempiternal Putrefaction" e estará disponível em CD no dia 22 de abril de 2019.

Confira a capa de "Blight of Sempiternal Putrefaction" e ouça a faixa "Unwelcome Illuminated Curiosity":


          IMPRECATION apresenta o segundo single de 'Damnatio Ad Bestias'      Cache   Translate Page      

No dia 22 de Março de 2019 os deathbangers da IMPRECATION irão quebrar um hiato de quase seis anos, o último full-length foi 'Satanae Tenebris Infinita', de 2013. O novo disco tem o título de 'Damnatio Ad Bestias' e sairá pela gravadora Descent Records.

O primeiro single extraído de 'Damnatio Ad Bestias', foi 'Temple of the Foul Spirit', foi liberado a música 'Morbid Crucifixion'. Ouça os singles abaixo:

01. Ageless Ones Of None
02. Baptized In Satan's Blood
03. Beasts Of The Infernal Void
04. Dagger, Thurible, Altar Of Death
05. Damnatio Ad Bestias
06. Morbid Crucifixion
07. The Shepherd And The Flock
08. Temple Of The Foul Spirit


          IRON MAIDEN lança cerveja de sakê      Cache   Translate Page      

A lendária IRON MAIDEN e a cervejaria Robinsons Brewery, depois de ter lançado a cerveja Nitro com adição de nitrogênio e CO2, anunciaram uma nova versão da famosa cerveja Trooper.

Batizada de Sun and Steel, a nova cerveja foi criada a partir de levedura de saquê, e é descrita como uma das “mais complexas” que a empresa britânica de 170 anos já desenvolveu. O produto apresenta-se com um “delicado sabor de fruta inserido numa cerveja Lager de estilo Pilsen”.

A ideia surgiu depois que Bruce Dickinson conheceu em 2016 os produtos da Okunomatsu Sake Brewery, em Fukushima, no Japão. “Dickinson ficou intrigado com a ideia de unir os dois perfis de sabor e, assim, nasceu essa nova cerveja”, diz comunicado da empresa.

Sun and Steel é o nome de uma das faixas de “Piece of Mind”, título do quarto álbum de estúdio da IRON MAIDEN, lançado em 1983, que por sua vez foi inspirado na vida do samurai japonês Miyamoto Musashi.

Bruce Dickinson comenta: “Este tem sido um projeto tão empolgante. Eu tive uma ideia maluca de tentar fazer uma lager com infusão de saquê, e mais de dois anos e meio depois, aqui estamos nós! Eu sei que Martyn e a equipe da Robinsons tiveram que se tornar cientistas loucos para fazer isso funcionar, mas o resultado final é uma cerveja híbrida realmente única e saborosa. Fãs da Trooper têm pedido cerveja e aqui está. Eu aposto que você nunca teria imaginado que faríamos isso desse jeito!”

Em 2018 a IRON MAIDEN também lançou a cerveja Light Brigade, com 4,1% ABV fabricada em apoio ao Help For Heroes, uma instituição de caridade britânica que fornece recuperação e apoio para a comunidade das Forças Armadas, cujas vidas são afetadas por seus serviços.

O desenvolvimento de todos os produtos da Trooper é supervisionado pelo vocalista e entusiasta da cerveja IRON MAIDEN, Bruce Dickinson, que trabalha em estreita colaboração com a cervejaria Martyn Weeks, da Robinsons. Até hoje, mais de 20 milhões de litros da cerveja Trooper já foram vendidos, em mais de 50 países em todo o mundo, e já conquistou a medalha de ouro do British Bottlers Institute em 3 ocasiões.

Sun And Steel, a sexta cerveja da linha Trooper, estará disponível no Reino Unido a partir de 06 de Maio em comemoração ao sexto aniversário da Trooper, com a cerveja disponível posteriormente em todo o mundo.

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          Novo álbum da PARAGON será lançado no Brasil      Cache   Translate Page      

A Hellion Records anunciou em sua pagina oficial no Facebook, que lançará no Brasil em Abril, o novo álbum intitulado “Controlled Demolition”, da veterana banda alemã de Heavy/Speed Metal PARAGON.

“Controlled Demolition” foi mixado e masterizado por Piet Sielck (Saxon, Blind Guardian, Grave Digger e Stormwarrior), no Powerhouse Studios em Hamburgo na Alemanha, e a arte de capa teve a assinatura do artista argentino Aldo Requena.

01. Controlled Demolition
02. Reborn
03. Abattoir
04. Mean Machine
05. Deathlines
06. Musangwe (B.K.F.)
07. Timeless Souls
08. Blackbell
09. The Enemy Within
10. Black Widow
11. ...Of Blood And Gore

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          Documentário e novo álbum da THOR, será lançado em Abril de 2019      Cache   Translate Page      

Jimmy Kay, do The Metal Voice do Canadá, falou com a pioneira banda canadense de Heavy Metal THOR, capitaneada por Thor (nome verdadeiro Jon Mikl).

Thor falou sobre seu novo documentário “Return Of The Thunderhawk”, e o novo álbum “Hammer Of Justice”, e como Manowar e Mötley Crüe copiou sua imagem. A Deadline Records lançará o novo álbum da Thor em CD/DVD, assim como o documentário “Return of the Thunderhawk” em 26 de Abril de 2019.

Thor Comenta: “Estávamos dez anos à frente da Manowar. Há muitas coisas que a Manowar implementou em seu show como o punho da Cruz de Ferro, é a maneira que você segura seu punho, eu fiz esse caminho de volta, apenas olhe para o clipe da Thor “Sleeping Giant”. Eu respeito muito a Manowar e eles têm um show incrível, mas estão longe de ser originais. Eu tenho feito todo o conceito de guerreiro / gladiador antes da Manowar sair. Eu estava bem à frente deles. Também Vince Neil do Mötley Crüe, tirou minha foto do meu álbum “Keep the Dogs”, e usou no álbum do Mötley Crüe, “Shout At The Devil”. Estávamos à frente do tempo, que ninguém estava fazendo coisas como o que estávamos fazendo em 1973.”

Thor começou sua carreira pública como um fisiculturista profissional, conquistando mais de 40 títulos em todo o mundo antes de dirigir sua força e paixão pela música no início dos anos 70. Suas apresentações no palco rapidamente se tornaram lendárias e muitas vezes, incluíam demonstrações de força como dobrar barras de ferro com os dentes, e soprar garrafas de água quente até que explodissem. Agora este veterano guerreiro do Metal, está explodindo em todo o mundo para uma nova geração de fãs.

Mais novidades serão reveladas em breve.

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          ATTOMICA : Ouça versão que banda criou para a música “Dr Rock” da Motörhead      Cache   Translate Page      

No ano de 2015, chegava ao mercado brasileiro o álbum tributo ao Motörhead, “Going to Brazil”, organizado pela gravadora britânica Secret Service Records. O material lançado oficialmente em CD e conta com 30 bandas brasileiras prestando homenagens a lendária Motörhead, com versões recriadas sobre a imortal obra deixada por Lemmy e seu legado.

Uma das músicas presentes no tributo, acabou de ser liberada pela gravadora para audição completa no canal oficial da Secret Service Records. A música “Dr Rock” presente no álbum “Orgasmatron” (de 1986) e que, para o tributo “Going to Brazil”, obteve uma recriação pela veterana banda de Thrash Metal ATTOMICA! Confira:

Atual Formação é:
André Rod – Vocal/Baixo
Marcelo Souza – Guitarra
Argos Danckas – Bateria

Mais informações:
          AKA FUNERAL lançará o seu segundo álbum, intitulado “The Endless Eye”, no Songs For Satan Fest      Cache   Translate Page      

Os mineiros da AKA FUNERAL iniciaram as atividades em meados de 2014, o primeiro álbum intitulado 'Stormy Tide' sai no ano de 2016.

A banda assinou com o selo Songs For Satan Records para o lançamento do seu segundo álbum “The Endless Eye”! O disco estará disponível no dia 16 de Março de 2019 festival Songs For Satan, onde irá dividir palco com as bandas GOATH, EXPURGO, SCALPED, EMBALMED ALIVE e WARFACTOR. Saiba mais do festival clicando AQUI.

Confira abaixo o tracklist de “The Endless Eye”  e ouça a faixa 'The Fire Remains':

01. The Nameless One 
02. For My Eternal Evil 
03. The Fire Remains 
04. Under the Crows of Death 
05. Absence 
06. Inanimatus 
07. Presence


          Revelado detalhes do novo álbum da SPIRIT ADRIFT      Cache   Translate Page      

A banda de Doom Metal SPIRIT ADRIFT revelou detalhes do seu terceiro álbum, que recebeu o título de 'Divided By Darkness' e tem o lançamento agendado para 10 de maio de 2019 via 20 Buck Spin.

Confira abaixo a capa e o tracklist de  'Divided By Darkness' e assista o videoclipe de 'Hear Her':

01. We Will Not Die
02. Divided by Darkness
03. Born into Fire
04. Angel and Abyss
05. Tortured by Time
06. Hear Her
07. Living Light
08. The Way of Retu


          DEIPHAGO apresenta o segundo single de 'I, The Devil'      Cache   Translate Page      

No dia 30 de abril de 2019 a gravadora Hells Headbangers Records lançará o quinto álbum de estúdio da DEIPHAGO, com o título de 'I, The Devil'. O álbum foi gravado no Godcity Studios com o produtor Kurt Ballou (Converge), a masterização ficou nas mão de Brad Boatright (Audiosiege) e a capa assinada pelo lendário desenhista Joe Petagno (Motorhead, Krisiun, Autopsy, Marduk, Pink Floyd).

Nesta semana foi extraído o segundo single de 'I, The Devil', a faixa '11:4:6'. A primeira música divulgada do disco foi 'Deus Alienus', ouças as músicas abaixo:

01. Intro: Decimation
02. Quantum Death
03. Neuro-Satanic Circuit
04. 11:4:6
05. Deus Alienus
06. Chaos Protocols
07. Anti-Cosmic Trigger
08. I, The Devil 


          SAVAGE MESSIAH disponibiliza o vídeo clipe de “Under No Illusions”      Cache   Translate Page      

A Century Media Records disponibilizou via Youtube, o vídeo clipe de “Under No Illusions” uma das faixas do novo álbum intitulado “Demons”, da banda britânica de Heavy Metal SAVAGE MESSIAH.

“Demons” é pontuado pelo sentimento mais pessoal, do que qualquer coisa que a banda tenha compartilhado no passado. O vocalista e guitarrista Dave Silver, descreve uma banda renascida no novo álbum. “Eu olhei para o que fizemos no passado e sabíamos que poderíamos levar essa banda ainda mais longe", diz Silver. “Quando você se torna pai, suas preocupações se tornam multifacetadas”, explica ele. “Você se preocupa com o que acontece com você e com as pessoas ao seu redor. É a coisa mais estranha, o amor que você sente pelo seu filho, quase indescritível. Eu nunca me joguei em minhas letras assim antes.”

O novo álbum também vê uma mudança na produção da SAVAGE MESSIAH. Depois de fazer quatro álbuns com Scott Atkins, o grupo recrutou o produtor David Castillo, renomado por seu trabalho com bandas do porte de Amorphis, Candlemass, Kreator e Sepultura, e o álbum foi mixado por Jens Bogren em seu renomado Fascination Street Studios na Suécia (Kreator, Amon Amarth, Candlemass e Emperor).

“Demons” será lançado no dia 17 de Maio de 2019 via Century Media Records.

Mais novidades serão reveladas em breve.

01. Virtue Signal
02. What Dreams May Come
03. Heretic in the Modern World
04. Parachute
05. Under No Illusions
06. Down and Out
07. The Lights Are Going Out
08. The Bitter Truth
09. Until the Shadows Fall
10. Rise then Fall
11. Steal the Faith in Me

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          HORROR CHAMBER revela a capa do seu novo álbum      Cache   Translate Page      

A banda gaucha de Death Metal HORROR CHAMBER, revelou a capa do seu novo álbum intitulado “Thoughts: The Slow Decay”. A arte de capa teve a assinatura do artista brasileiro Marcos Miller (Bloodwork, Cauterization, Mental Horror & Exterminate).

“Thoughts: The Slow Decay” foi gravado no Estudio Hurricane, e a produção ficou a cargo de Sebastian Carsin (Enthroned, A Sorrowful Dream, Bestial e Symphony Draconis).

Mais novidades serão reveladas em breve.

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          Ινδία: Τρομοκρατημένοι τουρίστες τρέχουν να σωθούν από άγριο ελέφαντα      Cache   Translate Page      

 Τον χάρο ή πιο σωστά τον άγριο ελέφαντα με τα μάτια τους είδαν το Σάββατο τουρίστες στη δυτική Βεγγάλη της Ινδίας, επιστρέφοντας από σαφάρι.

Διασχίζοντας τη ζούγκλα στην περιοχή Τζαλπαιγκούρι, το θηριώδες ζώό πετάχτηκε ξαφνικά μπροστά τους, κινούμενο απειλητικά εναντίον ενός εκ των τζιπ της αυτοκινητοπομπής.

Ο οδηγός  του αυτοκινήτου ανέπτυξε ταχύτητα και πρόλαβε να απομακρυνθεί, όμως ο ελέφαντας δεν άργησε να βάλει στο στόχαστρό του ένα σκούτερ με δύο αναβάτες.

Αμφότεροι το εγκατέλειψαν άρον-άρον και το έβαλαν στα πόδια, καταφέρνοντας να σωθούν κυριολεκτικά την τελευταία στιγμή.


          Novo álbum da ROCK GODDESS será lançado no Brasil      Cache   Translate Page      

A Hellion Records anunciou em sua pagina oficial no Facebook, que lançará no Brasil em Abril, o novo álbum intitulado “This Time”, da veterana banda britânica de Heavy Metal ROCK GODDESS.

“This Time” foi gravado no The Park Studios, em Wembleyem em Londres, com o produtor Wes Maebe (Robert Plant, UB40, New Model Army e Praying Mantis), e engenharia de som adicionais no SQ Studio, e Mixado no estúdio Sonic Cuisine emasterizado no Sound Discs também em Londres.

01. Are You Ready?
02. Obsession 04:16 
03. Two Wrongs Don't Make a Right
04. Calling to Space
05. Flying to See You
06. Why Do We Never Learn?
07. This Time
08. It's My Turn
09. Drive Me Away

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          Zitat: Flugtaxis gehen durch die Decke, sagt Investor Frank Thelen.      Cache   Translate Page      
"Dieser Markt wird so groß wie die Autoindustrie." Investor und Vox-Löwe Frank Thelen ärgert sich beim Inner Circle des "Focus" über den Spott, der Flugtaxi-Visionären entgegenschlägt. turi2 vor Ort Aus dem Archiv von (06/2018): Frank Thelen über die notwendige Digitalisierung der kompletten Verlagswelt.

"Dieser Markt wird so groß wie die Autoindustrie."

Investor und Vox-Löwe Frank Thelen ärgert sich beim Inner Circle des "Focus" über den Spott, der Flugtaxi-Visionären entgegenschlägt.
turi2 vor Ort

Aus dem Archiv von (06/2018): Frank Thelen über die notwendige Digitalisierung der kompletten Verlagswelt.

          رسمياً : مجموعة Halo The Master Chief قادمة لمنصة الحاسب الشخصي      Cache   Translate Page      
اليوم خلال حلقة Inside Xbox تم الإعلان رسمياً على أن مجموعة Halo: The Master Chief سيتم إصدارها رسمياً على منصة الحاسب الشخصي.

تلك المجموعة تضم 6 ألعاب وهم :

- Halo: Reach
- Halo: Combat Evolved
- Halo 2
- Halo 3
- Halo 3 ODST Campaign
- Halo 4

تلك المجموعة بالفعل متوفرة على منصة Xbox One ولكن نسخة الحاسب الشخصي ستكون مُحسنة بشكل كبير حيث ستدعم دقة Native 4K 2160 مع دعم لخاصية High Dynamic Range و 60 إطار فى الثانية ، تلك التغييرات ستصدر أيضاً على النسخة المتواجدة على منصة Xbox One.

للأسف حتي الأن لا يوجد موعد إصدار رسمي لمجموعة Halo The Master Chief على منصة الحاسب الشخصي ولكنها ستصدر على متجر ميكروسوفت الرسمي ومتجر Steam خلال عام 2019، لمشاهدة العرض الجديد :

          JOYAS MUSICALES      Cache   Translate Page      
Jackson Browne, *Stay.

          STAY ALIVE      Cache   Translate Page      
José González, *Stay Alive.

          تحديث جديد يصل للعبة Black Ops 4 يضيف حدث Shamrock and Awe      Cache   Translate Page      
إستوديو Treyarch أصدر اليوم تحديثاً جديداً للعبة Call of Duty Black Ops 4 على كل المنصات وأضاف فيه حدث Shamrock and Awe الجديد.

أهم ما قدمه التحديث الجديد :

- حدث Shamrock and Awe على كل المنصات
- تحديث الربيع لخريطة الباتل رويال Blackout
- إضافة مود Hardcore في الباتل رويال Blackout
- تحديث جديد لخريطة Contraband فأصبحت بإسم Contraband Hurricane
- طور Stockpile في الأونلاين Multiplayer
- تحسينات لـ League Play
- إضافة Hellcatraz Gauntlet لطور الزومبي

هذا كل ما قدمه التحديث الجديد ، بالنسبة لحجم التحديث فهو 10 جيجا بايت على منصتي PlayStation 4 و Xbox One وأعتقد أن الحجم على منصة الحاسب الشخصي قريب من ذلك أيضاً، اللعبة متوفرة للشراء على نفس المنصات المذكورة بسعر 60 دولار أمريكي مع وجود نسخة مخصصة للحاسب الشخصي تضم الأونلاين Multiplayer والباتل رويال بسعر 40 دولار فقط.

لمشاهدة العرض الجديد :

          JOYAS MUSICALES      Cache   Translate Page      
Nat King Cole, *Nature boy.

          FRANKY & GRACE      Cache   Translate Page      
Quién me iba a decir que descubriría una serie de TV donde las protagonistas, dos mujeres setentonas, divorciadas, despechadas y empresarias, se iban a convertir en parte de mi vida estas últimas semanas. Grace y Frankie, o lo que es lo mismo Jane Fonda y Franky y Lily Tomlin, forman la pareja protagonista de esta serie genial, con un guión a la altura y unos personajes secundarios magníficos: alcohol, sexo, cinismo, hippies, homosexualidad, cuernos, amor por lo animales, veganismo, etc. Todos los ingredientes para que convertir a esta serie en lo mejor, sin duda, de la televisión. Ahora a esperar, y desesperar, hasta que llegue la 6ª temporada.
Ah, por cierto, y una banda sonora excelente.

          الإعلان الأول للفيلم الفاشل DOOM Annihilation       Cache   Translate Page      
اليوم شركة Universal قامت بإصدار أول عرض رسمي لفيلمها القادم DOOM Annihilation وبدون حتي أن اقوم بمشاهدة الفيلم فيمكنني أن أحكم عليه وأقول أنه شئ فاشل.

أي شخص سيقرأ هذا الخبر بالتأكيد يعرف لعبة DOOM، اللعبة الرائعة التى تم تقديمها في أواخر القرن الماضي وشهدنا إصدار نسخة 2016 التي بالنسبة لي شخصياً وبالنسبة لعدد كبير من اللاعبين فهي أفضل أجزاء السلسلة ، خلال E3 الماضي رأينا الإعلان الرسمي للجزء الجديد DOOM Eternal وبدون حتي أن يصدر ونجربه بأنفسنا يمكننا القول أنه سيكون جزء خرافي وقوي وسيكون عظيم مثل جزء 2016.

في أواخر عام 2018 علمنا أنه سيتم إصدار فيلم جديد لـ DOOM والذي كنا نتوقع أنه بالتأكيد سيكون أفضل من الفيلم الذي صدر في عام 2005 من بطولة The Rock ، لكن لا الفيلم لن يكون أفضل وسيكون أسوأ شئ تراه في حياتك حول DOOM ، من العرض الأول الذي مدته 30 ثانية لا يمكننا أن نري أي صلة باللعبة وعالمها إطلاقاً.

إذا كنت تريد أن تقوم بصناعة فيلم لـ DOOM فكل ما عليك وضعه هو شخصية DOOM Slayer وقصته والجحيم والأسلحة الضخمة التي يستخدمها بالإضافة إلى الشياطين ، أهذا صعب على صناع الفيلم ؟ ، الجدير بالذكر أن حساب DOOM الرسمي على تويتر أكد أنه غير متصل بالفيلم إطلاقاً وهذا شئ جيد لأن شركة Bethesda وإستوديو id Software لن يوافقوا على صناعة شئ غريب مثل ذلك.

هذا هو الإعلان الأول للفيلم :

          الإعلان رسمياً عن موعد إصدار Hunt Showdown على منصة Xbox One      Cache   Translate Page      
إستوديو Crytek أصدر اليوم عرض الإعلان الرسمي عن موعد إصدار لعبته Hunt: Showdown على منصة Xbox One كنسخة دخول مبكر.

لعبة Hunt Showdown هي لعبة باتل رويال من نوع مختلف حيث يتم وضعك مع أحد أصدقائك في خريطة واسعة وسيجب عليكم قتال زعيم زومبي قوي والحصول على شئ منه والهروب بهذا الشئ ، كل الفرق الأخري سيجب عليها الحصول على نفس هذا الشئ ولذلك سيتواجهون ويتقاتلون بعد قتال الزعيم أيضاً.

اللعبة بالفعل متوفرة حالياً على الحاسب الشخصي كنسخة دخول مبكر على متجر Steam بسعر 30 دولار أمريكي ومن المتوقع أن يكون هذا هو سعرها أيضاً على Xbox One ، اللعبة ستصدر أيضاً على Xbox One كنسخة دخول مبكر ولم يتم الإعلان عن موعد اصدار النسخة النهائية ، النسخة النهائية من المتوقع أن تصدر أيضاً على منصة PlayStation 4 بجانب الحاسب الشخصي و Xbox One.

ستصدر اللعبة على منصة Xbox One كنسخة دخول مبكر خلال ربيع 2019.

لمشاهدة عرض الإطلاق على منصة Xbox One :

          شخص يقتل أصعب زعيم في Bloodborne بكل سهولة وبدون التعرض لخدش واحد      Cache   Translate Page      
Arti على اليوتيوب من الواضح أنه لاعب محترف جداً لألعاب Dark Souls و Bloodborne حيث تمكن من قتال أصعب زعيم في اللعبة بكل سهولة.

Arti بدأ في نشر عروض اللعب الخاصة به على موقع Reddit والكل بدأ يطالب في المزيد من العروض لمحاربة المزيد من الزعماء في لعبة Bloodborne، مقدم المحتوي قام بنشر مجموعة من العروض على اليوتيوب وهو يلعب Bloodborne ويواجه أقوي الزعماء في اللعبة.

لقد واجه Arti الزعيم Ludwig وواجه أيضاً Orphan of Kos وبعض الزعماء الأخرين بدون أن يجري أو يتحرك بسرعة أو ينقلب يمين أو يسار أو حتي يزيد من حياته ( لم يتعرض لأي ضربة من أي زعيم ) وكل الذي فعله هو المشي ببطئ ومواجهتهم بطريقة رائعة.

شخصياًَ أنتظر حتي يتم إصدار Sekiro Shadows Die Twice لأري كيف سيتعامل Atri مع الزعماء في تلك اللعبة ، لمشاهدة مواجهة الزعيم Ludwig :

          شاهد : عرض الإطلاق الرسمي للعبة Sekiro Shadows Die Twice      Cache   Translate Page      
إستوديو From Software أصدر اليوم عرض الإطلاق الرسمي للعبته القادمة Sekiro Shadows Die Twice والعرض حماسي ومميز جداً.

تفاصيل قصة اللعبة :

استكشف أواخر القرن السادس عشر في حقبة المقاطعات المتحاربة في اليابان، وهي فترة وحشية من الصراع المتواصل بين الحياة والموت، حيث تواجه خصوم أشداء في عالم مظلم وملتوي. أطلق العنان لترسانة من الأدوات الفريدة وقدرات النينجا المذهلة بينما تمزج بين التخفي والمواجهات الانفرادية العنيفة في صراع دموي ومثير.

إستوديو From Software هو نفس الإستوديو الرائع المُطور لسلسلة Dark Souls ولعبة Bloodborne وبالتأكيد لعبة Sekiro Shadows Die Twice ستكون هي الشئ الرائع الجديد من الإستوديو ، أفضل شئ في Sekiro أنها تقدم أسلوب لعب مختلف تماماً عن ألعاب السولز حيث ستتمكن من تسلق أماكن مرتفعة بشكل أسرع عن طريق الـ Grappling Hook وستستطيع أن تُنهي المهمات بالتخفي والتسلل.

Sekiro Shadows Die Twice تنطلق رسمياً على الحاسب الشخصي عبر متجر Steam وعلى منصتي PlayStation 4 و Xbox One في 22 مارس 2019، لمشاهدة عرض الإطلاق :

          شاهد أكثر من 20 دقيقة لعب من Sekiro Shadows Die Twice      Cache   Translate Page      
صدرت اليوم مجموعة من الفيديوهات الجديدة التى تستعرض لنا بعض دقائق اللعب من Sekiro Shadows Die Twice ويلعبها المطورين بأنفسهم.

مدة العروض حوالى أكثر من 20 دقيقة على الـ Playlist على يوتيوب وفي نهاية العروض تمت محاربة الـ Corrupted Monk وهو أحد الزعماء الذين ستقابلهم في بداية اللعبة ، هنالك عرض منهم مدته حوالى 13 دقيقة يستعرض مكان جديد كلياً في اللعبة بطريقة لعب تخفي وتسلل.

لعبة Sekiro shadows Die Twice من تطوير الإستوديو العريق From Software الذي قدم لنا سلسلة Dark Souls بالإضافة إلى الحصرية الرائعة Bloodborne على منصة PlayStation 4، الإستوديو قدم أشياء ممتازة مع تلك الألعاب وبالتأكيد سيعيد تلك التجربة الرائعة فى Sekiro، الجدير بالذكر أنه صدر عرض على قناة Digital Foundry يأخذنا في نظرة أولية على اداء اللعبة التقني ، لتفاصيل أكثر.

Sekiro Shadows Die Twice تنطلق على الحاسب الشخصي و PlayStation 4 و Xbox One في 22 مارس.

لمشاهدة مجموعة العروض :

          تعرف على السيارات الجديدة في The Crew 2 في شهر مارس 2019      Cache   Translate Page      
إستوديو يوبي سوفت أصدر سيارتين جديدتين في لعبة The Crew 2 في شهر مارس 2019 فدعونا نتعرف عليهما وعلى تفاصيلهما.

السيارتان هما :

1- Spyker C8 Aileron 2008 ، جسمها المصنوع من الألمونيوم وشبكتها الأمامية يعطيان حركتها لمسة عدائية قوية، تلك اللمسة ستُثير إعجاب المنافسين قبل أن تتركهم بعيداً في الخلف.

2- Mercedes-Benz AMG C63S Coupé 2016 ، تصميمها الرياضي والأنيق يخفي قدرتها الحقيقية على إظهار قوتها عندما يتعلق الأمر بالوصول إلى خط النهاية أولاً، تحت الغطاء هنالك محرك V8 بقوة 510 حصان وهذا المحرك مستعد لإطلاق العنان لقوته وإمكانياته الكاملة في أي لحظة.

إذا كنت من ملاك نذكرة الموسم " Season Pass " فبالفعل أنت حصلت على السيارتين في 6 مارس ، أما إذا كنت لاعب عادي لا تمتلك تذكرة الموسم فالسيارتين سيتم إضافتها لك في 13 مارس الجاري ، اللعبة متوفرة للشراء على الحاسب الشخصي و PlayStation 4 و Xbox One.

لمشاهدة العرض :

          نظرة على كل القدرات الخارقة في لعبة Control      Cache   Translate Page      
إستوديو Remedy Entertainment أصدر عرض جديد على قناة Game Informer يتحدث فيه عن القدرات المختلفة التي ستستطيع إستخدامها في اللعبة.

أولى القدرات ستعطيك الإمكانية بالحصول على سلاح مُعين والذي يمكنه أن يتغير لأشكال مختلفة ويكون لها قدرات مختلفة في مواجهة الأعداء.

القدرة الثانية بإسم Launch ويمكنك بهذه القدرة أن تقوم بسحب أشياء من البيئة وقذفها على أعدائك ، يمكنك حرفياً سحب أي شئ من البيئة وهذا أيضاً يعطي طابع رائع للعبة حيث يمكنك أن تري كل شئ يتدمر من حولك.

القدرة الثالثة بإسم Shield وأيضاً بهذه القدرة يمكنك أن تسحب أشياء من البيئة ولكنك هذه المرة ستضعهم أمامك ليشكلوا جدار حماية ضد طلقات وضربات الأعداء، مع الوقت يمكنك أن تُطور تلك القدرة لتجعل هذا الجدار يتم قذفه على الأعداء.

القدرة الرابعة هي Evade وبتلك القدرة يمكن للشخصية الرئيسية أن تتجنب ضربات الأعداء بشكل سريع جداً ، هنالك بعض القدرات الأخري التى يتم شرحها فى الفيديو ( سأتركه لكم في الأسفل ) وتلك القدرات الرائعة ستجعل تجرب اللعبة ممتعة جداً ومميزة.

لعبة Control من المقرر أن يتم إطلاقها على الحاسب الشخصي و PlayStation 4 و Xbox One خلال عام 2019، لمشاهدة العرض من قناة Game Informer :

          PUCP y Fortinet capacitarán a profesionales en ciberseguridad      Cache   Translate Page      
La PUCP se convierte en la primera universidad peruana afiliada al programa global de educación Fortinet Network Security Academy

La noticia PUCP y Fortinet capacitarán a profesionales en ciberseguridad fue originalmente escrita en Tecnología 21.

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          May secures “legally binding” changes to Brexit deal      Cache   Translate Page      

European Commission president Jean-Claude Juncker confirmed
on Monday that he has agreed to the "legally binding changes" in
British Prime Minister Theresa May's Brexit deal regarding the Irish border
On the eve of Tuesday's vote with MP's, May flew to the
French city of Strasbourg, where EU legislators were meeting, for talks with

          Изумительный узор крючком. Потрясающий снуд. Видео Мастер класс      Cache   Translate Page      

Вяжем снуд изумительным узором крючком по кругу.

Видео Мастер класс:

автор: Nataly Masters

          Art Shamsky (#119)      Cache   Translate Page      
Here is young Art Shamsky, with all of 96 major-league at-bats under his belt.

Shamsky was signed by the Reds in 1959, and played in the minors from 1960-64 until making his major-league debut in April 1965.

As a rookie, he was the Reds' 4th outfielder, but when the first 3 are named Vada Pinson (159 starts), Tommy Harper (156), and Frank Robinson (154), there's not much for you to do. 46 of his 64 games were as a pinch-hitter only.

With the trade of Robinson to the Orioles, Art saw his playing time increase somewhat in 1966. Not too much, as Deron Johnson took most of the outfield time left behind by Robby, with Shamsky making 63 starts.

By 1967, Pete Rose and even Lee May were in the outfield mix, so Art found less playing time than in '66. That November, the Reds traded him to the Mets for utility infielder Bob Johnson.

Shamsky jumped onboard the Mets' train 1 year before the Miracle 1969 season. He played in over 100 games in each of the next 3 seasons. Sure, the Mets had Cleon Jones, Tommie Agee, and Ron Swoboda, but in 1968 Shamsky started 64 games in left field, and another dozen each in right field and first base.

In 1969 he split right field with Swoboda, starting 61 times to Swoboda's 70. Art also filled in at 1B and LF occasionally. He hit .538 (7 for 13) in the NLCS, but was 0-for-6 in the World Series.

In 1970 he started 55 games at first base in relief of Donn Clendenon (Ed Kranepool having been sent to the minors), along with another 49 starts in right field.

Art's career began to fade in 1971, as he was demoted to 6th outfielder, playing only half the games he did in '70. He was traded to the Cardinals in October 1971, but released just before the '72 season.

He soon hooked on with the Cubs, but after 15 games in 2 months he was sold to the Athletics at the end of June 1972. He was released 3 weeks later, having only made 8 pinch-hitting appearances

After his playing career, Shamsky was (among other things) a Mets broadcaster and a New York sports radio host.

In the TV show "Everybody Loves Raymond", Ray Barone's brother Robert has a dog named Shamsky. Art even even made an appearance on the show.
          Guerra fría: imagen de un amor para armar      Cache   Translate Page      

Una canción recorre a Guerra fría. El lamento de un amor desdichado. Una canción que cambia según los tiempos y los lugares, una canción que se transforma como lo hacen sus intérpretes y sus creadores. El más reciente largometraje de Pawel Pawlikowski usa el tema musical como espejo del amor fracturado de Zula y Wiktor, pero también usa el paralelo para contar una historia menos obvia. La ficción de los amores que cambian según la historia, la ficción que encubre el desastre al que sucumben un par de individuos por otros y por sí mismos. Guerra fría muta en su breve metraje para ir más allá de una dolorosa historia de amor, para dar el relato opaco de personajes hundidos en la pesadilla de la historia. El largometraje bien no puede satisfacer a quienes evalúan las películas bajo la regla de las narrativas tradicionales, pues a pesar de su aparente convencionalidad, Guerra fría es un excelente cuento moderno sobre un amor desgraciado.

La trama de la película avanza rápida, con constantes elipsis. Los realizadores se satisfacen con narrar el contorno de la historia para dejar que los espectadores completen el relato. Zula (Joanna Kulig) y Wiktor (Tomasz Kot) se conocen como parte de Mazurek, un colectivo que retoma música polaca. La pareja inevitablemente se enamora. Pero su relación se ve entorpecida por el pasado de ella, por las constricciones y penas del régimen y, en últimas, por sus propias personalidades. No hay modo en que puedan vivir juntos, ni modo en que soporten estar separados.

Ahora, este drama se encuentra enmarcado en una historia mayor, una que evitar usar los estereotipos a los que han recurridos las películas sobre la Guerra Fría. El énfasis del filme está en mostrar el presente: un terreno ambiguo y voluble que no puede simplificarse a consignas del tipo de estar del lado correcto de la Historia. Ver ese presente puede resultar desorientador y frustrante, debido a que así no nos podemos aferrar a las ficciones simples que tendemos a aceptar. Guerra fría se mantiene fiel a ese tipo de narración en un soberbio ejercicio de síntesis que enlaza una tragedia personal y un crudo relato de la vida en distintos países europeos a mediados de siglo XX.

No es casual que la película inicie y termine con planos que parecen no puntuar el comienzo o el final para la película. El largometraje no se ajusta a las convenciones clásicas, sino que las distorsiona a la manera de la literatura y cine modernos: una en que se subraya el hecho de que realmente no hay principio ni conclusión alguna. Michael Sicinski propone que el montaje soviético unifica al filme como mecanismo narrativo, ya que un plano general es seguido por uno cerrado, o uno nocturno es seguido por uno diurno, y así. Esto no resulta consistente, sin embargo; y el mismo Sicinski lo anota; pero da pistas de que el filme escapa a los esquemas narrativos tradicionales que aparentemente usa. Pawlikowski imita también distintos estilos que se corresponden con los años en que ocurre su historia (e incluye guiños cinéfilos como colocarle al bar parisino en que trabaja Wiktor, El eclipse). Estas citas e imitaciones funcionan como las citas servían a autores modernos para darle un sentido distinto a los textos clásicos que usaban como base. La trama de un amor trágico es un hilo por medio del que también se puede observar los cambios que provoca el tiempo en nuestras ciudades, en nuestras canciones y películas y en nosotros mismos. La suma de estilos y motivos son solo rastros del modo en que imaginamos nuestra historia.

Una imagen puede contener toda una historia, también. En el filme hay un recurrente uso de los distintos campos visuales con que se narra tanto la historia de amor de sus protagonistas como el modo en que se relacionan con las comunidades en que viven. El individuo suele aparecer dentro de un grupo y la imagen lo subraya. Guerra fría condensa en una sola imagen todos los hilos narrativos que comienza. Al margen de la imitación de estilos y de tipos de montaje, aparte de las citas que evocan referentes culturales, el modo en que se cifra la historia es por medio de una imagen que es capaz de hacer una síntesis de la historia individual y de la del conjunto que la rodea. Un ejemplo de ello es la escena en que muestra cómo se celebra la exitosa primera presentación del grupo en Varsovia. En primera instancia vemos a Wiktor e Irena (Agata Kulesza) ver cómo los demás celebran en un bar frente a un espejo que refleja todo el lugar. Pronto se les une Kaczmarek (Borys Szyc), gerente administrativo que representa los intereses de régimen. Los felicita genuinamente conmovido. Y en tanto la escena es en primer lugar sobre ello, todo el tiempo el plano ha mostrado, en el desenfocado reflejo del espejo, a Zula mirar fijamente a Wiktor. Este es el comienzo de su relación que se entrelaza con ese otro relato sobre la recuperación artística de tradiciones, de la lucha y la sumisión a burocracias que imponen un discurso a la expresión popular. Guerra fría no separa a una y otra, sino las hace partícipes de una imagen que las resume.

William Gaddis afirmaba en un discurso sobre las religiones que todos nos dedicamos a urdir y vender ficciones para sentirnos más seguros. Ficciones que van desde un elaborado discurso político y religioso a una simple historia de amor. Guerra fría recuenta ficciones para que veamos cómo se transforman, para que veamos como aquellas nos hieren y nos mantienen vivos, pues nos hacen ser quienes creemos ser. La genialidad del filme se encuentra en revelarlas como ficciones a un tiempo de plasmar todas las emociones y pasiones que generan. El filme es más que una superficial y mecánica evocación de un pasado personal. Se trata de una película que surge de la nostalgia para describir las contradicciones de una pareja que vive atrapada en las contradicciones de las sociedades en que viven y en las suyas propias. Como espectadores hemos de completar ese cuadro, que a ratos parece inagotable. Guerra fría es un soberbio filme en que hemos de ir de excavando un amor para armar.

          La favorita: Pasiones reales      Cache   Translate Page      

Todos somos esclavos de nuestros deseos. Esta máxima fácil puede resumir a la sádica y divertida comedia, La favorita. La nueva película de Yorgos Lanthimos relata intrigas palaciegas que develan una nueva colección de patéticos monstruos. El que esta sea una película de época resulta, en buena medida, una formalidad, pues el filme vuelve a las preocupaciones sobre las que giraban los largometrajes anteriores del realizador griego. La favorita solo es una película de una época en la superficie. Se trata más bien de una comedia de enredos que revela la profunda soledad de unos personajes víctimas de sus pasiones. Aun siendo la película más convencional de Lanthimos, el filme rompe con algunos moldes del cine de época; si bien se atiene al desarrollo dramático más clásico, esto tiene como objeto descubrir el drama interno de sus protagonistas (y no recrear un momento histórico). La convención le sirve al realizador de base para narrar los triviales enamoramientos de una reina insegura.

Sus tres protagonistas: la reina Ana (Olivia Colman), Lady Sarah (Rachel Weisz) y Abigail (Emma Stone) buscan utilizar sus posiciones y artimañas para satisfacer deseos particulares. Ya sea saciar su anhelo de amor y afecto, o el deseo de llevar las riendas de una nación, o la intención de recuperar los privilegios de clase perdidos en un desventurado pasado. Estos tres propósitos se cruzan, estas tres mujeres se alían y se entorpecen entre sí. A pesar de sí mismas, ellas están destinadas a vivir relativamente insatisfechas, atrapadas en sus propias confabulaciones por adquirir lo que anhelan. Si bien La favorita no es verdaderamente novedosa, consigue hacer visible la fragilidad y el patetismo de sus personajes. Narra convincentemente la insatisfacción del deseo. Y en tanto que esto pueda no ser un gran descubrimiento, es suficiente para hacerla una buena película.

Las parábolas de Lanthimos nunca se han caracterizado por su sutileza. La favorita no es la excepción. Un ejemplo de esto es que para mostrar que los personajes son prisioneros de sus palacios utiliza de manera recurrente el gran angular, para que los veamos diminutos en sus inmensos aposentos. Más afortunado, en contraste, resulta el modo en que incluye sobreimpresiones que combinan a distintos personajes y lugares. Estas secuencias alteran el curso narrativo del filme para exponer una suerte de delirio, el delirio de quien vive una pasión. Así como hay deseos y propósitos entrecruzados en la trama, las imágenes se mezclan en un solo jeroglífico cuyo sentido ya no es transparente. En un par de secuencias los realizadores olvidan su comedia cruel y se concentran en la experiencia sensorial de una pasión real. La favorita quiebra (y usa) la convención para mostrar el delirio de un deseo, pequeños instantes de emoción insertos en una banal comedia de enredos. Y acaso eso sea todo (o por lo menos el realizador griego parece verlo así). El reconocimiento de ambos (el instante de deseo y la comedia manida que lo rodea) hace de esta la mejor película de Lanthimos a la fecha.


          Suspiria (2018) - Cine de terror sin miedo      Cache   Translate Page      

La frustrante nueva versión de Suspiria recuerda a aquel estudiante que presumidamente cree corregir a un profesor en algo que no está equivocado. Esta nueva película es gris y opaca, larga y profundamente solemne. El completo opuesto de la de Argento. Y en sí mismo esto sería elogiable de no ser porque vemos un filme perfectamente tedioso. La Suspiria de hoy no es únicamente una película de terror en que una joven bailarina se ve atrapada en una perversa conspiración, también es una confusa alegoría sobre los efectos del Holocausto y una vaga reflexión sobre la situación sociopolítica de la Alemania de los 70. Antes que ampliar nuestra perspectiva, estas alusiones parecen presuntuosos McGuffins con los que el filme busca elevar su relevancia (como si aquello fuera necesario). Para colmo, todo sirve a un desabrido melodrama que termina resolviendo conflictos que nunca termina de exponer en su largo metraje. Suspiria es una tortuosa forma de experimentar una nueva forma de tedio.

Ahora, este remake podría sumarse a esos vanos esfuerzos por reinventar innecesariamente el pasado. Ya no un Pierre Menard, como el Gus van Sant que rehízo Psicosis, sino un autor que utiliza el relato original para añadir un comentario histórico que no se sale de mera enunciación de referentes de toda índole. Un autor que quiere hacer unas notas al pie del filme original. Uno podía suponer que la intención del realizador italiano buscaba revelar un aspecto más sórdido escondido en un simple relato de horror, el horror de la Historia (y su redención). Como tal, Suspiria fracasa, ya que nunca persuade a su espectador de la importancia de esta Historia. El ejercicio posmoderno de Guadagnino desplaza el terror a un margen para poner en el centro conflictos más terrenales, conflictos más semejantes a los de otros filmes del realizador.

No hay lugar para el miedo en Suspiria. Una de las mejores secuencias del remake muestra la horrible transformación de Olga (Elena Fokina) mientras Susie (Dakota Johnson) demuestra sus habilidades en una suerte de trance. Olga muere víctima de un embrujo. Una muerte que, si bien sorprende, no produce horror alguno. Se trata más bien de una mecánica impresionante desprovista de cualquier emoción. A pesar de la increíble demostración de técnica de los realizadores de esta nueva Suspiria, el filme parece carecer de cualquier interés por explorar las emociones de sus criaturas (lo que resulta paradójico para un filme de terror, o para un melodrama). Primero están las indiscutible virtudes técnicas, primero están las elucubraciones de Guadagnino. En definitiva, el realizado remplaza el horror del original por una engreída muestra de su destreza, por un comentario político innecesario. Suspiria es cine de terror sin miedo. 


          La maestra de kínder: La ansiedad del entusiasta      Cache   Translate Page      

Contrario al lugar común, todos reconocemos, en mayor o menor medida, que el cine no es un lenguaje universal. Las muchas versiones de otras películas que se hacen en Hollywood de filmes exitosos en otras latitudes tienen como motivación más que el mero propósito comercial. Los motiva traducir lo extranjero para llevarlo a un terreno conocido, para hacerlo propio. Pero esto no es sino una forma de introducir un afortunado remakeLa maestra de kínder, el largometraje de Sara Colangelo, traslada ingeniosamente el original israelí a Nueva York, aun cuando al hacerlo lo reduzca y traicione (como pasa con cualquier adaptación). Al casi prescindir del aspecto trascendental y social del original, la versión estadounidense se concentra en el drama menor de un bienintencionada y fantasiosa aficionada. Esta película es más mundana, lo que acaso sea una evidencia de la diferencia que hay entre una cultura y otra.

Lisa (Maggie Gyllenhaal) lleva más de 20 años enseñando en un Kindergarten. Resulta evidente su aburrimiento. A pesar de su familia y de su trabajo, ella anhela ampliar su campo de acción, por lo que ha comenzado a tomar clases de poesía. La inaudita sorpresa de encontrar entre sus alumnos de preescolar una promesa de la poesía altera la tranquila abulia de la profesora. Celosa y fanática, Lisa convierte su deseo por proteger a Jimmy (Parker Sevak), su talentoso alumno, en su nuevo propósito vital. Los realizadores logran a un tiempo mostrar las razones por las que Lisa cree contribuir a su comunidad, así como lo carente de sentido común que es su proceder. La maestra de kínder relata la ansiedad del fanático que cree que sin su intervención ha de permitir que desaparezca un tesoro invaluable. La ambigüedad que tiñe a la película hace que no simplifique su trama a un cuento moralizante, ni a un alegato furioso en contra de una sociedad que desprecia a las artes. Colangelo prefiere exponer un relato turbio en el que simpaticemos con el delirio entusiasta de Lisa.

Ver una versión de una cinematografía distinta de una misma historia permite notar como se enfatiza, amplia o reduce un aspecto u otro de un relato, rastros de un sesgo cultural que acaso esté desapareciendo dentro de una creciente homogeneidad. La versión estadounidense de La maestra de kínder se centra en el drama individual de su protagonista al tiempo que limita la presencia de la religiosidad y el comentario social que permeaba al filme original. Para la realizadora, el centro se encuentra en esta profesora víctima del aburrimiento que de pronto cree haber hallado un modo de redención como promotora de un poeta. Este drama inquieta y emociona, en particular cuando vemos la cara de desasosiego de Lisa, quien busca salir de la prisión de sus frustraciones. No ocurre así cuando vemos a otros personajes, ya sean los hijos de la profesora, o su ayudante en el salón, o la niñera de Jimmy. Los personajes secundarios se limitan a encajar en un estereotipo determinado. Esto, no obstante, resalta la ansiedad de Lisa, su odio por el medio que la rodea, esto se vuelve una motivación para las decisiones que va tomando a medida que avanza el largometraje. De esta manera los realizadores consiguen mostrar en qué consiste la amargura y el inconformismo que caracteriza a la ansiedad del entusiasta.


          Roma: Ciudad fantástica, fantasmagoría de feria      Cache   Translate Page      

"El hombre ha imaginado una ciudad perdida en la memoria y la ha repetido tal como la recuerda. Lo real no es el objeto de la representación sino el espacio donde un mundo fantástico tiene lugar."
"La moneda griega" en Los diarios de Emilio Renzi, Ricardo Piglia

En La moneda griega Ricardo Piglia cuenta un proyecto asombroso y nimio: un hombre ha creado la reproducción exacta de una ciudad en una moneda. Roma, la más reciente película de Alfonso Cuarón, replica a su manera tal empresa. El largometraje revive los recuerdos del realizador en un conjunto que oscila de lo emocionante a lo insignificante. No hay duda de que el esfuerzo de producción para crear tal copia resultó monumental, si bien no todo lo monumental del filme tenga mucha razón en serlo. Roma es un buen largometraje minado por sus excesos estilísticos. Por supuesto, este tipo de filmes, ambiciosos y alejados de las fórmulas fáciles, resultan preferibles a la mayoría de los que se encuentran en cines o en línea. Sin embargo, esto no supone una aceptación acrítica de cualquier propuesta distinta. Así resulte indudable que la película conllevó un arduo trabajo para recrear el México de comienzos de los 70, y así el filme produzca emociones profundas (más truculentamente de lo que desearíamos aceptar), esto no implica que veamos una obra maestraRoma es una buena e irregular película, a pesar de todo el discurso hiperbólico que busca convertirla en un "hecho cinematográfico único".

El largometraje parte de los recuerdos del realizador mexicano. Se centra en Cleo (Yalitza Aparicio), una empleada doméstica que trabaja para una familia de clase media alta. Roma relata el trasegar de esta mujer, lo que sirve tanto para mostrar sus labores cotidianas como para incluso entrever la masacre de Corpus Christi. Para este efecto, los realizadores han compuesto un melodrama que sirve como excusa para juntar tanto la imagen de una circunstancia histórica, como el relato personal de una mujer, una historia común y corriente, emocionante y aburrida. El largometraje logra su mejor efecto cuando conjuga su espectacular panorámica con la fascinación de un recuerdo o con la emotividad pura que dejan las tragedias y alegrías cotidianas. Sin embargo, el filme incluye también imágenes de insulsa espectacularidad, el diario vivir se vuelve una excusa para impresionantes secuencias sin mayor relación con la narrativa o dramaturgia que plantea. Una suma de intenso drama y profundo aburrimiento como la vida misma pensarán algunos, citando el nombre de un horrible melodrama que hasta hace poco se exhibió en cartelera. Roma no es un filme moderno sobre nuestra mediocre y, a ratos, trágica cotidianidad, sino un melodrama amplificado por magníficas secuencias y rellenos aburridos presentados con excesivo gigantismo.

La intención de revivir un pasado a partir de los recuerdos se vuelve el centro de la producción. Con ello en mente, los realizadores recurren, con mayor frecuencia de lo deseable, a largos plano- secuencias que ya sea siguen a un personaje en la calle o a su recorrido en una habitación en una imagen de 360°. Roma deslumbra y distrae por su técnica. En escenas como la de la mencionada masacre de Corpus Christi, o el dramático final en las playas de Veracruz, su uso amplifica el horror y da una sensación de dramática continuidad respectivamente. No obstante, su utilización constante termina por disminuir estas impresiones, pues casi que cada salida de Cleo a la calle, o casi siempre que atraviesa el primer piso de la casa, vemos un plano-secuencia o un plano de 360°. Al punto que esto más parece un tic que alguien involuntariamente no puede evitar. Estos recursos quedan reducidos a la capacidad impresionante de las atracciones de feria para reproducir un lugar hasta el más mínimo detalle, sin mayor conexión con la narración del filme mismo. Curiosamente, cuando la película no recurre a ellos, llega a ser más evocativa. Al inicio, cuando vemos por primera vez la llegada de Antonio (Fernando Grediaga), el padre de la familia, en un inmenso Ford Galaxy que apenas cabe en el garaje de la casa, se muestra la fascinación que tiene un niño pequeño al ver llegar a su padre. El mostrar por partes al carro y el cuidado del padre da pie tanto para la ironía (pues no hay nada sobresaliente en parquear un carro que incluso pisa un bollo de mierda dejado por el perro de la familia), como para esa sensación de nostalgia que deja un recuerdo cierto. Todo se ve en planos cortos. Esta escena genial no es una muestra de lo que es técnicamente, en líneas generales, Roma. Pero si una evidencia que la mera reiteración de una asombrosa técnica no necesariamente da un mejor resultado narrativo.

Las virtudes de la película no se relacionan siempre con su técnica, por ende. Roma emociona cuando logra conjurar recuerdos, cuando hace de toda su parafernalia la excusa para evocar tiempos idos. Por eso resulta incomprensible que se intente justificar al filme añadiéndole intenciones que en realidad no demuestra, empezando por su propio realizador. No se trata de una obra feminista (a menos que creamos que el hecho de mostrar que una historia contenga el abandono de un hombre a una mujer equivalga a una obra feminista, lo que aumentaría exponencialmente su número), ni una denuncia de lo que sufren las empleadas domésticas. Si se entra en análisis, la película muestra la labor doméstica como un trabajo cuasi idílico en la que se tienen muchos menos problemas y frustraciones que, digamos, en el trabajo de oficina. No, Roma ni vindica a la mujer, ni a la labor doméstica. Es un filme que rememora una época, lo que implica la distorsión de aquello que realmente ocurrió. La película exhibe buena parte de las contradicciones a que vivimos sujetos, lo que de paso no hace que encaje en lo que se ve hoy como políticamente correcto. La intención de hacer que el largometraje se ajuste a esos parámetros en realidad no se corresponde con la película misma. 

Russell, el hombre del que escribe Piglia en La moneda griega, quiere recrear un momento en el tiempo de una ciudad. Su intención, además, consiste en emular la emoción que provoca el recuerdo. Un objetivo parecido al de Roma. Una película que de hecho por momentos lo consigue (y aquello es suficiente para cualquier película en realidad). También es cierto, claro está, que los realizadores abusan de sus recursos técnicos, al punto de que el melodrama que sirve de base se vuelve una figura menor entre la multitud de figuras, lugares y tiempos que muestra. Tanto que a veces uno pierde vista a Cleo en las calles de México. La fascinación del recuerdo se ahoga en la composición que busca revivir una ciudad de fantasmas, en otra fascinación más propia de las fantasmagorías de feria. Roma tiene segmentos de genuina emoción que reviven, como ocurre con los recuerdos, un tiempo pasado. Esa ciudad de recuerdos a veces se ve atrapada por otras secuencias de mera destreza técnica, esa ciudad de recuerdos se ve opacada por una ciudad fantasmagórica que la película ha tenido el orgullo innecesario en revivir.


          Pájaros de verano      Cache   Translate Page      

El fin de una cultura. Este pudo ser el prometedor centro de Pájaros de verano. El  ambicioso largometraje de Cristina Gallego y Ciro Guerra deja un sabor agridulce. Aun cuando muestra una estimulante mezcla entre cine de género y rasgos más propios del documental, presenta un árido tratamiento de su conflicto central: la destrucción de unas vidas y una cultura a merced de la violencia que trae el narcotráfico. Esa sensación se produce, en buena medida, porque el relato que termina contando se asemeja a tantos otros que giran sobre la destrucción que provoca la incursión de inocentes en el mundo criminal. El apego a la convención nos provee de una guía y disminuye nuestro interés. Pájaros de verano se conforma con ser una buena película, mientras desperdicia la oportunidad de ser un filme excepcional sobre el principal drama del país en los últimos 50 años: el surgimiento de una cultura que ha trastocado las relaciones sociales y económicas. De cualquier manera, debe resaltarse que ese vacío parte de la propia ambición del filme. Los realizadores continúan con una suerte de reconstrucción de relatos de una Colombia que ha sido invisible para la mayoría de sus habitantes como objeto de su filmografía. Su empresa parece ser volver épico una serie de vidas que han sido dejadas al margen. El resultado es una película desigual que en su afán de abarcar un gran espectro termina por oscurecer aquello que en principio ponía como eje principal.

En el principio está el encierro. Zaida (Natalia Reyes) se convierte en mujer. Durante la ceremonia posterior al encierro, Rapayet (José Acosta) baila con ella y decide que debe volverla su esposa. Úrsula (Carmiña Martínez), la madre de Zaida, le pide una dote con la que no cuenta el pretendiente. Entonces surge la posibilidad de satisfacer tales exigencias a través de los réditos de un negocio emergente: traficar con marihuana. Rapayet incursiona en este con la ayuda de su amigo Moisés (John Narváez) y su familiar Aníbal (Juan Bautista). Y así Rapayet logra casarse con Zaida. Pero con el tiempo vendrán también los problemas. Los asesinatos y las venganzas se irán desencadenando del modo en que ocurren en las fábulas aleccionadoras. Pájaros de verano se divide en cantos, como si imitara las epopeyas, como si imitara los mitos wayuu. En tanto, el filme recupera tradiciones que viven en las orillas, su desarrollo dramático sigue el de los relatos morales occidentales. Por tanto, el filme de Gallego y Guerra se encuentra más cerca de películas épicas como Lawrence de Arabia que a los mitos de culturas como la wayuu.

La estructura episódica le permite al largometraje abarcar una gran extensión de tiempo en la que múltiples cambios ocurren. De esta manera, Pájaros de verano avanza como un conjunto de viñetas en las que se narran distintos capítulos de las vidas de sus personajes. Hay imágenes memorables en ellas: como la de un desierto en que una plaga ataca un asentamiento como si se tratase de una escena bíblica. O, por ejemplo, la fascinante escena que muestra el modo en que los restos de uno de los miembros de una familia wayuu son tratados al sacarlo de su ataúd. La conexión entre estos episodios no resulta siempre afortunada, sin embargo. Ya a mitad del filme, los personajes van cambiando sin tener un espacio para hacerlo. La conexión entre un canto y otro se va volviendo difusa; y antes que un clímax, la película se va volviendo una suma de capítulos: unos más interesantes que otros. Pájaros de verano ni se constituye en un filme coral como Goodfellas, ni en uno épico al estilo de Lawrence de Arabia. En contraste, la sensación que domina el final es de desconexión en la que no se puede identificar si el conflicto central gira en torno a Zaida como víctima de un sistema cerrado, o a Rapayet por caer en la tentación de un negocio con consecuencias fatales, o a Úrsula que vacila entre satisfacer su ambición y apegarse a la tradición. 

En el segmento final de Pájaros de verano, el filme parece alargarse sin razón. Los distintos hilos se van atando en una coda cuya conclusión no se ve a la vista. Curiosamente, se trata de un rasgo que también comparte con Lawrence de Arabia. La película de Lean concluye de un modo anticlimático, con su protagonista desilusionado después de todas las empresas que emprendió en el desierto. Así es como el mundo termina, con un gemido y no con una explosión, dice el poeta. La muerte ya la vimos al principio de Lawrence de Arabia, la muerte ya no importa. A falta de Lawrence, a Pájaros de verano le hace falta un personaje, o un motivo, que conjugue toda su narración (ya que el largometraje de Gallego y Guerra no es ni moderno, ni posmoderno, es clásico). Bien hemos podido ser espectadores de la desaparición de todo un mundo cultural sin mayor emoción. Y en ello radica la diferencia entre una película y otra. Una historia no resulta importante por el mero hecho de enunciarse como relevante, sino por persuadir a su espectador de su relevancia. Es en ello en que falla Pájaros de verano. El aceptable largometraje nos hace partícipe de un drama crucial en nuestra historia, al tiempo que visibiliza una cultura e intenta amalgamar sus tradiciones con distintos géneros cinematográficos. Infortunadamente esto no termina de traducirse en emoción alguna. El fin de un mundo nos deja indiferentes, una vez más.


          Misión imposible: Repercusión (Mission Impossible: Fallout)      Cache   Translate Page      

Nostalgia, vértigo y repetición. Una fórmula que hoy parece imbatible. Una fórmula que algunas veces parece llegar a la perfección, hasta que otro blockbuster demuestra que se puede todavía hacer una película mucho mejor. Visto en perspectiva, esta es la vida a que se atiene muy buena parte de los largometrajes del cine comercial, la vida que tiene Misión imposible: Repercusión (Mission Impossible: Fallout). La divertida nueva entrega de una serie que parece infatigable. Hoy celebrada, mañana desplazada por un largometraje superior. Un ciclo que da una sorprendente lectura de nuestra forma de juzgar: quizás nos apresuramos en señalar las virtudes debido a nuestro entusiasmo y cerramos los ojos ante sus evidentes fallos. Pero también resulta excesivo elaborar tanto sobre un filme que únicamente intenta ser divertido y ligero. Tanto como lo es señalar las implicaciones reaccionarias que tiene toda la serie Misión Imposible. La última entrega avanza vertiginosa y esquemáticamente. Casi sin dar pie a un descanso, la película mantiene a su espectador concentrado en las espectaculares secuencias de acción. El valor de MI 6: Repercusión (no hay broma intencional) no reside en la originalidad, sino en ajustar la fórmula. Christopher McQuarrie repite como director y mejora aquello que ya había hecho en la entrega anterior. Ya hemos visto la película que se estrena hoy, aquí McQuarrie la dirige con mayor habilidad. Claro está, cuando el vértigo se detiene, o cuando algún personaje debe dar alguna explicación para que se desenvuelva la trama (pues no se debe olvidar que en estas películas no hay espacio para la ambigüedad), surgen los pequeños vacíos. En algún punto, Solomon Lane (Sean Harris), un villano, aclara cuál es el objeto de su maquinación, pero luego se nos revela que aquel no es el villano sino Benji (Simon Pegg), un agente aliado del protagonista usando una máscara. Todo bien con ello, si no fuera porque más tarde en la misma secuencia le dirán a Ethan Hunt (Tom Cruise) que el objeto de la maquinación del villano es la misma que dijo el villano que no era villano. Confuso, ciertamente. Tanto que hasta los guionistas pudieron confundirse. Lo enrevesado de las intrigas pueden conducir a vacíos narrativos, la virtud de MI 6: Repercusión radica en ocultarlas en su sorprendente sucesión de ruido y furia, en minimizar el efecto de déjà vu que acecha a quien ya haya visto otra película de la serie. Esta nueva película no tiene nada particularmente inventivo o destacable, y aun así es divertida. 

Con la serie de películas de Misión Imposible, el cine comercial ha encontrado su sustituto a la serie de James Bond. Una que parece estar más sintonizada con las audiencias de hoy de lo que lo está el agente secreto británico. Las virtudes de la entrega de hoy son aquellas que hicieron que Bresson elogiara Solo para tus ojos. Hay asombro por largas secuencias de la película de McQuarrie. También hay un exceso de metraje típico de las películas comerciales actuales. MI 6: Repercusión bien hubiera podido existir sin durar las dos horas y media que parecen deben durar todas las películas de su estilo. También existe la tiranía de la diversión con la que se puede elevar a una película corriente a la altura de "clásico de cine". No se demerita en nada a esta nueva película al señalar que se trata de un buen filme de acción y nada más. La amplia buena recepción de MI 6: Repercusión recuerda esa absurda polémica que desató la entrevista de Ethan Hawke. Sí, el filme de McQuarrie es sumamente entretenido. Pero aquello no lo hace más que eso. Vale también preguntarse entonces la diferencia que debía haber entre los juicios de la crítica y la de los fanáticos. Aquí entra la sentimentalidad de la nostalgia. Hace ya mucho tiempo los productores de Hollywood comprendieron que, si habían de sobrevivir, debían aferrarse a un glorioso pasado. Reciclar los productos pasados como si se tratara de tesoros irreemplazables. Esto es bastante cuestionable en lo que se refiere a la serie Misión Imposible. De modo paradójico, una serie menor se convierte en una de las apuestas seguras del cine comercial estadounidense. Mientras sus protagonistas puedan repetir sus persecuciones, sus largas secuencias de Ethan Hunt corriendo o aferrado a un edificio o a una montaña, habrá más secuelas de esta serie. Luego, tendrán que rebuscar en el pasado para reinventar su futura fórmula.

          El legado del diablo (Hereditary)      Cache   Translate Page      

¿Se puede escapar al mal?  La ópera prima de Ari Aster gira en torno a una premisa que responde tal interrogante. Si se carga con el Mal, no hay forma de zafarse de él. El legado del diablo (Hereditary) abre como una historia sobre las historias de terror y concluye como una cinta de terror corriente. Todo esto mediado por un tenso y a menudo sorpresivo retrato de las tensiones de una familia. Quizás sea el mejor momento de utilizar el manido comentario sobre el de que nos enfrentamos a una buena película de terror con un final decepcionante. En El legado del diablo esto es tristemente cierto, pues al tratar de armar todas sus piezas para una (no muy) sorprendente resolución final, se disminuye el horror real que habita el filme. Uno que está lejos de relacionarse con los demonios y los seres de ultratumba. Un horror que surge de las relaciones familiares y de sus conflictos. Mientras la película gira en torno a esto, se trata de un filme espléndido. No obstante, luego llega al final con sus respuestas obligadas. 

Ahora, el malestar que me provocó el final se deriva de renunciar a cualquier amago de ambigüedad, a optar entonces por un final que al revelarlo todo apacigua los miedos con que juguetea en buena parte de su metraje. Ya decía Piglia que todo cuento narra dos historias (una explícita y una secreta), y del mismo modo se puede decir del cine de terror. La historia explícita de El legado del diablo discurre sobre demonios, satanismo y una herencia maligna; en contraste con esto, la historia secreta se implanta a través de un juego metanarrativo en que Annie Graham (Toni Collette) representa todas las escenas de su vida real como siniestras casas de muñecas. En dicha historia secreta, el mal surge de la en apariencia vulnerable Annie. Aster le quita todo énfasis a este relato secreto, sin embargo; su fascinación por los mecanismos del horror en el cine es más fuerte que su deseo por explorar las contradicciones y honduras de las relaciones familiares. De manera opuesta a la magnífica Babadook, el sustrato real se va borrando hasta que el final fantástico hace de su largometraje una simple fábula horrible. Por supuesto, este tipo de historias tiene su mérito (y sus fanáticos). En mi opinión, esto demuestra que a veces es preferible escapar a la convención, así no se pueda escapar al mal.


          Bogotá según Hollywood      Cache   Translate Page      
A propósito de Sicario: Día del soldado

Hace dos semanas se estrenó en salas de cine, sin pena ni gloria, Sicario: Día del soldado; suerte de secuela de la película del mismo nombre. A mitad de su metraje, con los intertítulos con que se identifican cada lugar como si fuera una obligación, aparecía el nombre de Bogotá, Colombia. En la noche, Matt (Josh Brolin) atravesaba calles adoquinadas y se colaba por un balcón de metal en un apartamento. Nada sorprendente en ello. Excepto que ni las calles adoquinadas ni el tipo de arquitectura de estos edificios son comunes en Bogotá, ni esas imágenes daban idea de lo que es la ciudad. Mientras que para alguien que no haya pisado la ciudad esto puede verse como una manera plausible de mostrar a la capital colombiana, no lo es para quienes la conocen o viven allí. Al notar esta inexactitud no quiero quejarme por lo que considero una manera injusta de representar a Colombia. Los lugares del cine no tienen que ser necesariamente una copia de los lugares en que vivimos, la ficción es la libre de inventar circunstancias y ciudades. No obstante, la ficción responde a una serie de suposiciones sobre las realidades. Este texto busca iniciar una descripción que indague actitudes y juicios preestablecidos que se pueden inferir de algunos ejemplos puntuales sobre el modo en que Bogotá ha sido representada en el cine. En otras palabras, este es un recuento de lo que es Bogotá como lugar ficticio, y no como la metrópoli que es.

En Peligro inminente (Clear and Present Danger) el agente de la CIA Jack Ryan (Harrison Ford) se ve envuelto en una conspiración que involucra una fuerza paramilitar auspiciada por el gobierno estadounidense para luchar contra los carteles de la droga.  Ryan tiene que venir a Bogotá, una ciudad llena de edificios encalados en cuyas terrazas se apostar francotiradores con metralletas y bazucas. Las imágenes combinan a una ciudad que se asemeja a la Bogotá real con lugares más parecidos a una ciudad mexicana. Latinoamérica fue asimilado como una extensión de México. Colombia se distinguía entonces por ser un país sumido en los atentados que perpetraban los carteles de la droga en las grandes ciudades, lo que ha pervivido como imagen de un país que se imagina como campo de batalla hasta en sus capitales. Y en tanto es innegable la violencia colombiana, la espectacular sucesión de explosiones y tiroteos corresponde más al cine de acción al que pertenece la película. Bogotá no es más que una extensión de los pueblos de los westerns vueltos ciudad. Un sitio más como aquel al que en concluía The Wild Bunch, con forajidos estadounidenses enzarzados en un sangriento tiroteo. De hecho, casi así debe entenderse que la escena del tiroteo ocurra en una calle que parece más pueblo del oeste –pueblo del norte de México– que capital. 

El mismo año en que se lanzó Peligro inminente, se estrenaba El especialista. Película de acción que comenzaba en Bogotá, un lugar ubicado en medio de la selva junto a una represa. Mientras la ciudad no aparecía en la secuencia, este largometraje parece imaginar a la capital colombiana como un sitio perdido en la jungla. El trópico equivale a selva. Más recientemente, en Sr. y Sra. Smith, vemos a esa Bogotá de clima cálido. Una ciudad que sigue siendo sacudida por las explosiones, como por los militares de uniforme caqui. La pareja protagonista se conoce bajo los tórridos rayos solares y la vegetación exuberante de la selva. La apariencia no cambia el fondo, sin embargo. Colombia, y Bogotá más exactamente, sigue siendo un feroz campo de batalla en que la lucha de grupos criminales asalta a los pobres ciudadanos del común. Una visión simplificada que sirve para proveer de telón de fondo a las convencionales tramas de acción que pueden ocurrir en cualquier lugar. La inexactitud de los detalles es una consecuencia de que se trata de un mero espacio necesario para ejecutar una acción que bien hubiese podido ocurrir en cualquier otro sitio –ya sea el modo en que Ray Quick (Sylvester Stallone) descubre que uno de sus compañeros es un psicópata, o que la pareja de los Smith se conoce–. Ahora, resulta útil anotar que, aunque se filmen esas imágenes en la ciudad, el resultado puede ser similar. Al ver el tráiler de Mile 22, tengo la impresión de que se sigue con esta tradición. A pesar de que las imágenes sean tomadas en Bogotá, la capital parece ser descrita como el anónimo sitio en que un nuevo filme de acción tiene lugar. Me apresuro a juzgar, no obstante, pues solamente tengo un avance como base de mi juicio. En todo caso, creo que no descubro nada al afirmar que muchos de los prejuicios se perpetuaran dentro de una industria que sigue produciendo largometrajes con narraciones esquemáticas como base de su producción fílmica.

Volvamos a Sicario: Día del soldado. El breve pasaje por la capital no resulta relevante en un filme que procura dar una visión un tanto más matizada de la guerra contra las drogas. Si bien esta segunda entrega termina ajustándose más a los tópicos de las películas de acción, la historia puede leerse como un cuestionamiento a las políticas estadounidenses a este respecto. Sus intenciones se ven menguadas por combinar el cine de género con una estética más próxima a la de filmes como Zero Dark Thirty. Los realizadores no logran unirlos en Sicario: Día del soldado. El largometraje se convierte en una desigual mezcla que es más incoherente que lúcida. Ahora, al tratar de mostrar una imagen más real sobre la lucha contra las drogas resulta un tanto más incómodo su representación de Bogotá. Con tal propósito uno supondría que las imágenes serían más fieles con lo que es la ciudad. Pero en la noche, la capital no es sino un sitio donde quienes se ocultan pueden volverse invisibles. Acaso esa sea la visión que tengan de nosotros, en todo caso. Acaso esa sea nuestra ciudad, aunque nos neguemos a aceptar la posición que ocupamos para nuestro pesar. Bogotá no es más que un peaje en una historia mayor, no es sino un peón en la lucha contra las drogas. Con lo molesto que pueda resultar, ¿no es ese el lugar que muchos de nuestros gobiernos han aceptado cumplir frente a Estados Unidos? Ver las demás realidades de la misma ciudad depende del cine que se produzca en Colombia. Claro, sin olvidar que esas realidades pueden ser de nuestro gusto o no.

          Isla de perros      Cache   Translate Page      

No hay sorpresas en el nuevo encantador filme de Wes Anderson. Ya conocemos bien la atracción que produce el relato del underdog, el perdedor al que le cambia su suerte (en esta temporada futbolística ya habrá mucho de eso). Isla de perros recicla viejos trucos en el panorama insólito de un terreno extranjero. Una combinación que le da un nuevo aire a lo que puede sonar a relato manido: el de unos personajes débiles que desafían a unos malvados poderosos para deshacer una injusticia, el de un niño que demuestra su amor por su mejor amigo, su perro Spots, al estar dispuesto a sacrificarlo todo por rescatarlo. El cruzar un hilo narrativo relativamente predecible en un panorama extraño da ese aire de genuina fantasía que proyecta Isla de perros. El Japón que ha inventado el equipo de animadores y Anderson se constituye realmente en un mundo nuevo, pues se trata de un híbrido que proviene más de la imagen de un Japón que se deriva de películas, series, pinturas y literatura. Un Japón que es un reino fantástico para que Anderson pueda dar rienda suelta tanto a sus característicos tropos, como a homenajes a diversos artistas y directores. En sí mismo esto puede no ser suficiente para hacer una buena película, pero sí le sirve para adicionarle novedad a una nueva variación que propone el realizador norteamericano sobre el relato de un héroe inesperado. Isla de perros resulta un ejercicio sorprendente de reutilización de diversas fuentes para alabar la memoria de los que son héroes con todo a la contra.

El tono con que abre el largometraje es épico. En un prólogo se cuenta la lucha entre una poderosa dinastía y unos animales indómitos que estuvieron al borde de la desaparición, los perros. Este es el origen de la disputa que propiamente tiene lugar en Isla de perros. La gripe canina ha afectado a toda esta población en la ciudad de Megasaki. El alcalde Kobayashi (Kunichi Nomura) ordena el destierro de todos los perros de la ciudad con el fin de prevenir que la enfermedad pase a los humanos. Los cánidos son aislados en la Isla de la Basura. Desafiando la prohibición, Atari (Koyu Rankin), sobrino del alcalde que está bajo su tutelaje, vuela en un avión hasta la Isla para rescatar a su perro Spots (Liev Schreiber). Un grupo de perros hambrientos, tanto por su situación como por falta de dueño, se decide a ayudar a Atari. Rex (Edward Norton), Boss (Bill Murray), King (Bob Balaban) y Duke (Jeff Goldblum) inician la búsqueda acompañados por Chief (Bryan Cranston), un perro callejero que los sigue a regañadientes, a pesar de alegar no haberse dejado domesticar por amo alguno. La aventura tendrá como enemigos a las fuerzas del alcalde que conspiran para eliminar a los animales. Isla de perros se desenvuelve en el terreno reconocible del perdedor que por una vez resulta vencedor. El tono épico inicial es remplazado casi al instante por el de una parodia geek y un homenaje en clave de fábula que domina la película entera.

Precisamente en el comienzo Anderson nos pone las claves de su película, el paródico Haiku con que se cifra la lucha es el verdadero tono de Isla de perros. Uno que encuentra humor y admiración en un mundo ajeno (Japón). El arte del realizador estadounidense se conecta con una observación sobre los distintos "absurdos" que rodean nuestras vidas: desde figuras de lenguaje que son trasladadas como realidades concretas hasta la forma ya más caricaturesca con que se muestra el teatro No. Por momentos, los filmes de Anderson funcionan como una máquina de engarzar sus chistes con una historia como excusa, con un relato como peaje obligatorio. Más en unas películas que en otras. Más en Isla de perros que en Rushmore, por ejemplo. Sin quitarle importancia a la trama, Isla de perros se sostiene por el estilo.  Un estilo que nos lleva a concentrar nuestra atención en el modo en que un chef prepara distintos platos japoneses como un bello espectáculo de horror y crueldad, antes de como un simple momento en que se muestra información sobre el desarrollo de la película. El estilo se impone sobre la narrativa, sin por esto querer decir que se ha puesto a la narración a un lado. 

El estilo es un país por derecho propio. Desde antes del estreno hubo discusiones sobre el modo en que los realizadores se apropiaban de una cultura ajena, y ya después de dicho estreno algunas interpretaciones alegaban que en la narración se establecía una superioridad occidental (uno de los personajes claves para que se resuelva la historia es de origen estadounidense). El mundo de Isla de perros no ocurre en nuestra geografía, sin embargo. De hecho, la historia del filme puede entenderse como una parábola en que los injustamente marginados se rebelan, marginados que tienen mucho en común con la situación de los inmigrantes hoy. En el centro de la película, más que en otros largometrajes de Anderson, se nos confronta con la pregunta por el otro. El gesto de mantener a los japoneses hablando en su propio idioma –muchas veces sin traducción– y limitar el inglés a los perros y a algunos personajes puntuales remarca la diferencia que hay entre unos y otros. Este rasgo apunta a un lugar de encuentro. Isla de perros cuenta un encuentro, acaso utópico, con el otro (el hombre y el perro, los estadounidenses y los nuevos inmigrantes). El que las barreras culturales, de especies en el filme, se puedan acortar indica que aun con toda su vena irónica, Wes Anderson es un idealista. La plausibilidad del encuentro radica en que los realizadores han sabido amalgamar las distintas fuentes a través del estilo. Esta unión es posible y creíble en el Anderson Country; un lugar que nos resulta más habitable que otros territorios reales.


          Después de la tormenta      Cache   Translate Page      

Two friends asleep
years locked in travel
Good night my darling
as the dreams waved goodbye
-Leonard Cohen

Contar un final resulta agotador. Los finales pueden durar días, meses, años incluso. Después de la tormenta relata una larga jornada en que su protagonista logra, por fin, aceptar su presente. El filme de Hirokazu Koreeda hace palpable la sensación de desolación y melancolía de quien sufre por tratar de revivir una relación acabada. En el tono menor que caracteriza los últimos largometraje del realizador japonés, Después de la tormenta concentra nuestra atención en las en apariencia mínimas transformaciones diarias de una galería de caracteres humanos del Japón contemporáneo. Una estética que tiene como precedentes tanto a Ozu como a Chéjov. Koreeda limita la narración al transcurso de un largo día durante el que Ryota (Hiroshi Abe) intenta conciliarse con su pasado, así como con su ex-esposa y su hijo. Tal como ocurre en nuestra cotidianeidad, nada sucede de repente. Cada día parece una variación mínima de un día ya vivido. Después de la tormenta elude las soluciones fáciles. Este melodrama evita la tan favorecida historia de las segundas oportunidades. Más bien, en el rescate de la peculiaridad de la historia de sus protagonistas, se encuentra un sucedáneo de redención, y no en el torcer el destino de manera más dramática. Curiosamente, si se puede criticar algo en la película es en que situaciones y personajes estereotípicos aparecen con frecuencia. Por ejemplo, el modo en que se delinea la relación del hijo de Ryota con el novio de su madre, o el papel que juega Shinoda Yoshiko (Kirin Kiki), la madre de Ryota, ya que estas no se salen de esas  formas preestablecidas en que el posible padrastro resulta un personaje antipático, o en que la madre siempre es comprensiva y afectuosa.

A pesar de ello, el drama central de Ryota conmueve. El deseo de Ryota por escapar a la sombra de su padre ha sido infructífero, su frustrada carrera como escritor lo ha visto conformarse con un trabajo que detesta, su fracasada relación con su ex-esposa lo obsesiona. Todas estas situaciones no son obstáculo para sentir empatía por el protagonista, para comprender, pues, la carga que lleva en sus hombros. Sin pintarlo con excesivo sentimentalismo, la película logra construir un retrato humanista y compasivo. Después de la tormenta logra convenir la desazón de quien ha caído en un aparente callejón sin salida. En las escenas finales del filme se alcanza a vislumbrar una luz. Aceptar un presente al tiempo que conciliarse con el pasado puede ser el primer paso para superar lo que parece como una situación sin salida. Koreeda nos persuade, con un dejo sentimental, de la autenticidad de su retrato. Después de la tormenta narra el cierre de un drama menor, que como sabemos no empieza ni se cierra como solemos imaginar, sino que avanza con el paso lento que lo hace nuestro día a día.


          Verano 1993      Cache   Translate Page      

Es de noche cuando Frida parte para su nuevo hogar. Todavía no sabe muy bien cómo será su nueva vida, ni en qué consiste el vacío que han dejado sus padres. Verano 1993 reconstruye los meses en que una niña se ve obligada a hacer parte de una nueva familia al haber perdido la suya. Sus realizadores son fieles a la perspectiva de su protagonista, como también lo son al avance cotidiano, extraño a las inflexiones dramáticas recurrentes. La ópera prima de Carla Simón hereda tanto de Ozu como de Rohmer. La aparente ligereza de su anécdota da pie para una reconstrucción detallada de la vida diaria de su protagonista, a la vez que busca indagar en el modo en que la obligada inserción de una niña en una nueva familia afecta a la niña y transforma las dinámicas familiares.

Con base en su propia experiencia, la realizadora española fabula a partir de los recuerdos. No es una copia exacta de hechos pasados, sino que se utilizan estos como puntos de partida. La autobiografía da una materia prima con la que se puede dibujar el día a día de un niño que cambia de entorno. A pesar de que el aire personal invoque a Truffaut (y sus filmes sobre Antoine Doinel), la perspectiva se asemeja más a la de Rohmer y sus Comedias y proverbios. Las anécdotas en apariencia intrascendentes eran las fuentes desde la que se revelaban los dramas mínimos de unos protagonistas que así develaban su naturaleza. Así también ocurre en Verano 1993. Por ejemplo, el modo en que a Frida le afecta la pérdida de su madre va revelándose paulatinamente, a través de ritos íntimos como el llevarle objetos a una figura de la Virgen, quien intervendría para llevarlos a su difunta madre. Simón, entonces, continúa una tradición de relato moderno en que los conflictos salen a la luz de manera oblicua, del mismo modo en que ocurre en la cotidianeidad.

A medida que pasan los minutos, el drama interior se va develando. La difícil inserción en una familia, la carga del duelo, la estigmatización de quienes se sospechaban eran portadores del VIH. Verano 1993 sobresale porque muestra todos estos conflictos como resultados naturales del ajetreo cotidiano. La inadecuación que siente Frida aparece como consecuencia de sucesos casi intrascendentes (un regalo de su abuela, un enfado con su hermanastra, etc.), se van acumulando para crear de manera progresiva el retrato de una niña sumida en el trance de pasar de una familia a otra, de una vida a otra. Verano 1993nos confronta con la realidad del duelo en los ojos de quien lo sufre. Lo hace en tono menor, modesto, oblicuo. Un tono que se ajusta a nuestro diario vivir. Esta ópera prima es una digna reconstrucción del drama de quienes se ven obligados a abandonar un hogar para comenzar a vivir de nuevo en otra casa. El abandono de una vida y el paso a una nueva, aunque suene grandilocuente, aquello es lo que logra narrar este pequeño y maravilloso filme.

          Zama      Cache   Translate Page      

La primera imagen de Zama es engañosamente conocida. Solo con el paso de los minutos se puede comprender que lo que vemos ha sido alterado por la perspectiva de su protagonista. El hombre que observa en la orilla con una postura que vagamente recuerda la de los conquistadores es Don Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), funcionario de la corona atrapado en un recóndito enclave del imperio. La seguridad y determinación que exuda pronto es remplazada por una incurable melancolía y por un permanente nerviosismo, por un sentirse fuera de lugar. La película comienza así, desde las imágenes preconcebidas, para ir mutando hacia otra imagen distinta, la de un mundo nuevo y extraño. Se parte de lo que se cree saber para llegar a lo desconocido, el filme se convierte en un recorrido a un territorio inexplorado en que sus habitantes son desconocidos de sí mismos. El nuevo largometraje de Lucrecia Martel cuenta el proceso en que el protagonista acepta el universo en que vive, lejano a las quimeras que habían marcado su existencia. Zama relata el despojo que sufre el protagonista, que pasa de ser funcionario de la corona a un americano más. Se trata tanto de un viaje interior como de una travesía propiamente dicha. Además, el filme aspira, ambiciosamente, a narrar la metamorfosis de una conciencia, un cambio equivalente a contar la historia americana. Aspira, de hecho, a reescribir la historia y ajustarse a una nueva realidad. Es, pues, la épica de un burócrata atrapado en un mundo nuevo.

El Zama de hoy tuvo como antecesor la novela de Antonio Di Benedetto. A su vez, la novela imaginaba una ficción que rompía con los paradigmas de las crónicas e historias de la colonia. En todas estas sucesivas reescrituras persiste el afán por atrapar la experiencia vivida. ¿Cómo era la vida colonial? ¿Qué significa, después de todo, vivir en América? La versión de Martel no intenta ser un fiel recuento historiográfico (se basa en una ficción), ni quiere replicar las representaciones de las películas y novelas históricas. Por ello, se toma libertades y altera de manera deliberada su puesta en escena –por eso incluye a personas de color en papeles que no estaban incluidos en la novela–. La imagen alternativa que busca la directora trata de darle voz a quienes han sido silenciados por historiadores y cronistas. Zama intenta revelar una verdad no dicha a través de su épica en voz baja.

El filme se divide en 3 secciones que siguen la narración episódica y fragmentaria de la novela. A Don Diego de Zama se le ha prometido su pronto traslado a España para estar junto a su esposa e hijos. Pero el lento avance de la burocracia lo ancla a la colonia. Gradualmente irá reconociendo que el traslado y la espera de una vida futura no se materializarán y que su vida se reduce a lo que ocurra en suelo americano. Lugar en que corteja sin éxito a la esposa de un ministro, se enzarza en una pelea con su secretario, se ve obligado a mudarse a una ruinosa pensión por no haber notado que uno de los funcionarios dedicaba las horas laborales a escribir una novela, tiene un hijo con una indígena y se enrola en una misión que busca atrapar al legendario bandido que ha asolado la región, y al que han matado en varias ocasiones. Zama narra todos estos eventos como episodios separados que afectan progresivamente la conciencia del asombrado protagonista.

Desde el comienzo el uso del sonido sirve para dar paso a una suerte de voz interior del personaje. Las escenas son interferidas por diversas voces que hablan en tono profético o simplemente deliran. No se trata entonces del dispositivo ortodoxo en que un personaje narra ordenadamente una historia para el espectador, sino es más bien un monólogo interior con que se va mostrando los cambios que sufre el protagonista. Este tratamiento sonoro se conjuga con las variaciones de encuadre que marcan cada una de las tres secciones de la película: más cerrados en la segunda y más amplios en su desenlace. Zama adapta la narración de Di Benedetto a través de estos procedimientos, los versiona para darle un nuevo sentido: el de la ruptura de unas concepciones –la mentalidad de Zama como parte de la corona española– a otras que se derivan de la experiencia en un territorio nuevo. Resulta destacable el filme de Martel al convenir la mutación de este personaje de modo plausible e iluminador.

La ficción es una forma de apropiación de territorios, afirmó Martel en el libro Estéticas de la dispersión. Zama se presenta como un ejemplo perfecto de tal propósito. Ya no vemos el relato oficial, ni las representaciones con que se ha estereotipado a la colonización de América (y también, por qué no, la historia de las nuevas naciones independientes). Ahora se reescribe desde las voces asordinadas esta Historia, para así observar la corrupción e ineptitud de los gobernantes, el desapego de los funcionarios, el aura legendaria que se ha otorgado a los bandidos y la inmensa melancolía que embarga a los americanos. Todo esto hace parte de Zama. Una película que desde su relato mínimo aspira a ser una película total. Un filme que busca quebrar los paradigmas establecidos para ir sembrando las ansias por explorar todo lo no-dicho sobre la Historia de este rincón del mundo. Zama es una invitación a iniciar una expedición que narre, de manera más ajustada, la experiencia de los individuos que han quedado ocultos a los grandes relatos históricos. Así, el objetivo que persigue el filme consiste en pasar de las imágenes establecidas a aquellas que se adecúen a nosotros.


          Sal      Cache   Translate Page      

El desierto no suele aparecer en el cine colombiano. Menos aun como aparece en Sal. Un lugar imaginario que nos obliga a contemplar la ausencia de acción, un sitio que surge más del cine de ciencia ficción de las distopías y de la literatura fantástica. El desierto de Sal no se encuentra en los mapas. Si algo se puede admirar del segundo largometraje de William Vega es su capacidad por volver verosímil a semejante paisaje. No sucede así con el opaco relato que cuenta. La historia del huérfano que vuelve a buscar a su misterioso padre ha dado pie a relatos claves en Latinoamérica. Ese hilo lo utiliza Salde un modo más oblicuo, al punto de hacerlo casi prescindible. El largometraje se atiene al presente y menciona su relato, pero se niega a desarrollarlo. Las posibles motivaciones de su protagonista apenas se bocetan, aunque el filme inserte con frecuencia secuencias que no hacen sino recordarlas. Ese constante vaivén, entre concentrarse en la contemplación de un presente y el de volver a un relato prototípico, no le hace bien al filme. Al punto de que parece una película sobre la historia que se resiste a contar. En tanto esto puede sonar como una empresa deseable para una estética alternativa a la del cine comercial, esta película no sabe a dónde dirigir nuestra perspectiva al evitar la narración. Sal parece el borrador que prefigura un nuevo cine, oblicuo, uno que narre nuestra desolación evitando los relatos estereotípicos. Y como tal tiene escenas de gran imaginación y poesía, así como otras que han sido notoriamente tomadas a préstamo de diversas fuentes. En últimas, no todo encaja y la película deja una sensación de narración inconclusa. A pesar de su valentía y de sus méritos, Sal  no termina de encarnar ese cine por venir, sino que parece su torpe anunciador. Se trata de un filme estimulante e irregular que añade nuevos escenarios con una propuesta estética prometedora e incompleta.

          El sacrificio de un ciervo sagrado      Cache   Translate Page      

Casi al final El sacrificio de un ciervo sagrado se rompe. Martin (Barry Keoghan) le explica a Steven (Colin Farrell) con una "metáfora" el por qué de su venganza. Una explicación que busca inquietar al espectador por la crudeza de sus imágenes, una explicación dicha literalmente a mordiscos. La transparente intención de provocar no termina por surtir efecto, sin embargo. En el mundo de las explicaciones, todos estamos a salvo. La más reciente película de Yorgos Lanthimos perturba hasta que decide hacer explícitas sus intenciones. El desconcierto que produce el desenlace opaca lo que de otro modo sería un inquietante largometraje. Sin ser una película de género, el director griego recurre a elementos del cine de terror y el melodrama para alimentar su peculiar estilo. En la mayoría del filme consigue un cruce verdaderamente extraño: una película de terror que explora las contradicciones de la clase acomodada y de la institución familiar. Al introducir sus fuentes (el mito de Ifigenia) y explicitar en voz de los personajes sus motivaciones, no obstante, se alivia la tensión. El filme termina siendo más cercano al cine comercial de lo que inicialmente aparenta. De hecho es, si se quiere, una película Lanthimos-Hollywood.

Glenn Kenny criticó a Langosta, película previa de Lanthimos, citando el concepto que diera Buñuel de las películas de Marco Bellochio: filmes que burdamente buscaban provocar con lo obvio, filmes que se reducían a un catálogo de vulgaridades. Y aunque creo que es injusto achacarle tal concepto a Langosta, si se ajusta al tramo final de El sacrificio de un ciervo sagrado. La película resulta fascinante como mezcla de lo genérico y del estilo personal hasta que su realizador decide ponerle altavoz a las observaciones que tiene sobre las relaciones familiares. Lo que sugería con perspicacia, se torna en un superficial espectáculo macabro. Ahora, mientras esto no es un motivo para desestimar del todo a esta película, ni al cine de Lanthimos, si le da un sabor amargo a lo que de otro modo sería un filme turbador. En otras palabras, la película sacrifica el misterio para conformarse con un dudoso sentido.


          The Florida Project      Cache   Translate Page      

La eternidad debe parecerse al tiempo de vacaciones. Libre de la presión de los compromisos y las fechas de entrega. Tiempo inmóvil. Todos lo hemos vivido: trabajadores, niños y desempleados. The Florida Project capta esa sensación de tiempo estático, pues se ocupa de niños y desempleados. El nuevo filme de Sean Baker nos convence de estar observando la realidadde un grupo marginal que vive a la sombra de los parques de diversiones de Orlando. Sus realizadores imitan esa esquiva lógica de la realidad, que diría Piglia, al punto que incluso esa sensación de tiempo detenido que flota en el aire durante nuestros recesos es la que se impone como avance del tiempo del largometraje. El tiempo de los marginados. The Florida Project nos hace espectadores del día a día de una población que vive a los costados de un lugar prefabricado como paraíso de descanso. Fiel a los anhelos, características y contradicciones de ellos, la película presenta un persuasivo recuento de quienes sobreviven junto a una fantástica tierra prometida.

Verano. Moonie (Brooklyn Prince) y sus amigos dedican sus días a vagabundear por entre moteles, pastizales y casas abandonadas. Cada salida promete ser un terreno fértil para las travesuras y las aventuras. Entre tanto, Halley (Bria Vinaite), su madre, apenas puede conseguir el dinero para pagar el alquiler semanal de una habitación de Magic Castle, el motel en el que viven. Magic Castle es, de hecho, toda una comunidad variopinta de personas de bajos recursos para los que Bobby (Willem Dafoe), el administrador del lugar, debe tratar de encontrar un punto medio entre el rigor y la flexibilidad. The Florida Project traslada el decurso cotidiano de manera plausible para que  lo veamos como la realidad cercana que es.

Sean Baker dice haberse inspirado en las películas de Our Gang para el desarrollo del filme. Lo que es notorio a un nivel superficial, en particular en la manera en que se desenvuelven las acciones de la trama. Pero el acercamiento de los realizadores le da un mayor interés a captar una realidad social específica de los EEUU. A su manera, Baker es tanto heredero de Mike Leigh, como del realismo sucio de Raymond Carver. Inclusive podía denominarse al cine que practica como Neorrealismo Pop ¿Quién hubiera creído que en el mismo vecindario de Disney se encontraba el escenario perfecto para una película neorrealista? The Florida Project visibiliza las miserias de una realidad que no aparece con frecuencia en las películas estadounidenses comerciales. Sin explotar la pobreza, el director la muestra, acaso retomando el ideal de que al hacerlo, al mostrar lo real tal cual es, se podrá rescatarlo, se podrá dar pie a una visión humanista. 

No puedo evitar mencionar el final del filme. A diferencia de la mayoría del metraje, la unidad de la película se rompe al introducir una especie de final fantástico, un irónico happy-ending salido de la imaginación de su protagonista. La cercanía con Disney constituía toda una tentación, ya que así se subrayaba el contraste de dos realidades. Y en tanto el título de por sí ya apunta a esto (un comentario sobre el fracaso de un proyecto utópico, y, por qué no, de cierto fracaso de las políticas estadounidenses), el desenlace lo remarca de un modo innecesario. Quiebra con la estética del filme, con su lógica, por así decirlo. Se trata de un provocación, claro está (más si se tiene en cuenta que para filmar en Disney World no se solicitó permiso alguno). También se trata de un gesto: una forma concreta en que los realizadores señalan como la cultura pop se vuelve un modelo sobre el que construimos nuestras identidades y deseos. Un final que, por lo demás, da una idea exacta de hasta qué punto el filme es heredero del mentado neorrealismo. Si tomamos el final de Alemania, año cero, por ejemplo, la película de Rossellini concluye de manera trágica y existencial, reflejo del zeitgeist de posguerra; el final de The Florida Project, en contraste, refleja el estado de cosas actual: uno en que impera más la ironía y la ambigüedad. El reconocimiento de las diferencias, así como de sus puntos en común, puede llevarnos a comprender los distintos intercambios que moldean aquello que denominamos cine. The Florida Project se añade como una estimulante adición que da testimonio de la vida de quienes sobreviven a la sombra de los parques temáticos, una realidad asombrosa y fantástica que apenas ha comenzado a explorarse.

          Rostros y lugares (Visages Villages)      Cache   Translate Page      

Dicen que cada rostro tiene escrito su historia. En Rostros y lugares (Visages Villages, en la traducción se pierde la aliteración) los rostros de habitantes de la Francia rural se superponen a los sitios en que ellos trabajan y habitan. Agnès Varda y JR registran encuentros y desencuentros de su deambular por los campos franceses en aras de poner en marcha un proyecto artístico que es tanto intervención artística como escenificación del proceso creativo. El objeto es que la ampliación de las fotografías de rostros sirva como una marca que visibiliza relatos de personas comunes y corrientes. Rostros y lugares propone una lúdica conjunción de esfuerzos para quebrar la monotonía al hacernos mirar un territorio desconocido: el rostro de otro como testimonio de una vida. Por una parte, los realizadores apuntan a que por medio de este proceso se modifique la percepción tanto de transeúntes como espectadores. Con su estrategia, por otra parte, Agnès y JR nos hacen mirar historias menores que pasamos por alto, vidas que se ven opacadas por nuestras costumbres y por  la escala de prioridades que impera en nuestras sociedades. Nada puede compararse con el rostro humano, dijo alguna vez Carl Theodor Dreyer; como si fueran fieles a tal juicio, los realizadores se dan a la tarea de explorar una insólita (y evidente) intersección: la de un rostro y el sitio en que vive. De ahí, y de la lúdica escenificación con la que presentan su proyecto, se desprende una genuina felicidad y una necesaria recuperación. Así pues, el filme se puede describir como un cruce de caminos entre el cine y el arte por medio del cual se revelan facetas y relatos desconocidos de territorios cercanos e inexplorados.

Mientras que casi todas las personas invitadas a hacer parte del proyecto les abren la puerta a los realizadores (al punto de ser casi irritantemente predecible su avance), la película cierra con una puerta cerrada. Rostros y lugares muestra tanto los encuentros felices para JR y Agnès; o mejor, la empresa que surge a partir del encuentro de ambos artistas; como también el desencuentro de Agnès y Jean-Luc Godard. Colaboradores y amigos cercanos en el pasado, el propuesto encuentro termina con una escena amarga ante la negativa de Godard a responder a su llamado. ¿Sabotaje del propósito de Varda? ¿O modo de transmitir un mensaje más profundo y opaco? El filme cierra con la ambigüedad del gesto de quien se niega a hacer parte de la lógica de un juego que nos ha permitido conectar fisionomías y geografías. Y en tanto este segmento suma una evidencia más del inexcusable comportamiento del realizador franco-suizo, añade también una incógnita: por qué uno de los motores de la renovación audiovisual se niega a hacer parte de un proyecto de tan estimulante y juguetón.

La respuesta probablemente no resulta relevante. De hecho, esta conclusión enriquece al documental al hacer irrumpir una lógica más caprichosa y subterránea: la de individuos que dejan esporádicas marcas con mensajes cifrados en relatos documentales y de ficción. El mensaje y la puerta cerrada de Godard sugieren todo un relato no dicho, el mundo privado del autor. Hoy que vuelve a discutirse sobre los alcances morales de la ficción, así como sobre la línea divisoria entre artista y obra, el cierre de Rostros y lugares quizás resulta más diciente que dichos debates. El desenlace puede leerse como prueba de que la película ha sido un constructo que de pronto se quiebra por la aparición de una realidad ajena a la lógica del filme. Acaso el final sea la más reciente refutación del cine de autor: el registro de como lo real interrumpe el designio del creador. O quizás sea simplemente el viejo cascarrabias (Godard) arruinando el trabajo de sus colegas. Sea como sea, el cierre añade una dimensión más a un documental emocionante. Un largometraje que nos abre la entrada a lugares y personas que hemos pasado por alto en nuestro cotidiano ajetreo, uno que concluye con una puerta cerrada y una pareja disímil mirándose junto a un lago iluminado.

          El hilo fantasma      Cache   Translate Page      

El hilo fantasma empieza con una declaración. Junto al fuego de la chimenea, Alma (Vicky Krieps) afirma que Reynolds (Daniel Day-Lewis), su esposo, ha hecho sus sueños realidad. Con lo convencional que pueda sonar, el largometraje la vuelve una declaración casi perversa. El intercambio del que nos habla orgullosamente la protagonista se encuentra lejos de los sentidos que les damos a dichas palabras. El más reciente largometraje de Paul Thomas Anderson retrata un romance inusual con engañosa convencionalidad. Se trata de un filme que rompe con parte de los rasgos que convirtieron al director californiano en una figura reconocida. El drama íntimo de una pareja tenía como precedente la subestimada y perspicaz Punch-Drunk Love. No obstante, El hilo fantasma ya no juega con los tropos de las comedias románticas, sino presenta más bien un romance gótico que tiene un espíritu buñueliano, o, incluso, un romance buñueliano narrado por Hitchcock. La película cuenta la historia de una pareja en la que el amor es a un tiempo bálsamo y veneno. 

Misterioso e hipnótico, el largometraje juega con las expectativas del espectador, pues por momentos adopta la apariencia de un relato detectivesco y por otros de relato gótico. Su simplicidad es ilusoria. El filme se apega a esquemas y convenciones; por ejemplo, comienza con un personaje (Alma) que enmarca el relato como si fuera su recuento, tal como ocurre en muchos relatos de fantasmas. Las convenciones se alteran dramáticamente en el curso del metraje, sin embargo. Los sueños a que se refiere Alma se traducen en un sorpresivo relato de obsesiones y luchas de poder. Las imágenes nos sugieren un apacible retrato, similar a la imagen que vemos cuando observamos nuestro reflejo en las aguas de un estanque. Pero como ocurre con los estanques, las aguas ocultan una oscura profundidad llena de cenagosos secretos. Revelar el fondo turbio de las personalidades de sus protagonistas ateniéndose a una torcida idea de idilio es un equilibrio con el que los realizadores logran mantener a flote este magnífico filme.

Reynolds Woodcock es un reconocido diseñador de hábitos inquebrantables. Soltero empedernido, sus rutinas dependen del orden que impone su hermana Cyril (Lesley Manville). La irrupción de Alma altera estas costumbres de modo definitivo. Así esta historia suene manida y encantadora, El hilo fantasma quiebra los moldes al ceñirse al modelo. El amor y la enfermedad se entrelazan como si fueran partes de un mismo elemento. El amor transforma, lleva a lugares inesperados. La unión amorosa desafía la normalidad e introduce un nuevo orden de monstruosa armonía. Lo que parece un plácido romance se trata de un apasionado y encarnizado encuentro. Alma y Reynolds, al conocerse, cambian de manera irreparable. Su unión provoca malestar y contento, pues su relación es tanto oasis como campo de batalla. El hilo fantasma conecta facetas ocultas con narraciones archiconocidas. Hasta el objeto más reconocible devela dimensiones nuevas cuando alteramos nuestras estatizadas perspectivas. La película subvierte la declaración inicial de Alma siendo fiel a la monstruosidad de los personajes. Distorsiona las convenciones al usarlas para cargar con sentidos distintos a los que se han repetido en decenas de otras películas.

Ahora, conviene mencionar el significado del término "hilo fantasma": uno que se refería a la enfermedad que sufrían las tejedoras inglesas que, tras coser todo el día, continuaban tejiendo un hilo invisible en la noche. Su labor les dejaba una secuela que se traducía en un movimiento obsesivo. Y en el filme de Anderson esa secuela es el amor. En el clímax, Reynolds enferma. Su lazo con Alma se hace más poderoso, ya que el enfebrecido Reynolds ve al espectro de su madre, con quien ha estado obsesionado toda su vida. El amor es un espectro que va a rondar a los protagonistas para que puedan satisfacer sus deseos e hundirse en su dolor. Su relación consiste en unirse para curarse y luego, con el tiempo, torturarse, una y otra vez. Un ciclo que enmarcan las palabras de éxtasis de Alma del comienzo.

Resulta iluminador ver que si bien Alma parece dialogar con otro personaje al que cuenta su historia (lo que haría de la narración de El hilo fantasma, su relato), esto se trata más de una organización del filme con que los realizadores imitan al clasicismo. Ni las escenas que preceden ni las que se suceden a las intervenciones de esta conversación tienen relación directa con el discurso de Alma. La imitación de las convenciones implica una serie de consecuencias para el espectador, quien va ver subvertidas sus expectativas. Más cuando la película no termina de hilar todas las causas y consecuencias de su relato, sino que las deja intencionalmente abiertas. La ambigüedad reina en el filme al punto de no poder afirmar si estamos ante el sesgado relato de un personaje, o ante una realidad objetiva. Antes que ello, hay un aire fantástico que atraviesa el filme (de ahí que algunos críticos lo denominen como cuento de hadas). El largometraje tiene una cualidad de suma modernidad, al reutilizar las formas del pasado de modo distinto a la convención. 

El hilo fantasma bien puede ser un punto de inflexión en la filmografía de Anderson, en la que la referencia a otras películas se vuelve la base para crear un cine híbrido: uno en que la modernidad se disfraza de clasicismo. De hecho, esta película  puede ser descrita como una versión de Diario de una camarera  (o, por qué no, Belle de Jour) vestida como si fuera Rebeca. Un relato gótico, psicológico, surrealista. No lo olvidemos, antes de terminar, los sueños de Alma se han hecho realidad. Unos sueños sorpresivos e inesperados. Unos sueños que revelan el fondo de unas turbias personalidades que están envueltas por un sosegado reflejo.



          Lady Bird      Cache   Translate Page      

Lady Bird comienza y termina con un viaje. Nada sorprendente al tratarse de un relato iniciático. Bildungsroman, coming-of-age, educación sentimental, la ópera prima de Greta Gerwig toma un poco de cada uno de ellos y se contenta con ser un poco menos. Un filme adorable y complaciente con que buena parte de la audiencia se ha identificado. El material autobiográfico se funde con situaciones que se repiten una y otra vez en series de televisión y películas sobre la adolescencia. Encantadora y sosa, Lady Bird ofrece una educación sentimental para millenials. El retrato de una aspirante a artista de clase media. Junto a ella, el largometraje presenta a toda una galería de criaturas que van más allá del mero estereotipo, arquetipos de nuestros días. En contraste, por un lado la trama no guarda mayores sorpresas (y por qué habría de hacerlo, si nuestras vidas a veces no hacen sino repetir clichés), por otro el tratamiento episódico la hace irregular. El largometraje da la paradójica sensación de ser la historia única de una joven californiana, así como una película que repite lugares comunes sobre lo que significar ser joven. Lady Bird se apega a los caminos recorridos para que en ellos resuene la voz propia.

En el inicio viajan Christine (Saoirse Ronan), autobautizada "Lady Bird", y su madre Marion (Laurie Metcalf). Oyen un audiolibro: Las uvas de la ira de Steinbeck. Sollozan al escucharlo. La emoción las une. Pero enseguida discuten amargamente. La pelea concluye cuando Christine se lanza del carro para así tener la última palabra. A excepción de la emoción, lo demás las separa: una joven y soñadora, otra mayor y realista. A continuación la película va a sumar episodios del último año en el colegio de Christine. Se trata de viñetas que parecen variaciones sacadas de otros filmes sobre adolescentes. Al final, Christine vuelve a viajar, sola esta vez, pero con un conocimiento que la ha reconciliado con su madre. El centro del filme se encuentra en poder estrechar lazos con una figura materna con la que se ha tenido conflictos. Los viajes enmarcan esta tensión, los viajes enmarcan el melodrama. Christine comprende un poco más a su madre al concluir la película, si bien no haya mayor razón para dicho cambio. Ahora, el largometraje se sostiene por la capacidad de observación de Gerwig, quien sabe caracterizar a su realidad con suficientes detalles para hacer un convincente retrato de la adolescencia. Sentimental y dulzarrón por momentos, Lady Birdbusca hacerle justicia a las vivencias personales de la directora, aunque al hacerlo sacrifique las motivaciones del cambio de su protagonista en la relación con su madre y cierre con un happy-end más propio de una telenovela.

A pesar de la impresión de autenticidad que deja el filme, también hay un dejo artificioso que lo atraviesa. Desde esa primera escena en que madre e  hija oyen a Steinbeck en un rapto extático. La espontaneidad a veces parece impuesta, pues a los personajes se les involucra en situaciones que responden a un modo de ilustrar sus personalidades, y no a una consecuencia de la narración, la espontaneidad a veces también parece estar enlazada con una suerte de didactismo: la película nos enseña qué nos ha de conmocionar, nos enseña cuáles son sentimientos ciertos, cuáles falsos. Por tanto, hemos de sobrecogernos con las canciones que oíamos de adolescentes, hemos de abrazar al otro brevemente y luego sumergirnos en nuestro propio narcisismo. El imperio de la sentimentalidad se impone, hoy que estamos tan ansiosos de experiencias. Lady Birdcumple la función de recordar los días en que pasamos a ser adultos, inclusive con el tedio reservado a una época que parece no tenerlo. El filme de Gerwig es el heredero de una tradición que en el cine de Hollywood probablemente surgiera con Rebelde sin causa y se sentimentalizara con American Graffiti. La nueva encarnación se caracteriza por mezclar lo auténtico y lo didáctico en un relato adorable y tópico. Una combinación adecuada para una generación que prefiere esto al riesgo que implicaba romper con los padres. Este filme trata de reconciliación en varios sentidos. En definitiva, Lady Bird da una idea sobre el paisaje emocional de una adolescente, constituye un triunfo del sentimentalismo y hace oír la voz de una directora dentro de la seguridad que da seguir las convenciones trazadas por otros.

          The Square (La farsa del arte)      Cache   Translate Page      

Olvidemos por un momento el subtítulo. The Square  pudo ser solamente la sátira de un curador que no alcanza a ver el tamaño de su impostura. Una impostura casi inocente. Pero la película no se contenta con ello. Luego viene el arte, luego viene la farsa. Naturalmente todo se complica. La lucidez y la obviedad conviven en un filme en el que sus realizadores parecen estar demasiado convencidos de su propia autoridad. La ambición se queda corta, sin embargo. The Square propone una suerte de narración híbrida que alterna sketches con una dramaturgia clásica, una narración que no termina de cuajar. Así, la película ofrece una mezcla de placer y frustración. Avanza a trompicones, secuencias humorísticas y lúcidas desfilan a la par que escenas de observaciones tópicas y torpes. Más que un híbrido, el largometraje es un violento y desigual Frankenstein.

Al ser premiado con la Palma de Oro en Cannes, se la celebró como un antídoto a la corrección política que infecta al planeta. En sus momentos más brillantes, lo es (como cuando Anne (Elisabeth Moss) confronta al curador, Christian (Claes Bang)). Pero también es un prepotente filme que parece fiarse en exceso de sus caricaturas, uno que ni siquiera, por lo demás, logra decidirse si en transformarse en sátira hecha con base en performancese instalaciones, o en una clásica farsa sobre la impostura. The Squareresulta a un tiempo irregular y admirable, una soberbia historia sobre las contradicciones de un burócrata del arte y una pequeña y engreída farsa sobre el mundo del arte.

          3 anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbings, Missouri)      Cache   Translate Page      

1er anuncio: Ira. En esta semana, como protesta por la inoperancia de la justicia, dos grupos de distintas personas adaptaron la idea que tiene Mildred (Frances McDormand) en 3 anuncios por un crimen: poner tres vallas en que se señala la lentitud de las autoridades para hacer frente a distintos crímenes. No es un simple caso de la vida que imita al arte. Más bien se trata de una prueba de que el filme capta el espíritu de los tiempos. En el ambiente gravita tanto la furia y el dolor debido a injusticias sufridas, como se escucha un llamado lleno de rabia para remediar tales situaciones. Este es uno de los méritos del largometraje, que atrae precisamente por la convincente interpretación de McDormand, una víctima henchida de indignación. Esto es una explicación, además, para el éxito y la atención que genera una película desigual como esta.

2do anuncio: Caos. A propósito de Room 237, Jonathan Rosenbaum se quejaba de que los críticos no parecían darle tanta importancia a la idea de que una obra artística tuviese una coherencia con determinado planteamiento estético. Todo podría sumarse aleatoriamente, entonces, sin que nada lo cohesionara (ni siquiera el propósito de unirlo todo aleatoriamente). Una coherencia de la quecarece 3 anuncios por un crimen. La película pasa del clamor por justicia de Mildred al drama familiar de Willoughby (Woody Harrelson) y de ahí a la increíble transformación de Dixon (Sam Rockwell), sin hacer énfasis en ninguna de estas historias, como si se tratase de relatos separados que se han cosido con premura. Lo más insólito de la recepción del filme es que incluso se le alabe por su perfecta dramaturgia. En el desenlace, no hay claridad de si los realizadores querían imitar el flujo de la vida diaria (carente de dramaturgia), o arriesgarse a hacer de 3 historia conectadas 3 facetas de un solo drama. El director Martin McDonagh no es Robert Altman para sortear de modo satisfactorio el primer tipo de película, ni es suficientemente hábil como para hacer una variación arriesgada de la dramaturgia clásica. El caos termina por dominar el largometraje, por desgracia. 

3er anuncio: Redención. En primer plano teníamos la rabia de Mildred, de trasfondo nos embarga el anhelo por redimir nuestras culpas. A pesar de presentarse como una audaz forma de poner el dedo en la llaga, la película se decanta por el reconocible relato de una segunda oportunidad. Una que le otorga una salvación problemática a uno de los personajes, valga decir. 3 anuncios por un crimenlidia con conflictos que persisten en la sociedad estadounidense; sin embargo antes que indagar sobre ellos, termina por solucionarlos con un cambio milagroso. Por supuesto, todos merecemos segundas oportunidades, así como estas oportunidades han sido fuente inagotable para que el cine se haya usufructuado de ellas como un repetitivo bálsamo. El filme de McDonagh resulta mucho más conformista de lo que en principio promete. Puesto de este modo, el largometraje oculta todavía más los problemas raciales y sexistas que inicialmente parecía enfrentar, al recurrir a los remedios que hemos visto hasta la saciedad. Más todavía si se tiene en cuenta que si tuviéramos un patrón unificador en el filme, ese no es el relato de Mildred, sino el de Dixon. Dicho esto, también es excesivo atribuirle un discurso reaccionario al largometraje. Los realizadores intentan enfrentar nuestra caótica realidad a través de una narración audaz en la que un drama local refleja las contradicciones y virtudes de un país. Un intento fallido, no obstante. 3 anuncios por un crimen cuenta múltiples relatos, pero no logra hacer de ellos uno solo.

          The Post (Los oscuros secretos del pentágono)      Cache   Translate Page      

Todos los días ocurren noticias cruciales, todos los años aparecen películas que celebran una forma distinta de heroísmo. Somos las víctimas de la indiferencia que produce nuestros hábitos. Una sombra de esa indiferenciaalcanza a caer sobre la estimable The Post  (subtitulada Los oscuros secretos del Pentágono). Un filme cuya relevancia inicialmente parece provenir del modo en que  la historia del pasado hace eco en la del presente. El largometraje de Steven Spielberg no se queda ahí, por fortuna. Se concentra en mostrar los conflictos de personajes que protagonizan la noticia crucial sobre la que gira la película. Aquí podemos recurrir a Ricardo Piglia y la distinción que hacía entre relato visible y relato secreto: todo cuento narra ambos, todo cuento narra dos historias. Una explícita que sigue los hechos concretos tal como se muestran, otra interior, que sin decirlo va a sumar pistas para darle verosimilitud al giro con que concluya el cuento. En otras palabras, el relato visible en el filme de Spielberg muestra como The Washington Post  decidió revelar documentos que evidenciaban un plan sistemático de ocultamiento por parte del gobierno en torno a la guerra de Vietnam. El relato secreto se contenta, por ejemplo, con presentar la manera en que Kay (Meryl Streep) decide enfrentar sus propias inseguridades y hacerse dueña de un periódico del que ya lo es. Paradójicamente, este segundo relato salva el filme de ser un redundante canto al heroísmo.

Clásico como es Spielberg (de nuevo según las tesis de Piglia), en The Post nos da indicios de ambos relatos y los resuelve atando todos los hilos. Pero mientras la historia secreta resulta perspicaz y precisa, la otra parece casi irrelevante. El director norteamericano da muestras de estar más interesado en una introspección de la que antes apenas había dado señales. Hay incluso imágenes geniales en la película en ese sentido: Ben Bagdikian (Bob Odenkirk), uno de los reporteros del Post cuya fuente le suministra la filtración del gobierno, contacta a su fuente desde una cabina telefónica fuera del edificio del periódico. Al hacerlo, vemos la imagen distorsionada del personaje en el reflejo del teléfono metálico (acaso un correlato del proceso interior del personaje). La historia visibleno es tan satisfactoria. Un recuento académico (por académico, digo Oscars) de un heroísmo que debemos admirar. The Post vive así dos suertes distintas: por un lado, se trata de una inesperada historia sobre individuos que en medio de la adversidad deciden sortear sus miedos; por otro, celebra casi acartonadamente los ideales nobles de una nación compleja que a un tiempo los proclama y contradice.

          Google gaming event at GDC: 5 product possibilities      Cache   Translate Page      
At GDC 2019 Google will reveal something new, something they’re describing now as “the future of gaming.” The announcements will begin on March 19th, 2019, at 10AM PDT. You’ll be able to watch the announcements here on SlashGear live via this article in the YouTube live video embed below. We might see a brand new streaming gaming service from Google, … Continue reading
          Reply to “Frag Clip Thread #2”      Cache   Translate Page      
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          Spoken Korean vs Written Korean | Korean FAQ      Cache   Translate Page      

There are many differences between spoken and written Korean - that is the Korean you'll actually hear Koreans using, and the Korean you might see written somewhere. They're the same language, but there are some fundamental differences that can make the two difficult. In order to master reading, writing, speaking and listening, you'll have to understand these major differences.

These differences include word order, grammar forms used and conjugations, verb endings, as well as vocabulary, phrases, and more. Did I miss anything? Let me know in the comments~

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          ニンテンドースイッチ?PS4?今後どっち買うべきなんだ!      Cache   Translate Page      







































ゼルダの伝説 ブレス オブ ザ ワイルド


(引用元:ゼルダの伝説 ブレス オブ ザ ワイルド | Nintendo