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          HORARI D'AQUESTS DIES      Cache   Translate Page      


v  DIJOUS 21
                                                                        
1.      DEMATÍ: 9’00h – 14’00h

Els nins han de venir al camp de futbol a les 9:00 i els heu de venir a cercar a les 14:00 allà. Han de dur una gorra posada, crema solar posada i berenar. Si és possible hauríem de dur la camiseta d’escola.

2.      HORABAIXA: 18.30h

Ens veurem al camp de futbol a les 18:30h devora la fonteta d’aigua del parc, ja vestits amb totes les coses que hem quedat. (En el cas de 1r EP amb camiseta vermella, calçons blaus,  i esportives // el cas de 2n EP amb camiseta, calçons blancs i calcetes/calcetins llargs blanques) PREGAM PUNTUALITAT

v  DIVENDRES 22: 9’00h - 12’00h

Ens veurem a la Caritat a les 9h i els heu de venir a cercar a les 12h allà mateix. Han de dur banyador, una tovallola, crema posada, una muda de roba (amb el nom posat) i berenar. Poden dur pistoles d’aigua (nom posat a tot), però està prohibit dur globus.


          Excursió s'Arenalet de Portocolom 💦🌞      Cache   Translate Page      

Com ja sabeu, avui hem anat d’excursió a la platja de s’Arenalet de Portocolom. Les ganes de passar-ho bé, les rialles i la diversió han estat el nostre secret per aquesta diada estiuenca! 




















          Festa del Cor de Jesús i les monges de Sagrats Cors!      Cache   Translate Page      

Avui dia 8 de juny és la festa del Cor de Jesús i les monges de Sagrats Cors fan festa. Per aquest motiu ens han convidat a unir-nos a elles. Ens han preparat un berenar boníssim del que hem gaudit juntament amb els companys d’Educació Infantil! Moltíssimes gràcies!!



          «Revolutionizing Health»: Αναδεικνύοντας το μέλλον του digital health και επιβραβεύοντας την αριστεία      Cache   Translate Page      

H υγεία στην Ελλάδα άλλαξε! Υπάρχει πλέον διαφάνεια, υπάρχει ταχύτητα, ευκολία και ειλικρινές ενδιαφέρον. Το 2011 αυτή η περιγραφή δεν θα ταίριαζε με τον χώρο της υγείας. Σήμερα όμως είναι μία ζώσα πραγματικότητα που κατάφερε να δημιουργήσει η υπηρεσία doctoranytime, μέσα στα 7 χρόνια λειτουργίας της, με τις ρηξικέλευθες μεθόδους της και το αμείωτο ενδιαφέρον για τον άνθρωπο και τις ανάγκες του.

Στις 27 Φεβρουαρίου 2019, στην κατάμεστη αίθουσα του Ε.Π.Ι.Ψ.Υ (Ερευνητικό Πανεπιστημιακό Ινστιτούτο Ψυχικής Υγείας, Νευροεπιστημών και Ιατρικής Ακριβείας «ΚΩΣΤΑΣ ΣΤΕΦΑΝΗΣ» Πανεπιστήμιο Αθηνών), έλαβε χώρα το πιο πρωτοποριακό, ενημερωτικό αλλά ταυτόχρονα και ανθρώπινο event για την υγεία.

Ένα event που τα είχε όλα. Κατά τη διάρκεια του προγράμματος οι συμμετέχοντες είχαν τη δυνατότητα να ενημερωθούν από τον κ. Χρήστο Μαναγούδη- CMOdoctoranytime για τις σημαντικές αλλαγές που έχει επιφέρει το doctoranytime στο σύστημα της υγείας στη χώρα μας, καθώς επίσης και για τα μελλοντικά πλάνα της εταιρείας από την κα. Ελευθερία Ζούρου- CEOdoctoranytime.

Παράλληλα, η Google,την οποία εκπροσώπησε η κα. Σπυριδούλα Δρακοπούλου- HeadofPerformanceAgencies, GoogleGreece, Bulgaria, Cyprus & Malta, ενημέρωσε το κοινό για τις σύγχρονες τάσεις και το μέλλον του digital health βάσει των στοιχείων της ίδιας της Google.

Επιπλέον, ο κ. Λέων Γαβαλάς- Ερευνητής και Υποψήφιος Διδάκτωρ του Οικονομικού Πανεπιστημίου παρουσίασε το ποιες είναι οι συνήθειες και οι συμπεριφορές του διαδικτυακού χρήστη γύρω από θέματα υγείας σύμφωνα με τα αποτελέσματα που προέκυψαν από τη έρευνα του doctoranytime με το Εργαστήριο Ηλεκτρονικού Εμπορίου και Ηλεκτρονικού ΕπιχειρείνELTRUN του Οικονομικού Πανεπιστημίου Αθηνών, σε περισσότερους από 1350 χρήστες.

Η βραδιά κορυφώθηκε με την βράβευση των 100 top γιατρών στην Ελλάδα όπως αυτοί προέκυψαν από τις προτιμήσεις των ασθενών που εκφράστηκαν στις φόρμες αξιολόγησης του doctoranytime.

Να σημειωθεί ότι το doctoranytime έχει συλλέξει και συνεχίζει να το κάνει αξιολογήσεις για τους γιατρούς που συνεργάζονται με την υπηρεσία, από παραπάνω από 70.000 ασθενείς, μέρος των 4.500.000 ασθενών που έχουν συνολικά βρει τον καλύτερο γιατρό για εκείνους. Οι αξιολογήσεις αυτές που συλλέγονται και παρουσιάζονται με τρόπο αδιάβλητο και διαφανή αποτελούν την καλύτερη δυνατή σφυγμομέτρηση σχετικά με τις προτιμήσεις των ασθενών στους γιατρούς. Ενώ σε συνδυασμό με πληροφορίες όπως το κόστος της επίσκεψης και κάθε ιατρικής πράξης καθώς και την εμπειρία και την εξειδίκευση, ο χρήστης πραγματικά μπορεί να βρει τον καλύτερο γιατρό για εκείνον. Το 63% των ασθενών όπως προέκυψε από την έρευνα του εργαστηρίου ELTRUN βρίσκει πλέον τον γιατρό που θα εμπιστευθεί online.

Τέλος, σε μία εκδήλωση γύρω από την υγεία δεν θα μπορούσε να λείψει η κορυφαία έκφρασή της ανθρωπιάς που είναι άρρηκτα συνδεδεμένη με το ιατρικό λειτουργημα. Έτσι, στην βραδιά αυτή σε κλίμα φορτισμένο από συγκίνηση, βραβεύτηκαν εκείνοι οι γιατροί που ανταποκρίθηκαν χωρίς δεύτερη σκέψη στο κάλεσμα του doctoranytime, και έσπευσαν το καλοκαίρι του 2018 να βοηθήσουν τους πληγέντες από τις φωτιές.

Την εκδήλωση παρουσίασε η κα. Ζήνα Κουτσελίνη και παρευρέθηκαν περισσότεροι από 270 επισκέπτες, μεταξύ των οποίων γιατροί, πανεπιστημιακοί πρόεδροι Ιατρικών και Οδοντιατρικών συλλόγων της χώρας, φορείς υγεία και εκπρόσωποι από τον φαρμακευτικό κόσμο.

Το RevolutionizingHealth τελέστηκε υπό την αιγίδα του Ερευνητικού Πανεπιστημιακού Ινστιτούτου Ψυχικής Υγείας, Νευροεπιστημών και Ιατρικής Ακριβείας «ΚΩΣΤΑΣ ΣΤΕΦΑΝΗΣ» Πανεπιστήμιο Αθηνών (Ε.Π.Ι.Ψ.Υ.), του Πανελλήνιου Ιατρικού Συλλόγου (ΠΙΣ) και του Ιατρικού Συλλόγου Αθηνών (ΙΣΑ).

Την εκδήλωση υποστήριξαν οι εταιρείες ΦΑΡΜΑΣΕΡΒ-ΛΙΛΛΥ Α.Ε.Β.Ε. και B3D, ενώ χορηγοί επικοινωνίας ήταν η HuffingtonPost και το News 24/7.

 

Για περισσότερες πληροφορίες αναφορικά με τη διοργάνωση του Revolutionizing Health 2018 επισκεφθείτε το www.doctoranytime.gr ή τη σελίδα του στο Facebook.


          Después de la tormenta      Cache   Translate Page      

 
Two friends asleep
years locked in travel
Good night my darling
as the dreams waved goodbye
-Leonard Cohen


Contar un final resulta agotador. Los finales pueden durar días, meses, años incluso. Después de la tormenta relata una larga jornada en que su protagonista logra, por fin, aceptar su presente. El filme de Hirokazu Koreeda hace palpable la sensación de desolación y melancolía de quien sufre por tratar de revivir una relación acabada. En el tono menor que caracteriza los últimos largometraje del realizador japonés, Después de la tormenta concentra nuestra atención en las en apariencia mínimas transformaciones diarias de una galería de caracteres humanos del Japón contemporáneo. Una estética que tiene como precedentes tanto a Ozu como a Chéjov. Koreeda limita la narración al transcurso de un largo día durante el que Ryota (Hiroshi Abe) intenta conciliarse con su pasado, así como con su ex-esposa y su hijo. Tal como ocurre en nuestra cotidianeidad, nada sucede de repente. Cada día parece una variación mínima de un día ya vivido. Después de la tormenta elude las soluciones fáciles. Este melodrama evita la tan favorecida historia de las segundas oportunidades. Más bien, en el rescate de la peculiaridad de la historia de sus protagonistas, se encuentra un sucedáneo de redención, y no en el torcer el destino de manera más dramática. Curiosamente, si se puede criticar algo en la película es en que situaciones y personajes estereotípicos aparecen con frecuencia. Por ejemplo, el modo en que se delinea la relación del hijo de Ryota con el novio de su madre, o el papel que juega Shinoda Yoshiko (Kirin Kiki), la madre de Ryota, ya que estas no se salen de esas  formas preestablecidas en que el posible padrastro resulta un personaje antipático, o en que la madre siempre es comprensiva y afectuosa.


A pesar de ello, el drama central de Ryota conmueve. El deseo de Ryota por escapar a la sombra de su padre ha sido infructífero, su frustrada carrera como escritor lo ha visto conformarse con un trabajo que detesta, su fracasada relación con su ex-esposa lo obsesiona. Todas estas situaciones no son obstáculo para sentir empatía por el protagonista, para comprender, pues, la carga que lleva en sus hombros. Sin pintarlo con excesivo sentimentalismo, la película logra construir un retrato humanista y compasivo. Después de la tormenta logra convenir la desazón de quien ha caído en un aparente callejón sin salida. En las escenas finales del filme se alcanza a vislumbrar una luz. Aceptar un presente al tiempo que conciliarse con el pasado puede ser el primer paso para superar lo que parece como una situación sin salida. Koreeda nos persuade, con un dejo sentimental, de la autenticidad de su retrato. Después de la tormenta narra el cierre de un drama menor, que como sabemos no empieza ni se cierra como solemos imaginar, sino que avanza con el paso lento que lo hace nuestro día a día.



Tráiler 



          Crisis de familia      Cache   Translate Page      


Sobre Un lugar en silencio - El sacrificio de un ciervo sagrado - Verano 1993


Todas las familias felices del cine se parecen, pero resuelven sus problemas de formas distintas. Hace un mes coincidieron tres películas que lidiaban con crisis familiares. Cada una solucionándolas a su manera. Anotar las diferencias que hay entre ellas puede servirnos de indicador del tipo de cine que representan. Este ejercicio nos ayuda a superar las categorías con que tendemos a dividir a los filmes y encontrar un grupo que se ajuste más a los rasgos de cada película. Antes que catalogar perezosamente a los largometrajes bajo las abstractas etiquetas de cine de autor, cine comercial, o cine arte; más vale desafiar aquellos conceptos que creemos absolutos con  base en las evidencias que nos revelan las películas mismas. El hecho de que estos tres disímiles filmes giren sobre a un mismo conflicto (una familia en crisis) sirve de excusa para ver en sus diferencias el espectro de propuestas audiovisuales que se ofrecen para el espectador en la cartelera comercial. 


Un lugar en silencio: La familia como refugio.

Es un nuevo fin del mundo. Una familia se las ha arreglado para sobrevivir en una realidad inhóspita. La aparición de unos monstruosos alienígenas se convierte en el momento en que los lazos familiares se fortalecen (los protagonistas se apoyan para sobrevivir y no hacer el menor ruido, pues este atrae a los depredadores). Y esto lo afirmo a pesar de que Regan (Millicent Simmonds), una de las hijas, le entrega un ruidoso juguete a su hermano, Beau (Cade Woodward) –esta pequeño acto de hermandad se convierte en la causa de la muerte de Beau apenas comenzado el filme–. Un lugar en silencio plantea el drama de la desaparición de uno de los miembros del núcleo familiar como el centro dramático con que se contrasta al relativamente genérico desarrollo del suspenso y terror de la película. Mientras que el ingenioso punto de partida se desenvuelve apegado a las convenciones del género, el drama se resuelve bajo las ideas preconcebidas que tenemos sobre las familias: oasis en que sus miembros encuentran la protección del malvado mundo exterior. La familia es una unidad que protege a sus miembros de la desaparición (aquí presentado de forma muy literal). La ópera prima de John Krasinski es un entretenido y predecible filme que varía sobre una premisa sin atreverse a romper con el esquema que utiliza. Un lugar en silencioocupa el sitio que en el año pasado tuviera Don't Breathe y el antepasado Lights Out. Filmes que variaban el género a partir de una premisa distinta, aunque sin preocuparse por el drama que contaban. La crisis familiar se limita a ser un punto de inflexión. Un lugar en silenciose constituye, en realidad, en un ejercicio de estilo; absorbente por momentos, aburridor de cuando en cuando. El largometraje, si se quiere, resulta una admirable demostración de técnica en el que la familia y sus crisis no son más que un mero pretexto.


El sacrificio de un ciervo sagrado. La familia como prisión.



En lo que parecen las antípodas, se posiciona el nuevo filme de Yorgos Lanthimos. Una película en la que las ideas preconcebidas sobre la familia son desafiadas. La idílica vida familiar de los Murphy se ve alterada con la aparición de Martin (Barry Keoghan), hijo de uno de los pacientes de Steven (Colin Farrell), padre de los Murphy. Martin es huérfano desde el momento en que perdió su padre en una cirugía realizada por Steven. Aunque las relaciones entre ambos parecen cordiales, hay una tensión entre ellos que termina de desatarse de manera inesperada: una extraña enfermedad abate a los miembros de la familia Murphy. La única solución, le dice Martin a Steven, es que sacrifique a uno de ellos. Pronto los resentimientos e insatisfacciones saldrán a flote, pronto la unidad familiar se resquebraja, ya que cada uno quiere sobrevivir, así sea a expensas de los otros. El sacrificio de un ciervo sagrado comienza con los rasgos estilísticos propios del director griego. Pero se va apegando, paulatinamente, a la lógica del cine de terror. Antes que cine de autor, Lanthimos copia el modo en que se desarrolla  el cine de género. Le introduce, sin embargo, toda una narración que subvierte el molde. Lanthimos realiza una película al estilo de Von Trier. Ni cine de autor, ni cine de género. Un híbrido con el que quiere confrontar a la audiencia, con el que quiere incomodarla. Infortunadamente el filme termina apelando a una provocación obvia en el último tercio, explicándose como ocurre en las peores películas de cine comercial. 
 


Verano 1993. La familia como un nuevo mundo.

No solo la imagen de Verano 1993 se asemeja a la cotidianeidad. También su forma de retratar a las familias y sus pequeñas crisis. La realizadora catalana Carla Simón registra el día a día sin imponerle una visión. Su objetivo es más bien filmarlo como un terreno a explorar, como si se tratara de una nueva realidad. Lo que llamamos familia se define en esa experiencia diaria, no como una idea preconcebida, ni como una idea a desafiar. El verano de Frida (Laia Artigas)  y sus nuevos padres se desenvuelve del mismo modo en que vivimos las nuevas relaciones: un primer período de cordial estudio mutuo y un segundo en que las verdaderas personalidades se revelan. Bien puede decirse que por minutos la familia es refugio, mientras que en otros es prisión. Verano 1993 no intenta imponer una idea, sino hacer de la experiencia cotidiana una forma de explorar qué significa el tener que cambiar de familia, qué significa ser nuevo miembro en un grupo familiar. Por ende, las relaciones aquí presentadas tienen un grado de mayor complejidad. Si observamos atentamente nuestra vida diaria, esta se descubre extraña y sorprendente, tal como ocurre en Ozu, en Rohmer, o en los filmes del recientemente premiado Hirokazu Koreeda. Simón se suma a una serie de realizadores que antes que encorsetar a los dramas en un género, o en buscar transgredirlos con un discurso subversivo, intentan revelar los múltiples matices y ambigüedades de los terrenos que creemos conocidos. La familia no solo es un nuevo mundo para Frida en Verano 1993, lo es para todos nosotros, los espectadores.




          Verano 1993      Cache   Translate Page      


Es de noche cuando Frida parte para su nuevo hogar. Todavía no sabe muy bien cómo será su nueva vida, ni en qué consiste el vacío que han dejado sus padres. Verano 1993 reconstruye los meses en que una niña se ve obligada a hacer parte de una nueva familia al haber perdido la suya. Sus realizadores son fieles a la perspectiva de su protagonista, como también lo son al avance cotidiano, extraño a las inflexiones dramáticas recurrentes. La ópera prima de Carla Simón hereda tanto de Ozu como de Rohmer. La aparente ligereza de su anécdota da pie para una reconstrucción detallada de la vida diaria de su protagonista, a la vez que busca indagar en el modo en que la obligada inserción de una niña en una nueva familia afecta a la niña y transforma las dinámicas familiares.


Con base en su propia experiencia, la realizadora española fabula a partir de los recuerdos. No es una copia exacta de hechos pasados, sino que se utilizan estos como puntos de partida. La autobiografía da una materia prima con la que se puede dibujar el día a día de un niño que cambia de entorno. A pesar de que el aire personal invoque a Truffaut (y sus filmes sobre Antoine Doinel), la perspectiva se asemeja más a la de Rohmer y sus Comedias y proverbios. Las anécdotas en apariencia intrascendentes eran las fuentes desde la que se revelaban los dramas mínimos de unos protagonistas que así develaban su naturaleza. Así también ocurre en Verano 1993. Por ejemplo, el modo en que a Frida le afecta la pérdida de su madre va revelándose paulatinamente, a través de ritos íntimos como el llevarle objetos a una figura de la Virgen, quien intervendría para llevarlos a su difunta madre. Simón, entonces, continúa una tradición de relato moderno en que los conflictos salen a la luz de manera oblicua, del mismo modo en que ocurre en la cotidianeidad.


A medida que pasan los minutos, el drama interior se va develando. La difícil inserción en una familia, la carga del duelo, la estigmatización de quienes se sospechaban eran portadores del VIH. Verano 1993 sobresale porque muestra todos estos conflictos como resultados naturales del ajetreo cotidiano. La inadecuación que siente Frida aparece como consecuencia de sucesos casi intrascendentes (un regalo de su abuela, un enfado con su hermanastra, etc.), se van acumulando para crear de manera progresiva el retrato de una niña sumida en el trance de pasar de una familia a otra, de una vida a otra. Verano 1993nos confronta con la realidad del duelo en los ojos de quien lo sufre. Lo hace en tono menor, modesto, oblicuo. Un tono que se ajusta a nuestro diario vivir. Esta ópera prima es una digna reconstrucción del drama de quienes se ven obligados a abandonar un hogar para comenzar a vivir de nuevo en otra casa. El abandono de una vida y el paso a una nueva, aunque suene grandilocuente, aquello es lo que logra narrar este pequeño y maravilloso filme.






          Zama      Cache   Translate Page      



La primera imagen de Zama es engañosamente conocida. Solo con el paso de los minutos se puede comprender que lo que vemos ha sido alterado por la perspectiva de su protagonista. El hombre que observa en la orilla con una postura que vagamente recuerda la de los conquistadores es Don Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), funcionario de la corona atrapado en un recóndito enclave del imperio. La seguridad y determinación que exuda pronto es remplazada por una incurable melancolía y por un permanente nerviosismo, por un sentirse fuera de lugar. La película comienza así, desde las imágenes preconcebidas, para ir mutando hacia otra imagen distinta, la de un mundo nuevo y extraño. Se parte de lo que se cree saber para llegar a lo desconocido, el filme se convierte en un recorrido a un territorio inexplorado en que sus habitantes son desconocidos de sí mismos. El nuevo largometraje de Lucrecia Martel cuenta el proceso en que el protagonista acepta el universo en que vive, lejano a las quimeras que habían marcado su existencia. Zama relata el despojo que sufre el protagonista, que pasa de ser funcionario de la corona a un americano más. Se trata tanto de un viaje interior como de una travesía propiamente dicha. Además, el filme aspira, ambiciosamente, a narrar la metamorfosis de una conciencia, un cambio equivalente a contar la historia americana. Aspira, de hecho, a reescribir la historia y ajustarse a una nueva realidad. Es, pues, la épica de un burócrata atrapado en un mundo nuevo.


El Zama de hoy tuvo como antecesor la novela de Antonio Di Benedetto. A su vez, la novela imaginaba una ficción que rompía con los paradigmas de las crónicas e historias de la colonia. En todas estas sucesivas reescrituras persiste el afán por atrapar la experiencia vivida. ¿Cómo era la vida colonial? ¿Qué significa, después de todo, vivir en América? La versión de Martel no intenta ser un fiel recuento historiográfico (se basa en una ficción), ni quiere replicar las representaciones de las películas y novelas históricas. Por ello, se toma libertades y altera de manera deliberada su puesta en escena –por eso incluye a personas de color en papeles que no estaban incluidos en la novela–. La imagen alternativa que busca la directora trata de darle voz a quienes han sido silenciados por historiadores y cronistas. Zama intenta revelar una verdad no dicha a través de su épica en voz baja.


El filme se divide en 3 secciones que siguen la narración episódica y fragmentaria de la novela. A Don Diego de Zama se le ha prometido su pronto traslado a España para estar junto a su esposa e hijos. Pero el lento avance de la burocracia lo ancla a la colonia. Gradualmente irá reconociendo que el traslado y la espera de una vida futura no se materializarán y que su vida se reduce a lo que ocurra en suelo americano. Lugar en que corteja sin éxito a la esposa de un ministro, se enzarza en una pelea con su secretario, se ve obligado a mudarse a una ruinosa pensión por no haber notado que uno de los funcionarios dedicaba las horas laborales a escribir una novela, tiene un hijo con una indígena y se enrola en una misión que busca atrapar al legendario bandido que ha asolado la región, y al que han matado en varias ocasiones. Zama narra todos estos eventos como episodios separados que afectan progresivamente la conciencia del asombrado protagonista.



Desde el comienzo el uso del sonido sirve para dar paso a una suerte de voz interior del personaje. Las escenas son interferidas por diversas voces que hablan en tono profético o simplemente deliran. No se trata entonces del dispositivo ortodoxo en que un personaje narra ordenadamente una historia para el espectador, sino es más bien un monólogo interior con que se va mostrando los cambios que sufre el protagonista. Este tratamiento sonoro se conjuga con las variaciones de encuadre que marcan cada una de las tres secciones de la película: más cerrados en la segunda y más amplios en su desenlace. Zama adapta la narración de Di Benedetto a través de estos procedimientos, los versiona para darle un nuevo sentido: el de la ruptura de unas concepciones –la mentalidad de Zama como parte de la corona española– a otras que se derivan de la experiencia en un territorio nuevo. Resulta destacable el filme de Martel al convenir la mutación de este personaje de modo plausible e iluminador.


La ficción es una forma de apropiación de territorios, afirmó Martel en el libro Estéticas de la dispersión. Zama se presenta como un ejemplo perfecto de tal propósito. Ya no vemos el relato oficial, ni las representaciones con que se ha estereotipado a la colonización de América (y también, por qué no, la historia de las nuevas naciones independientes). Ahora se reescribe desde las voces asordinadas esta Historia, para así observar la corrupción e ineptitud de los gobernantes, el desapego de los funcionarios, el aura legendaria que se ha otorgado a los bandidos y la inmensa melancolía que embarga a los americanos. Todo esto hace parte de Zama. Una película que desde su relato mínimo aspira a ser una película total. Un filme que busca quebrar los paradigmas establecidos para ir sembrando las ansias por explorar todo lo no-dicho sobre la Historia de este rincón del mundo. Zama es una invitación a iniciar una expedición que narre, de manera más ajustada, la experiencia de los individuos que han quedado ocultos a los grandes relatos históricos. Así, el objetivo que persigue el filme consiste en pasar de las imágenes establecidas a aquellas que se adecúen a nosotros.


Tráiler




          Sal      Cache   Translate Page      



El desierto no suele aparecer en el cine colombiano. Menos aun como aparece en Sal. Un lugar imaginario que nos obliga a contemplar la ausencia de acción, un sitio que surge más del cine de ciencia ficción de las distopías y de la literatura fantástica. El desierto de Sal no se encuentra en los mapas. Si algo se puede admirar del segundo largometraje de William Vega es su capacidad por volver verosímil a semejante paisaje. No sucede así con el opaco relato que cuenta. La historia del huérfano que vuelve a buscar a su misterioso padre ha dado pie a relatos claves en Latinoamérica. Ese hilo lo utiliza Salde un modo más oblicuo, al punto de hacerlo casi prescindible. El largometraje se atiene al presente y menciona su relato, pero se niega a desarrollarlo. Las posibles motivaciones de su protagonista apenas se bocetan, aunque el filme inserte con frecuencia secuencias que no hacen sino recordarlas. Ese constante vaivén, entre concentrarse en la contemplación de un presente y el de volver a un relato prototípico, no le hace bien al filme. Al punto de que parece una película sobre la historia que se resiste a contar. En tanto esto puede sonar como una empresa deseable para una estética alternativa a la del cine comercial, esta película no sabe a dónde dirigir nuestra perspectiva al evitar la narración. Sal parece el borrador que prefigura un nuevo cine, oblicuo, uno que narre nuestra desolación evitando los relatos estereotípicos. Y como tal tiene escenas de gran imaginación y poesía, así como otras que han sido notoriamente tomadas a préstamo de diversas fuentes. En últimas, no todo encaja y la película deja una sensación de narración inconclusa. A pesar de su valentía y de sus méritos, Sal  no termina de encarnar ese cine por venir, sino que parece su torpe anunciador. Se trata de un filme estimulante e irregular que añade nuevos escenarios con una propuesta estética prometedora e incompleta.




          El sacrificio de un ciervo sagrado      Cache   Translate Page      


Casi al final El sacrificio de un ciervo sagrado se rompe. Martin (Barry Keoghan) le explica a Steven (Colin Farrell) con una "metáfora" el por qué de su venganza. Una explicación que busca inquietar al espectador por la crudeza de sus imágenes, una explicación dicha literalmente a mordiscos. La transparente intención de provocar no termina por surtir efecto, sin embargo. En el mundo de las explicaciones, todos estamos a salvo. La más reciente película de Yorgos Lanthimos perturba hasta que decide hacer explícitas sus intenciones. El desconcierto que produce el desenlace opaca lo que de otro modo sería un inquietante largometraje. Sin ser una película de género, el director griego recurre a elementos del cine de terror y el melodrama para alimentar su peculiar estilo. En la mayoría del filme consigue un cruce verdaderamente extraño: una película de terror que explora las contradicciones de la clase acomodada y de la institución familiar. Al introducir sus fuentes (el mito de Ifigenia) y explicitar en voz de los personajes sus motivaciones, no obstante, se alivia la tensión. El filme termina siendo más cercano al cine comercial de lo que inicialmente aparenta. De hecho es, si se quiere, una película Lanthimos-Hollywood.
 

Glenn Kenny criticó a Langosta, película previa de Lanthimos, citando el concepto que diera Buñuel de las películas de Marco Bellochio: filmes que burdamente buscaban provocar con lo obvio, filmes que se reducían a un catálogo de vulgaridades. Y aunque creo que es injusto achacarle tal concepto a Langosta, si se ajusta al tramo final de El sacrificio de un ciervo sagrado. La película resulta fascinante como mezcla de lo genérico y del estilo personal hasta que su realizador decide ponerle altavoz a las observaciones que tiene sobre las relaciones familiares. Lo que sugería con perspicacia, se torna en un superficial espectáculo macabro. Ahora, mientras esto no es un motivo para desestimar del todo a esta película, ni al cine de Lanthimos, si le da un sabor amargo a lo que de otro modo sería un filme turbador. En otras palabras, la película sacrifica el misterio para conformarse con un dudoso sentido.


Tráiler



          The Florida Project      Cache   Translate Page      

La eternidad debe parecerse al tiempo de vacaciones. Libre de la presión de los compromisos y las fechas de entrega. Tiempo inmóvil. Todos lo hemos vivido: trabajadores, niños y desempleados. The Florida Project capta esa sensación de tiempo estático, pues se ocupa de niños y desempleados. El nuevo filme de Sean Baker nos convence de estar observando la realidadde un grupo marginal que vive a la sombra de los parques de diversiones de Orlando. Sus realizadores imitan esa esquiva lógica de la realidad, que diría Piglia, al punto que incluso esa sensación de tiempo detenido que flota en el aire durante nuestros recesos es la que se impone como avance del tiempo del largometraje. El tiempo de los marginados. The Florida Project nos hace espectadores del día a día de una población que vive a los costados de un lugar prefabricado como paraíso de descanso. Fiel a los anhelos, características y contradicciones de ellos, la película presenta un persuasivo recuento de quienes sobreviven junto a una fantástica tierra prometida.




Verano. Moonie (Brooklyn Prince) y sus amigos dedican sus días a vagabundear por entre moteles, pastizales y casas abandonadas. Cada salida promete ser un terreno fértil para las travesuras y las aventuras. Entre tanto, Halley (Bria Vinaite), su madre, apenas puede conseguir el dinero para pagar el alquiler semanal de una habitación de Magic Castle, el motel en el que viven. Magic Castle es, de hecho, toda una comunidad variopinta de personas de bajos recursos para los que Bobby (Willem Dafoe), el administrador del lugar, debe tratar de encontrar un punto medio entre el rigor y la flexibilidad. The Florida Project traslada el decurso cotidiano de manera plausible para que  lo veamos como la realidad cercana que es.


Sean Baker dice haberse inspirado en las películas de Our Gang para el desarrollo del filme. Lo que es notorio a un nivel superficial, en particular en la manera en que se desenvuelven las acciones de la trama. Pero el acercamiento de los realizadores le da un mayor interés a captar una realidad social específica de los EEUU. A su manera, Baker es tanto heredero de Mike Leigh, como del realismo sucio de Raymond Carver. Inclusive podía denominarse al cine que practica como Neorrealismo Pop ¿Quién hubiera creído que en el mismo vecindario de Disney se encontraba el escenario perfecto para una película neorrealista? The Florida Project visibiliza las miserias de una realidad que no aparece con frecuencia en las películas estadounidenses comerciales. Sin explotar la pobreza, el director la muestra, acaso retomando el ideal de que al hacerlo, al mostrar lo real tal cual es, se podrá rescatarlo, se podrá dar pie a una visión humanista. 
 


No puedo evitar mencionar el final del filme. A diferencia de la mayoría del metraje, la unidad de la película se rompe al introducir una especie de final fantástico, un irónico happy-ending salido de la imaginación de su protagonista. La cercanía con Disney constituía toda una tentación, ya que así se subrayaba el contraste de dos realidades. Y en tanto el título de por sí ya apunta a esto (un comentario sobre el fracaso de un proyecto utópico, y, por qué no, de cierto fracaso de las políticas estadounidenses), el desenlace lo remarca de un modo innecesario. Quiebra con la estética del filme, con su lógica, por así decirlo. Se trata de un provocación, claro está (más si se tiene en cuenta que para filmar en Disney World no se solicitó permiso alguno). También se trata de un gesto: una forma concreta en que los realizadores señalan como la cultura pop se vuelve un modelo sobre el que construimos nuestras identidades y deseos. Un final que, por lo demás, da una idea exacta de hasta qué punto el filme es heredero del mentado neorrealismo. Si tomamos el final de Alemania, año cero, por ejemplo, la película de Rossellini concluye de manera trágica y existencial, reflejo del zeitgeist de posguerra; el final de The Florida Project, en contraste, refleja el estado de cosas actual: uno en que impera más la ironía y la ambigüedad. El reconocimiento de las diferencias, así como de sus puntos en común, puede llevarnos a comprender los distintos intercambios que moldean aquello que denominamos cine. The Florida Project se añade como una estimulante adición que da testimonio de la vida de quienes sobreviven a la sombra de los parques temáticos, una realidad asombrosa y fantástica que apenas ha comenzado a explorarse.
 







          Rostros y lugares (Visages Villages)      Cache   Translate Page      


Dicen que cada rostro tiene escrito su historia. En Rostros y lugares (Visages Villages, en la traducción se pierde la aliteración) los rostros de habitantes de la Francia rural se superponen a los sitios en que ellos trabajan y habitan. Agnès Varda y JR registran encuentros y desencuentros de su deambular por los campos franceses en aras de poner en marcha un proyecto artístico que es tanto intervención artística como escenificación del proceso creativo. El objeto es que la ampliación de las fotografías de rostros sirva como una marca que visibiliza relatos de personas comunes y corrientes. Rostros y lugares propone una lúdica conjunción de esfuerzos para quebrar la monotonía al hacernos mirar un territorio desconocido: el rostro de otro como testimonio de una vida. Por una parte, los realizadores apuntan a que por medio de este proceso se modifique la percepción tanto de transeúntes como espectadores. Con su estrategia, por otra parte, Agnès y JR nos hacen mirar historias menores que pasamos por alto, vidas que se ven opacadas por nuestras costumbres y por  la escala de prioridades que impera en nuestras sociedades. Nada puede compararse con el rostro humano, dijo alguna vez Carl Theodor Dreyer; como si fueran fieles a tal juicio, los realizadores se dan a la tarea de explorar una insólita (y evidente) intersección: la de un rostro y el sitio en que vive. De ahí, y de la lúdica escenificación con la que presentan su proyecto, se desprende una genuina felicidad y una necesaria recuperación. Así pues, el filme se puede describir como un cruce de caminos entre el cine y el arte por medio del cual se revelan facetas y relatos desconocidos de territorios cercanos e inexplorados.


Mientras que casi todas las personas invitadas a hacer parte del proyecto les abren la puerta a los realizadores (al punto de ser casi irritantemente predecible su avance), la película cierra con una puerta cerrada. Rostros y lugares muestra tanto los encuentros felices para JR y Agnès; o mejor, la empresa que surge a partir del encuentro de ambos artistas; como también el desencuentro de Agnès y Jean-Luc Godard. Colaboradores y amigos cercanos en el pasado, el propuesto encuentro termina con una escena amarga ante la negativa de Godard a responder a su llamado. ¿Sabotaje del propósito de Varda? ¿O modo de transmitir un mensaje más profundo y opaco? El filme cierra con la ambigüedad del gesto de quien se niega a hacer parte de la lógica de un juego que nos ha permitido conectar fisionomías y geografías. Y en tanto este segmento suma una evidencia más del inexcusable comportamiento del realizador franco-suizo, añade también una incógnita: por qué uno de los motores de la renovación audiovisual se niega a hacer parte de un proyecto de tan estimulante y juguetón.


La respuesta probablemente no resulta relevante. De hecho, esta conclusión enriquece al documental al hacer irrumpir una lógica más caprichosa y subterránea: la de individuos que dejan esporádicas marcas con mensajes cifrados en relatos documentales y de ficción. El mensaje y la puerta cerrada de Godard sugieren todo un relato no dicho, el mundo privado del autor. Hoy que vuelve a discutirse sobre los alcances morales de la ficción, así como sobre la línea divisoria entre artista y obra, el cierre de Rostros y lugares quizás resulta más diciente que dichos debates. El desenlace puede leerse como prueba de que la película ha sido un constructo que de pronto se quiebra por la aparición de una realidad ajena a la lógica del filme. Acaso el final sea la más reciente refutación del cine de autor: el registro de como lo real interrumpe el designio del creador. O quizás sea simplemente el viejo cascarrabias (Godard) arruinando el trabajo de sus colegas. Sea como sea, el cierre añade una dimensión más a un documental emocionante. Un largometraje que nos abre la entrada a lugares y personas que hemos pasado por alto en nuestro cotidiano ajetreo, uno que concluye con una puerta cerrada y una pareja disímil mirándose junto a un lago iluminado.









          El hilo fantasma      Cache   Translate Page      



El hilo fantasma empieza con una declaración. Junto al fuego de la chimenea, Alma (Vicky Krieps) afirma que Reynolds (Daniel Day-Lewis), su esposo, ha hecho sus sueños realidad. Con lo convencional que pueda sonar, el largometraje la vuelve una declaración casi perversa. El intercambio del que nos habla orgullosamente la protagonista se encuentra lejos de los sentidos que les damos a dichas palabras. El más reciente largometraje de Paul Thomas Anderson retrata un romance inusual con engañosa convencionalidad. Se trata de un filme que rompe con parte de los rasgos que convirtieron al director californiano en una figura reconocida. El drama íntimo de una pareja tenía como precedente la subestimada y perspicaz Punch-Drunk Love. No obstante, El hilo fantasma ya no juega con los tropos de las comedias románticas, sino presenta más bien un romance gótico que tiene un espíritu buñueliano, o, incluso, un romance buñueliano narrado por Hitchcock. La película cuenta la historia de una pareja en la que el amor es a un tiempo bálsamo y veneno. 


Misterioso e hipnótico, el largometraje juega con las expectativas del espectador, pues por momentos adopta la apariencia de un relato detectivesco y por otros de relato gótico. Su simplicidad es ilusoria. El filme se apega a esquemas y convenciones; por ejemplo, comienza con un personaje (Alma) que enmarca el relato como si fuera su recuento, tal como ocurre en muchos relatos de fantasmas. Las convenciones se alteran dramáticamente en el curso del metraje, sin embargo. Los sueños a que se refiere Alma se traducen en un sorpresivo relato de obsesiones y luchas de poder. Las imágenes nos sugieren un apacible retrato, similar a la imagen que vemos cuando observamos nuestro reflejo en las aguas de un estanque. Pero como ocurre con los estanques, las aguas ocultan una oscura profundidad llena de cenagosos secretos. Revelar el fondo turbio de las personalidades de sus protagonistas ateniéndose a una torcida idea de idilio es un equilibrio con el que los realizadores logran mantener a flote este magnífico filme.


Reynolds Woodcock es un reconocido diseñador de hábitos inquebrantables. Soltero empedernido, sus rutinas dependen del orden que impone su hermana Cyril (Lesley Manville). La irrupción de Alma altera estas costumbres de modo definitivo. Así esta historia suene manida y encantadora, El hilo fantasma quiebra los moldes al ceñirse al modelo. El amor y la enfermedad se entrelazan como si fueran partes de un mismo elemento. El amor transforma, lleva a lugares inesperados. La unión amorosa desafía la normalidad e introduce un nuevo orden de monstruosa armonía. Lo que parece un plácido romance se trata de un apasionado y encarnizado encuentro. Alma y Reynolds, al conocerse, cambian de manera irreparable. Su unión provoca malestar y contento, pues su relación es tanto oasis como campo de batalla. El hilo fantasma conecta facetas ocultas con narraciones archiconocidas. Hasta el objeto más reconocible devela dimensiones nuevas cuando alteramos nuestras estatizadas perspectivas. La película subvierte la declaración inicial de Alma siendo fiel a la monstruosidad de los personajes. Distorsiona las convenciones al usarlas para cargar con sentidos distintos a los que se han repetido en decenas de otras películas.


Ahora, conviene mencionar el significado del término "hilo fantasma": uno que se refería a la enfermedad que sufrían las tejedoras inglesas que, tras coser todo el día, continuaban tejiendo un hilo invisible en la noche. Su labor les dejaba una secuela que se traducía en un movimiento obsesivo. Y en el filme de Anderson esa secuela es el amor. En el clímax, Reynolds enferma. Su lazo con Alma se hace más poderoso, ya que el enfebrecido Reynolds ve al espectro de su madre, con quien ha estado obsesionado toda su vida. El amor es un espectro que va a rondar a los protagonistas para que puedan satisfacer sus deseos e hundirse en su dolor. Su relación consiste en unirse para curarse y luego, con el tiempo, torturarse, una y otra vez. Un ciclo que enmarcan las palabras de éxtasis de Alma del comienzo.


Resulta iluminador ver que si bien Alma parece dialogar con otro personaje al que cuenta su historia (lo que haría de la narración de El hilo fantasma, su relato), esto se trata más de una organización del filme con que los realizadores imitan al clasicismo. Ni las escenas que preceden ni las que se suceden a las intervenciones de esta conversación tienen relación directa con el discurso de Alma. La imitación de las convenciones implica una serie de consecuencias para el espectador, quien va ver subvertidas sus expectativas. Más cuando la película no termina de hilar todas las causas y consecuencias de su relato, sino que las deja intencionalmente abiertas. La ambigüedad reina en el filme al punto de no poder afirmar si estamos ante el sesgado relato de un personaje, o ante una realidad objetiva. Antes que ello, hay un aire fantástico que atraviesa el filme (de ahí que algunos críticos lo denominen como cuento de hadas). El largometraje tiene una cualidad de suma modernidad, al reutilizar las formas del pasado de modo distinto a la convención. 


El hilo fantasma bien puede ser un punto de inflexión en la filmografía de Anderson, en la que la referencia a otras películas se vuelve la base para crear un cine híbrido: uno en que la modernidad se disfraza de clasicismo. De hecho, esta película  puede ser descrita como una versión de Diario de una camarera  (o, por qué no, Belle de Jour) vestida como si fuera Rebeca. Un relato gótico, psicológico, surrealista. No lo olvidemos, antes de terminar, los sueños de Alma se han hecho realidad. Unos sueños sorpresivos e inesperados. Unos sueños que revelan el fondo de unas turbias personalidades que están envueltas por un sosegado reflejo.





Tráiler 



 

          Lady Bird      Cache   Translate Page      



Lady Bird comienza y termina con un viaje. Nada sorprendente al tratarse de un relato iniciático. Bildungsroman, coming-of-age, educación sentimental, la ópera prima de Greta Gerwig toma un poco de cada uno de ellos y se contenta con ser un poco menos. Un filme adorable y complaciente con que buena parte de la audiencia se ha identificado. El material autobiográfico se funde con situaciones que se repiten una y otra vez en series de televisión y películas sobre la adolescencia. Encantadora y sosa, Lady Bird ofrece una educación sentimental para millenials. El retrato de una aspirante a artista de clase media. Junto a ella, el largometraje presenta a toda una galería de criaturas que van más allá del mero estereotipo, arquetipos de nuestros días. En contraste, por un lado la trama no guarda mayores sorpresas (y por qué habría de hacerlo, si nuestras vidas a veces no hacen sino repetir clichés), por otro el tratamiento episódico la hace irregular. El largometraje da la paradójica sensación de ser la historia única de una joven californiana, así como una película que repite lugares comunes sobre lo que significar ser joven. Lady Bird se apega a los caminos recorridos para que en ellos resuene la voz propia.



En el inicio viajan Christine (Saoirse Ronan), autobautizada "Lady Bird", y su madre Marion (Laurie Metcalf). Oyen un audiolibro: Las uvas de la ira de Steinbeck. Sollozan al escucharlo. La emoción las une. Pero enseguida discuten amargamente. La pelea concluye cuando Christine se lanza del carro para así tener la última palabra. A excepción de la emoción, lo demás las separa: una joven y soñadora, otra mayor y realista. A continuación la película va a sumar episodios del último año en el colegio de Christine. Se trata de viñetas que parecen variaciones sacadas de otros filmes sobre adolescentes. Al final, Christine vuelve a viajar, sola esta vez, pero con un conocimiento que la ha reconciliado con su madre. El centro del filme se encuentra en poder estrechar lazos con una figura materna con la que se ha tenido conflictos. Los viajes enmarcan esta tensión, los viajes enmarcan el melodrama. Christine comprende un poco más a su madre al concluir la película, si bien no haya mayor razón para dicho cambio. Ahora, el largometraje se sostiene por la capacidad de observación de Gerwig, quien sabe caracterizar a su realidad con suficientes detalles para hacer un convincente retrato de la adolescencia. Sentimental y dulzarrón por momentos, Lady Birdbusca hacerle justicia a las vivencias personales de la directora, aunque al hacerlo sacrifique las motivaciones del cambio de su protagonista en la relación con su madre y cierre con un happy-end más propio de una telenovela.



A pesar de la impresión de autenticidad que deja el filme, también hay un dejo artificioso que lo atraviesa. Desde esa primera escena en que madre e  hija oyen a Steinbeck en un rapto extático. La espontaneidad a veces parece impuesta, pues a los personajes se les involucra en situaciones que responden a un modo de ilustrar sus personalidades, y no a una consecuencia de la narración, la espontaneidad a veces también parece estar enlazada con una suerte de didactismo: la película nos enseña qué nos ha de conmocionar, nos enseña cuáles son sentimientos ciertos, cuáles falsos. Por tanto, hemos de sobrecogernos con las canciones que oíamos de adolescentes, hemos de abrazar al otro brevemente y luego sumergirnos en nuestro propio narcisismo. El imperio de la sentimentalidad se impone, hoy que estamos tan ansiosos de experiencias. Lady Birdcumple la función de recordar los días en que pasamos a ser adultos, inclusive con el tedio reservado a una época que parece no tenerlo. El filme de Gerwig es el heredero de una tradición que en el cine de Hollywood probablemente surgiera con Rebelde sin causa y se sentimentalizara con American Graffiti. La nueva encarnación se caracteriza por mezclar lo auténtico y lo didáctico en un relato adorable y tópico. Una combinación adecuada para una generación que prefiere esto al riesgo que implicaba romper con los padres. Este filme trata de reconciliación en varios sentidos. En definitiva, Lady Bird da una idea sobre el paisaje emocional de una adolescente, constituye un triunfo del sentimentalismo y hace oír la voz de una directora dentro de la seguridad que da seguir las convenciones trazadas por otros.











          The Square (La farsa del arte)      Cache   Translate Page      



Olvidemos por un momento el subtítulo. The Square  pudo ser solamente la sátira de un curador que no alcanza a ver el tamaño de su impostura. Una impostura casi inocente. Pero la película no se contenta con ello. Luego viene el arte, luego viene la farsa. Naturalmente todo se complica. La lucidez y la obviedad conviven en un filme en el que sus realizadores parecen estar demasiado convencidos de su propia autoridad. La ambición se queda corta, sin embargo. The Square propone una suerte de narración híbrida que alterna sketches con una dramaturgia clásica, una narración que no termina de cuajar. Así, la película ofrece una mezcla de placer y frustración. Avanza a trompicones, secuencias humorísticas y lúcidas desfilan a la par que escenas de observaciones tópicas y torpes. Más que un híbrido, el largometraje es un violento y desigual Frankenstein.


Al ser premiado con la Palma de Oro en Cannes, se la celebró como un antídoto a la corrección política que infecta al planeta. En sus momentos más brillantes, lo es (como cuando Anne (Elisabeth Moss) confronta al curador, Christian (Claes Bang)). Pero también es un prepotente filme que parece fiarse en exceso de sus caricaturas, uno que ni siquiera, por lo demás, logra decidirse si en transformarse en sátira hecha con base en performancese instalaciones, o en una clásica farsa sobre la impostura. The Squareresulta a un tiempo irregular y admirable, una soberbia historia sobre las contradicciones de un burócrata del arte y una pequeña y engreída farsa sobre el mundo del arte.




          3 anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbings, Missouri)      Cache   Translate Page      


1er anuncio: Ira. En esta semana, como protesta por la inoperancia de la justicia, dos grupos de distintas personas adaptaron la idea que tiene Mildred (Frances McDormand) en 3 anuncios por un crimen: poner tres vallas en que se señala la lentitud de las autoridades para hacer frente a distintos crímenes. No es un simple caso de la vida que imita al arte. Más bien se trata de una prueba de que el filme capta el espíritu de los tiempos. En el ambiente gravita tanto la furia y el dolor debido a injusticias sufridas, como se escucha un llamado lleno de rabia para remediar tales situaciones. Este es uno de los méritos del largometraje, que atrae precisamente por la convincente interpretación de McDormand, una víctima henchida de indignación. Esto es una explicación, además, para el éxito y la atención que genera una película desigual como esta.



2do anuncio: Caos. A propósito de Room 237, Jonathan Rosenbaum se quejaba de que los críticos no parecían darle tanta importancia a la idea de que una obra artística tuviese una coherencia con determinado planteamiento estético. Todo podría sumarse aleatoriamente, entonces, sin que nada lo cohesionara (ni siquiera el propósito de unirlo todo aleatoriamente). Una coherencia de la quecarece 3 anuncios por un crimen. La película pasa del clamor por justicia de Mildred al drama familiar de Willoughby (Woody Harrelson) y de ahí a la increíble transformación de Dixon (Sam Rockwell), sin hacer énfasis en ninguna de estas historias, como si se tratase de relatos separados que se han cosido con premura. Lo más insólito de la recepción del filme es que incluso se le alabe por su perfecta dramaturgia. En el desenlace, no hay claridad de si los realizadores querían imitar el flujo de la vida diaria (carente de dramaturgia), o arriesgarse a hacer de 3 historia conectadas 3 facetas de un solo drama. El director Martin McDonagh no es Robert Altman para sortear de modo satisfactorio el primer tipo de película, ni es suficientemente hábil como para hacer una variación arriesgada de la dramaturgia clásica. El caos termina por dominar el largometraje, por desgracia. 


3er anuncio: Redención. En primer plano teníamos la rabia de Mildred, de trasfondo nos embarga el anhelo por redimir nuestras culpas. A pesar de presentarse como una audaz forma de poner el dedo en la llaga, la película se decanta por el reconocible relato de una segunda oportunidad. Una que le otorga una salvación problemática a uno de los personajes, valga decir. 3 anuncios por un crimenlidia con conflictos que persisten en la sociedad estadounidense; sin embargo antes que indagar sobre ellos, termina por solucionarlos con un cambio milagroso. Por supuesto, todos merecemos segundas oportunidades, así como estas oportunidades han sido fuente inagotable para que el cine se haya usufructuado de ellas como un repetitivo bálsamo. El filme de McDonagh resulta mucho más conformista de lo que en principio promete. Puesto de este modo, el largometraje oculta todavía más los problemas raciales y sexistas que inicialmente parecía enfrentar, al recurrir a los remedios que hemos visto hasta la saciedad. Más todavía si se tiene en cuenta que si tuviéramos un patrón unificador en el filme, ese no es el relato de Mildred, sino el de Dixon. Dicho esto, también es excesivo atribuirle un discurso reaccionario al largometraje. Los realizadores intentan enfrentar nuestra caótica realidad a través de una narración audaz en la que un drama local refleja las contradicciones y virtudes de un país. Un intento fallido, no obstante. 3 anuncios por un crimen cuenta múltiples relatos, pero no logra hacer de ellos uno solo.



          The Post (Los oscuros secretos del pentágono)      Cache   Translate Page      



Todos los días ocurren noticias cruciales, todos los años aparecen películas que celebran una forma distinta de heroísmo. Somos las víctimas de la indiferencia que produce nuestros hábitos. Una sombra de esa indiferenciaalcanza a caer sobre la estimable The Post  (subtitulada Los oscuros secretos del Pentágono). Un filme cuya relevancia inicialmente parece provenir del modo en que  la historia del pasado hace eco en la del presente. El largometraje de Steven Spielberg no se queda ahí, por fortuna. Se concentra en mostrar los conflictos de personajes que protagonizan la noticia crucial sobre la que gira la película. Aquí podemos recurrir a Ricardo Piglia y la distinción que hacía entre relato visible y relato secreto: todo cuento narra ambos, todo cuento narra dos historias. Una explícita que sigue los hechos concretos tal como se muestran, otra interior, que sin decirlo va a sumar pistas para darle verosimilitud al giro con que concluya el cuento. En otras palabras, el relato visible en el filme de Spielberg muestra como The Washington Post  decidió revelar documentos que evidenciaban un plan sistemático de ocultamiento por parte del gobierno en torno a la guerra de Vietnam. El relato secreto se contenta, por ejemplo, con presentar la manera en que Kay (Meryl Streep) decide enfrentar sus propias inseguridades y hacerse dueña de un periódico del que ya lo es. Paradójicamente, este segundo relato salva el filme de ser un redundante canto al heroísmo.


Clásico como es Spielberg (de nuevo según las tesis de Piglia), en The Post nos da indicios de ambos relatos y los resuelve atando todos los hilos. Pero mientras la historia secreta resulta perspicaz y precisa, la otra parece casi irrelevante. El director norteamericano da muestras de estar más interesado en una introspección de la que antes apenas había dado señales. Hay incluso imágenes geniales en la película en ese sentido: Ben Bagdikian (Bob Odenkirk), uno de los reporteros del Post cuya fuente le suministra la filtración del gobierno, contacta a su fuente desde una cabina telefónica fuera del edificio del periódico. Al hacerlo, vemos la imagen distorsionada del personaje en el reflejo del teléfono metálico (acaso un correlato del proceso interior del personaje). La historia visibleno es tan satisfactoria. Un recuento académico (por académico, digo Oscars) de un heroísmo que debemos admirar. The Post vive así dos suertes distintas: por un lado, se trata de una inesperada historia sobre individuos que en medio de la adversidad deciden sortear sus miedos; por otro, celebra casi acartonadamente los ideales nobles de una nación compleja que a un tiempo los proclama y contradice.



          ΚΙΝΗΤΟΠΟΙΗΣΗ ΓΙΑ ΤΑ ΚΕΝΑ       Cache   Translate Page      

ΣΥΛΛΟΓΟΣ  Εκπαιδευτικών  Π.Ε.  
ΑΝ. Αττικής  «Ο ΣΩΚΡΑΤΗΣ»
Αχαρνές :  2/10/ 2015
Σπ. Κιουρκατιώτη  10  Αχαρνές                                   Τηλέφωνο-Fax : 210-2460973                           Πληροφορίες : Παπαγιαννόπουλος      Αποστόλης                                             Τηλέφωνο : 6978896216               
  http://syllogos-socratis.gr/                                mail:sokratis.syllogos@gmail.com
ΠΡΟΣ
ΕΚΠΑΙΔΕΥΤΙΚΟΥΣ  - ΓΟΝΕΙΣ
ΔΟΕ - Μ.Μ.Ε
                                                                                                                                  
ΚΑΜΙΑ ΠΙΣΤΩΣΗ ΧΡΟΝΟΥ ΣΤΗΝ ΠΟΛΙΤΙΚΗ ΠΟΥ ΘΕΛΕΙ ΤΑ ΣΧΟΛΕΙΑ ΝΑ ΥΠΟΛΕΙΤΟΥΡΓΟΥΝ Ή ΝΑ ΠΑΡΑΜΕΝΟΥΝ ΚΛΕΙΣΤΑ!
Οι εκπαιδευτικοί αναπληρωτές της Α’ φάσης δεν καλύπτουν παρά στο ¼ τα τεράστια κενά σε εκπαιδευτικούς στα σχολεία της περιφέρειάς μας ενώ παραμένουν κλειστά τα 2 Ειδικά σχολεία (Αχαρνών και Ωρωπού) ! Καμιά αυταπάτη αναφορικά με την πολιτική η οποία  συνειδητά υποβαθμίζει την παροχή Δημόσιας Δωρεάν Εκπαιδευσης, γιατί έτσι επιτάσσουν οι κατευθυντήριες της Ε. Ε. και του Κεφαλαίου! Καμιά προσμονή από μια πολιτική που «στεγνώνει» τη χρηματοδότηση για στελέχωση των σχολείων με τους απαιτούμενους εκπαιδευτικούς με μόνιμους διορισμούς, κάτι που θα έδινε οριστική λύση στο πρόβλημα των κενών που μεγενθύνεται χρόνο με το χρόνο!
Καμιά ανοχή στον εμπαιγμό και την απαξίωση των αγώνων εκπαιδευτικών και γονέων για το δικαίωμα των παιδιών μας στη μόρφωση ! Καλούμε τους εκπαιδευτικούς, τους γονείς και τους μαζικούς φορείς της εκπαιδευτικής περιφέρειάς μας σε κινητοποίηση :
Ø  Κάλυψη όλων των κενών άμεσα.
Ø  Καμία σύμπτυξη τμημάτων.
Ø  Κανένα τμήμα  πάνω από 25 μαθητές .
Ø   Στελέχωση των σχολείων και των δομών ειδικής αγωγής.
Ø  Κανένα νήπιο, προνήπιο έξω από τα Δημόσια Νηπιαγωγεία.
Ø  Μαζικούς και μόνιμους διορισμούς.
ΚΙΝΗΤΟΠΟΙΗΣΗ ΣΤΟ ΥΠΟΥΡΓΕΙΟ ΠΑΙΔΕΙΑΣ
Την Τετάρτη 7 Οκτωβρίου στις 13:30
Ο σύλλογός μας  προκηρύσσει διευκολυντική 2ωρη στάση εργασίας για την ίδια μέρα.
Για το Διοικητικό Συμβούλιο
                Ο   ΠΡΟΕΔΡΟΣ                                                      Η  ΓΡΑΜΜΑΤΕΑΣ

ΑΠΟΣΤΟΛΗΣ  ΠΑΠΑΓΙΑΝΝΟΠΟΥΛΟΣ                               ΔΕΣΠΟΙΝΑ  ΧΟΥΤΑ

          Der er penge i FOSS      Cache   Translate Page      
Et eller andet sted ude i verden, tilsyneladende udenfor Googles rækkevidde, existerer der et foto som er historisk i en meget snæver forstand. Billedet er tag i et "buffet/receptionsområde" på et hotel på Malta under EuroBSDcon2013 og motivet er tre nørder. Den historiske vinkel var at trioen'...
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204 Beech Avenue

There are only a few houses on any Beach street that 'establish' the image we have of this unique area in the city, and 204 Beech is definitely one of them. The many more mundane buildings here just 'go along for the ride', the character of the place has been established - they serve as the background, neither adding to or detracting from that character.

I owned 209 Beech across the road for a time, and used the small enclosed porch above its entrance as a studio. While I was there, I remember painting a small watercolour of the view from it of 204 and its neighbours. It is not nearly as good as my memory of it, but it does show 204 in context: all three interesting houses, but 204 clearly the more historic and interesting.




While I have sincere sympathy for the circumstances the Teehan's face, the only thing I can see about the site that recommends it for their accessible house design is the width of the lot - level access is available only from the back. They may, of course, also be attracted to this site by other attributes like the setting, a lovely tree-lined street, surrounded by the sort of houses that give the neighbourhood (that they have chosen as their own) its character!

I am an architect and have worked in Toronto for a progressive design-oriented firm since 1974.

I like modernist buildings - I do them! That does not mean that I believe the context of a building should not influence/inspire its design, or that we shouldn't treasure and maintain the best of our architectural heritage.


Geoff Teehan said on his website that they had considered re-renovating their Elmer house to make it accessible, but chose not to because that would be such a 'waste'. However nice the house, and the design and quality of the work they put into it, I don't believe it is one the 'character' houses in the Beach. To replace 204 with a modern building - completely out of character with its context - would be more than a significantly greater waste.

I hope you are successful in preventing the destruction of your old home, and I hope the 'spectre' of a heritage designation only serves to increase the value of the house, allowing the Teehan's to find a more appropriate site in the area to build a house that suits their needs.


          Temukan Kata Cintamu dalam 100 Bahasa      Cache   Translate Page      


Tidak tahu harus berkata apa soal cinta? Atau tidak tahu bahasa cinta?
Berikut kata cinta dalam 100 bahasa :

English - I love you
Afrika - Ek het jou lief
Albanian (Albania) - Te dua
Arabic (Arab) - Ana behibak (to male)
Arabic (Arab) - Ana behibek (to female)
Armenian (Armenia) - Yes kez sirumem


Bambara (Afrika Barat) - M'bi fe
Bengali (India) - Ami tomake bhalobashi (pronounced: Amee toe-ma-kee bhalo-bashee)
Belarusian (Azerbaijan) - Ya tabe kahayu
Bisaya (Borneo) - Nahigugma ako kanimo
Bulgaria - Obicham te
Kamboja - Soro lahn nhee ah
Catalan (Catalonia, Valencia) - T'estimo
Cherokee (Carolina Utara) - Tsi ge yu i
Cheyenne (Wyoming) - Ne mohotatse
Chichewa (Singapura) - Ndimakukonda
Chinese (Kanton) - Ngo oiy ney a
Chinese (Mandarin) - Wo ai ni
Comanche (Mexico) - U kamakutu nu (pronounced oo----ka-ma-koo-too-----nu)
Corsican (Pulau Corsica di Laut Mediterania)- Ti tengu caru (to male)
Cree (Canada utara) - Kisakihitin
Creole (Lousiana) - Mi aime jou
Croatian (Kroasia) - Volim te
Czech (Chechnya) - Miluji te
Danish (Denmark) - Jeg Elsker Dig
Dutch (Belanda) - Ik hou van jou
Elvish (Stockholm) - Amin mela lle (from The Lord of The Rings, by J.R.R. Tolkien)
Esperanto (Amerika selatan) - Mi amas vin
Estonian (Estonia) - Ma armastan sind
Ethiopian (Ethiopia) - Afgreki'
Faroese (Pulau Faroese) - Eg elski teg
Farsi (Persia) - Doset daram
Filipino (Filipina) - Mahal kita
Finnish (Finlandia) - Mina rakastan sinua
French (Perancis) - Je t'aime, Je t'adore
Frisian (Skandinavia) - Ik hald fan dy
Gaelic (Skotlandia) - Ta gra agam ort
Georgian (Georgia) - Mikvarhar
German (Jerman) - Ich liebe dich
Greek (Yunani) - S'agapo
Gujarati (Gujarat) - Hoo thunay prem karoo choo
Hiligaynon (Pulau Panay Timur, Filipina) - Palangga ko ikaw, Guina higugma ko ikaw
Hawaiian (Hawaii) - Aloha Au Ia`oe
Hebrew (Eropa timur)
To female - "ani ohev otach" (said by male) "ohevet Otach" (said by female)
To male - "ani ohev otcha" (said by male) "Ohevet ot'cha" (said by female)
Hindi (India) - Hum Tumhe Pyar Karte hae
Hmong (group di China) - Kuv hlub koj
Hopi (Arizona) - Nu' umi unangwa'ta
Hungarian (Hungaria) - Szeretlek
Icelandic (Jerman utara) - Eg elska tig
Ilonggo (Pulau Pannay) - Palangga ko ikaw
Indonesian (Indonesia) - Saya cinta padamu
Inuit (Eskimo) - Negligevapse
Irish (Irlandia) - Taim i' ngra leat
Italian (Italia) - Ti amo
Japanese (Jepang) - Aishiteru or Anata ga daisuki desu
Kannada (Canada) - Naanu ninna preetisuttene
Kapampangan (Kota Capampangan, Filipina) - Kaluguran daka
Kiswahili (Swahili) - Nakupenda
Konkani (kota Goa, India) - Tu magel moga cho
Korean (Korea) - Sarang Heyo or Nanun tangshinul sarang hamnida
Latin - Te amo
Latvian (Latvia) - Es tevi miilu
Lebanese (Lebanon) - Bahibak
Lithuanian (Lithuania) - Tave myliu
Luxembourgeois (Luxemburg) - Ech hun dech gaer
Macedonian (Makedonia) - Te Sakam
Malay (Malaysia) - Saya cintakan mu / Aku cinta padamu
Malayalam (India selatan) - Njan Ninne Premikunnu
Maltese (Malta) - Inhobbok
Marathi (India Barat) - Me tula prem karto
Mohawk(Ontario) - Kanbhik
Moroccan (Maroko) - Ana moajaba bik


          Podziel się nagraniami z narodzin Twojego dziecka – NástioMosquito, kurator festiwalu Malta zaprasza do projektu      Cache   Translate Page      

Armia jednostki / Army of the Individual to hasło Idiomu Malta Festival Poznań oraz tytuł projektu kuratora festiwalu Malta, do którego właśnierusza nabór. NástioMosquito, aby stworzyć swoje dzieło – audiowizualny happening, potrzebuje archiwalnych materiałów dokumentujących moment narodzin.

Artykuł Podziel się nagraniami z narodzin Twojego dziecka – NástioMosquito, kurator festiwalu Malta zaprasza do projektu pochodzi z serwisu Zwierciadlo.pl.


          Alġerin li għamilha ta’ whistleblower fil-każ tal-visas tittieħidlu ċ-ċittadinanza Maltija      Cache   Translate Page      

Alġerin li ilu Malta mat-18-il sena, u li kien iżżeweġ Maltija 17-il sena ilu ttieħditlu ċ-ċittadinanza għax deċiżjoni tal-Qorti sabet li ż-żwieġ tiegħu kien ivvizzjat. L-Alġerin li llum għandu negozju f’Malta u jħaddem in-nies miegħu, kien whistle-blower fil-każ dwar il-visas li kien qajjem interess kbir. Kienet l-Oppożizzjoni li talbet lill-Uffiċċju tal-Awditur Ġenerali biex jinvestiga l-ħruġ […]

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          Curso de inglés en Malta // ¡Sólo hoy con 20€ de descuento! 7 noches en apto. con 20 lecciones de inglés incluidas (opción 2 semanas) // sólo 249,-€      Cache   Translate Page      

¡Ha llegado el momento de perfeccionar el control de este idioma con un curso de inglés en Malta! Lo acabo de encontrar en Groupon.es y me parece de lo mejorcito, ya que, hoy en día, es muy difícil encontrar un curso tan barato. Con esta oferta disfrutaréis de 7 noches de alojamiento en un apartamento, […]

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          CPUをレインボーカラーに光らせるウォーターブロック       Cache   Translate Page      

Thermaltakeから、カスタマイズ可能なアドレサブルRGB LEDを搭載するCPU用ウォーターブロック「Pacific W5」が発売された。



          Inaugural Offshore Sailing World Championship heads to Malta      Cache   Translate Page      
The inaugural edition of World Sailing's Offshore World Championship will be held in October 2020 in Valletta, Malta alongside the Rolex Middle Sea Race.
          Andrea’s Trip nach Malta      Cache   Translate Page      

Ein paarmal pro Jahr tausche ich den Counter im Reisebüro um ein paar Tage vor Ort Erfahrungen zu sammeln. Dieses Mal was es Zeit für einen […]

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          12일 코스닥 개인 순매매 상위종목(확정)      Cache   Translate Page      
 
개인 순매수
개인 순매도
종목
금액(억원)
종목
금액(억원)
와이지엔터테인먼트
145.7
셀트리온헬스케어
583.5
에스엠
143.7
바이로메드
348.3
셀리버리
83.4
에이치엘비
274.6
JYP Ent.
62.3
스튜디오드래곤
157.8
제이엔케이히터
51.3
신라젠
124.0
셀리드
33.3
올릭스
123.2
유틸렉스
27.2
메디톡스
120.9
에스앤더블류
23.9
셀트리온제약
97.5
대한광통신
22.3
포스코켐텍
96.6
에코프로비엠
21.1
AP시스템
95.3
아스트
19.3
파멥신
79.3
웹젠
18.5
펄어비스
71.9
천보
16.3
안트로젠
62.9
대주전자재료
16.1
CJ ENM
62.8
클리오
14.5
차바이오텍
53.7
엘앤에프
14.2
휴젤
51.8
뉴트리바이오텍
13.4
엠씨넥스
47.5
우리손에프앤지
12.3
SK머티리얼즈
46.8
THE E&M
12.3
외국인 순매수
외국인 순매도
종목
금액(억원)
종목
금액(억원)
바이로메드
135.1
CJ ENM
124.4
스튜디오드래곤
92.7
원익IPS
30.7
에이치엘비
85.0
지트리비앤티
25.0
셀트리온헬스케어
73.5
웹젠
22.1
셀트리온제약
63.2
에코프로비엠
21.4
AP시스템
52.2
신라젠
17.4
와이지엔터테인먼트
37.2
티씨케이
15.2
올릭스
36.7
피에스케이
14.6
에이비엘바이오
36.4
에이치엘비생명과학
13.5
아난티
36.2
이오테크닉스
12.0
포스코켐텍
32.4
에스엠
11.6
펄어비스
32.4
위메이드
11.4
코엔텍
29.2
인바디
10.8
파트론
29.0
SK머티리얼즈
10.2
엠씨넥스
28.4
비에이치
9.6
네이처셀
26.8
뉴트리바이오텍
9.4
덕산네오룩스
25.5
휴메딕스
8.5
아프리카TV
22.7
인트론바이오
8.4
메디톡스
21.9
기관 순매수
기관 순매도
종목
금액(억원)
종목
금액(억원)
셀트리온헬스케어
509.1
와이지엔터테인먼트
186.9
바이로메드
211.1
에스엠
134.2
CJ ENM
189.8
셀리버리
76.1
에이치엘비
184.8
JYP Ent.
62.6
신라젠
146.6
대한광통신
31.2
메디톡스
96.9
아스트
21.8
올릭스
83.2
유틸렉스
17.3
파멥신
79.3
대주전자재료
15.9
스튜디오드래곤
66.6
아이씨디
14.3
포스코켐텍
63.9
천보
13.6
SK머티리얼즈
61.5
엘앤에프
13.3
원익IPS
59.7
클리오
12.6
안트로젠
54.3
셀리드
11.3
차바이오텍
46.3
비츠로셀
10.7
AP시스템
43.7
메지온
9.8
비에이치
43.1
코오롱티슈진
9.3
카페24
42.4
알테오젠
9.1
네패스
41.1
쎌바이오텍
9.1
휴젤
40.7
개인 순매수
개인 순매도
종목
금액(억원)
종목
금액(억원)
삼성SDI
406.3
삼성전자